Vítimas de Uma Paixão

Vítimas de Uma Paixão 

Uma série de mortes ligadas a anúncios pessoais em jornais acaba levando o policial Frank Keller (Al Pacino) a uma suspeita muito bonita e sensual, Helen (Ellen Barkin). Não demora muito para o policial se apaixonar por ela. Resolvi rever recentemente "Sea of Love". Fazia tanto tempo que tinha assistido pela última vez que resolvi recordar esse verdadeiro revival da carreira do mito Pacino. O ator aqui está em seu habitat natural interpretando um tira com problemas pessoais (um casamento destruído justamente por um colega de trabalho e um indisfarçável problema com bebidas). Esse tipo de caracterização sempre fica ótima na pele do Al. Ele, como grande ator que é, sabe como poucos fazer esse tipo (muito provavelmente porque cresceu ao redor de tiras assim em Nova Iorque, caras que viviam no limite). Ao seu lado ainda temos o simpático comediante bonachão John Godman, ainda ganhando destaque dentro do cinema na época. A produção na época foi encarada como um retorno de Pacino aos filmes comerciais. Ele havia de certa forma se queimado com o fracasso monumental do filme "Revolução" mas aos poucos foi retomando o rumo do sucesso.

Por fim como seu interesse romântico temos em cena a atriz Ellen Barkin, muito charmosa e sensual, aqui esbanjando no visual exagerado tipicamente 80´s (com muito laquê no cabelo e maquiagem pesada). O filme não chega aos pés de outros clássicos policiais da carreira de Al Pacino como o sempre lembrado "Serpico" mas consegue manter o interesse e o suspense durante toda a sua duração. A trilha sonora e os momentos calientes ajudam muito nesse aspecto. Pena que o diretor Harold Becker não tenha feito nada de muito relevante depois desse filme. Digno de nota mesmo apenas sua outra bem sucedida parceria ao lado de Pacino em "City Hall". Muito pouco para quem prometia tanto. De qualquer modo assista "Sea of Love" caso não tenha visto ainda, certamente você não vai se arrepender.

Vítimas de Uma Paixão (Sea Of Love, Estados Unidos, 1989) Direção: Harold Becker / Roteiro: Richard Price / Elenco: Al Pacino, Ellen Barkin, John Goodman, Michael Rooker, Richard Jekins, William Hickey, Samuel L. Jackson. / Sinopse: Uma série de mortes ligadas a anúncios pessoais em jornais acaba levando o policial Frank Keller (Al Pacino) a uma suspeita muito bonita e sensual, Helen (Ellen Barkin). Não demora muito para o policial se apaixonar por ela.

Pablo Aluísio.

Vítimas de uma Paixão

Lançado em 15 de setembro de 1989, Vítimas de uma Paixão (Sea of Love) é um suspense policial dirigido por Harold Becker, com roteiro de Richard Price e produção de Martin Bregman, conhecido por sua longa parceria com Al Pacino. O filme marcou o retorno de Pacino às telas depois de um intervalo de quatro anos, desde Revolution (1985). Além do ator, o elenco reúne Ellen Barkin, John Goodman, Michael Rooker e William Hickey. A história acompanha Frank Keller (Pacino), um detetive da polícia de Nova York que enfrenta problemas pessoais, especialmente o alcoolismo e o fracasso de seu casamento. Ele é encarregado de investigar uma série de assassinatos de homens encontrados mortos em seus apartamentos, todos aparentemente relacionados a anúncios amorosos publicados em jornais e revistas. Ao perceber que as vítimas haviam conhecido mulheres por meio dessas publicações, Frank decide trabalhar com o detetive Sherman Touhey (John Goodman) em uma estratégia incomum: os dois publicam um anúncio semelhante e passam a encontrar as mulheres que respondem, procurando identificar a assassina por meio de suas impressões digitais deixadas em copos. Durante a investigação, Frank conhece Helen Cruger (Ellen Barkin), uma mulher atraente e independente por quem acaba se apaixonando. O problema é que ela também se torna uma das principais suspeitas do caso. Dividido entre o dever profissional e seus sentimentos, o policial começa a questionar se está investigando uma criminosa ou se finalmente encontrou alguém capaz de mudar sua vida. Com atmosfera de filme noir, suspense psicológico e uma história que mistura investigação policial e paixão, a produção apresenta uma Nova York noturna, marcada pela solidão e pelas dificuldades dos relacionamentos.

A recepção crítica na época foi relativamente positiva, embora alguns jornalistas tenham apontado limitações no roteiro. Roger Ebert, do Chicago Sun-Times, concedeu três estrelas de quatro e considerou que o filme apresentava uma história engenhosamente construída, sustentada pela dúvida sobre a verdadeira identidade da mulher por quem o protagonista se apaixona. Ebert destacou especialmente a química entre Al Pacino e Ellen Barkin, afirmando que a atriz demonstrava uma intensidade e uma capacidade de interpretação extraordinárias. Para ele, Pacino também recuperava parte da presença magnética que havia marcado seus grandes trabalhos dos anos 1970, oferecendo uma atuação mais áspera, complexa e convincente. O crítico, entretanto, manifestou insatisfação com a resolução do mistério, considerando que a explicação final introduzia um elemento inesperado de maneira pouco satisfatória. No Los Angeles Times, Kevin Thomas classificou o longa como um entretenimento policial eficiente, destacando o humor do roteiro e o desempenho dos protagonistas. Thomas observou que Pacino e Barkin possuíam uma química cinematográfica bastante forte, capaz de compensar algumas improbabilidades da narrativa. 

No The New York Times, Vincent Canby apresentou uma avaliação mais severa, descrevendo o filme como uma imitação excessivamente produzida de um suspense televisivo de qualidade inferior. O crítico considerou que Pacino exagerava na composição de seu personagem e que Ellen Barkin enfrentava dificuldades para equilibrar as características de sensualidade, inocência e ameaça exigidas pelo papel. A revista Newsweek, por outro lado, publicou uma avaliação favorável de David Ansen, que considerou o filme envolvente e destacou sua capacidade de prender a atenção do público, embora observasse que a produção permanecia excessivamente concentrada em sua superfície sensual. O The Washington Post, em crítica assinada por Hal Hinson, elogiou a interação entre os atores, especialmente a parceria entre Pacino e John Goodman, considerada um dos aspectos mais agradáveis da produção. A revista Variety também reconheceu a qualidade das interpretações e a habilidade do diretor Harold Becker em construir um suspense policial com elementos de filme noir. A diversidade dessas avaliações demonstra que, apesar das ressalvas sobre a previsibilidade e a resolução da investigação, o trabalho dos atores foi amplamente reconhecido como o grande diferencial da produção. 

Com orçamento estimado em 19 milhões de dólares, Vítimas de uma Paixão arrecadou aproximadamente 110,9 milhões mundialmente, tornando-se um grande sucesso comercial e um dos filmes mais importantes da carreira de Al Pacino naquele período. Seu desempenho foi particularmente significativo porque o ator vinha de um período de menor atividade cinematográfica e precisava recuperar sua posição como uma das principais estrelas de Hollywood. O filme abriu em primeiro lugar nas bilheterias norte-americanas, arrecadando mais de 10 milhões de dólares em seu primeiro fim de semana, resultado que surpreendeu positivamente o mercado cinematográfico.  A produção também recebeu reconhecimento nas premiações, com indicação de Al Pacino ao Globo de Ouro de melhor ator em filme dramático. Atualmente, mantém uma reputação bastante favorável entre os admiradores de suspenses policiais e thrillers eróticos do final dos anos 1980. O Rotten Tomatoes registra 76% de aprovação da crítica, enquanto a avaliação retrospectiva destaca especialmente a química entre Pacino e Barkin. Embora não seja considerado uma das obras-primas de sua filmografia, Vítimas de uma Paixão permanece como um dos suspenses mais interessantes daquele período, valorizado pela atmosfera urbana, pelas interpretações e pela combinação de investigação criminal com drama psicológico e romance.

Erick Steve. 

Dick Tracy

Dick Tracy

O personagem é um dos mais clássicos do mundo dos quadrinhos. Criado pelo desenhista Chester Gould em 1931 para ser publicado em jornais, em tirinhas seriadas, o detetive logo virou um ícone entre a garotada. Esse personagem acabou também sendo um dos mais influentes da história, basta lembrar de suas bugigangas eletrônicas e tramas para salvar o mundo, algo que anos depois iria inspirar até mesmo o escritor Ian Fleming na criação de seu famoso James Bond. Durante décadas se cogitou uma adaptação das aventuras de Dick Tracy para o cinema, mas muitos produtores consideraram que seria extremamente caro a realização de um filme como esse. Além do mais naquela altura o personagem já não era mais tão conhecido e querido pelo público jovem (muitos até desconheciam sua existência). O quadro mudou quando o ator Warren Beatty adquiriu os direitos de Dick Tracy no final da década de 1980. Usando de seu prestígio pessoal ele conseguiu levantar o financiamento necessário para a produção do filme com um grande estúdio de Hollywood. Além disso usando de sua rede de amigos na indústria conseguiu trazer para o elenco grandes nomes como Al Pacino para interpretar o vilão Big Boy Caprice e Dustin Hoffman como o esquisito Mumbles. Com tudo pronto Warren, que tinha interesse apenas em atuar, foi atrás de Steven Spielberg para dirigir a produção, mas esse, alegando estar com agenda cheia, declinou do convite. Para não perder milhões de dólares em investimento e nem o controle sobre o projeto que ele tanto adorava, o próprio Warren Beatty resolveu dirigir o filme, algo que ele só tinha feito duas vezes na carreira antes, com "O Céu Pode Esperar" em 1978 e "Reds" três anos depois.

Um dos movimentos mais corajosos de Warren Beatty foi optar por escolher a estética dos quadrinhos, dando um tom naturalmente cartunesco ao seu universo. Tudo muito puro e até inocente. Nada de tentar trazer Dick Tracy para o mundo atual e nem lhe dar uma estética realista (como tem acontecido ultimamente em adaptações de quadrinhos no cinema). Sua coragem em realizar um filme que se parecesse completamente com o mundo dos quadrinhos, inclusive com o elenco usando forte maquiagem, se mostrou bem certeira. Na verdade o que ele quis mesmo foi resgatar o detetive de seus tempos de infância. E para quem achava que ele não estava apostando alto o próprio Warren resolveu escalar sua namorada na época, ninguém menos do que a cantora popstar Madonna, para ser uma coadjuvante de luxo na pele da sensual e perigosa Breathless Mahoney. O resultado de tudo é certamente uma das mais criativas transições do universo comics para a sétima arte. Tudo muito colorido, excessivo até, mas com um belo sabor de nostalgia. O filme foi sucesso de público e crítica e agradou tanto ao próprio diretor que ele resolveu deixá-lo sem continuações, mesmo com a boa bilheteria arrecadada. Para Beatty foi uma maneira de preservar essa pequena obra prima que lhe trouxe tanto orgulho pessoal e artístico.

Dick Tracy (Dick Tracy, Estados Unidos, 1990) Direção: Warren Beatty / Roteiro: Warren Beatty, Jim Cash, baseados nos personagens criados por Chester Gould / Elenco: Warren Beatty, Madonna, Al Pacino, Dustin Hoffman, Charles Durning, Kathy Bates, Henry Silva, James Caan. / Sinopse: Na década de 1930, em uma cidade infestada de gangsters e criminosos de todos os tipos, o detetive Dick Tracy (Warren Beatty) precisa deter o infame vilão Big Boy Caprice (Al Pacino) de colocar em prática um ardiloso plano de dominação. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Maquiagem e Melhor Música Original - "Sooner or Later (I Always Get My Man)" de Stephen Sondheim. Também indicado nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Al Pacino), Fotografia, Figurinos e Som. Indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Comédia ou Musical e Melhor Ator Coadjuvante (Al Pacino).

Pablo Aluísio.

Dick Tracy

Lançado em 15 de junho de 1990, Dick Tracy é uma adaptação cinematográfica da famosa história em quadrinhos criada por Chester Gould em 1931. Dirigido e produzido por Warren Beatty, que também interpreta o personagem principal, o filme conta com um elenco excepcional, incluindo Al Pacino, Madonna, Glenne Headly, Dustin Hoffman, James Caan, William Forsythe, Paul Sorvino e Dick Van Dyke. A produção da Touchstone Pictures procurou reproduzir fielmente a estética dos quadrinhos originais, utilizando cenários artificiais, maquiagem elaborada e uma paleta de cores extremamente limitada, baseada principalmente nos tons primários. A história acompanha o detetive Dick Tracy, um policial incorruptível que combate o crime organizado em uma cidade dominada por gangues e políticos corruptos. Seu principal adversário é Alphonse Big Boy Caprice (Al Pacino), um poderoso chefe criminoso que pretende assumir o controle absoluto da cidade, eliminando seus concorrentes e corrompendo as autoridades. Para alcançar seus objetivos, Big Boy envolve-se em uma série de assassinatos e passa a controlar estabelecimentos comerciais e atividades ilegais. Durante a investigação, Tracy conhece Breathless Mahoney (Madonna), uma cantora de cabaré que possui informações importantes sobre as atividades criminosas do mafioso e acaba envolvida em um complicado triângulo amoroso com o detetive e sua namorada Tess Trueheart (Glenne Headly). Paralelamente, Tracy acolhe um garoto órfão conhecido como Kid, que passa a acompanhá-lo em suas investigações. A produção combina ação policial, humor, romance e musical, criando uma experiência cinematográfica que procura reproduzir o universo visual das histórias em quadrinhos em vez de apresentar uma cidade realista.

A recepção crítica na época do lançamento foi relativamente positiva, especialmente em relação à direção artística, à fotografia e às interpretações do elenco. Roger Ebert, do Chicago Sun-Times, concedeu quatro estrelas ao filme e publicou uma das avaliações mais entusiasmadas daquele período. O crítico considerou Dick Tracy uma das fantasias cinematográficas mais originais e visionárias que havia visto, elogiando particularmente a maneira como Warren Beatty transformou a linguagem dos quadrinhos em uma experiência visual. Ebert destacou os cenários, os efeitos especiais, a maquiagem dos personagens e a utilização das cores, afirmando que o filme conseguia criar um universo artificial absolutamente convincente dentro de suas próprias regras. No The New York Times, Vincent Canby também apresentou uma crítica favorável, destacando o excelente elenco, as canções de Stephen Sondheim e o extraordinário trabalho técnico. Canby considerou que a produção possuía praticamente todos os elementos necessários para um grande espetáculo cinematográfico, além de conseguir equilibrar humor e fantasia sem cair excessivamente no ridículo. Na revista Variety, entretanto, a avaliação foi mais reservada. A publicação elogiou a beleza visual da produção, mas considerou que o filme apresentava dificuldades para envolver emocionalmente o espectador, criticando especialmente a interpretação relativamente fria de Warren Beatty como o detetive. 

No Los Angeles Times, Sheila Benson publicou uma crítica bastante entusiasmada, classificando o longa como uma diversão irresistível, de enorme estilo e personalidade. A jornalista destacou principalmente a interpretação de Al Pacino, considerando que sua composição de Big Boy Caprice era uma das criações cômicas mais extraordinárias do cinema daquele período. Pacino, praticamente irreconhecível sob uma elaborada maquiagem prostética, construiu um vilão exagerado, engraçado, ameaçador e completamente diferente de seus personagens anteriores. Benson chegou a afirmar que Dick Tracy era, acima de tudo, o filme de Pacino, tamanha a força de sua atuação. A crítica também elogiou a maquiagem dos criminosos, a fotografia de Vittorio Storaro e a direção de arte de Richard Sylbert. Em contrapartida, Peter Travers, da revista Rolling Stone, considerou que a produção privilegiava excessivamente sua aparência visual, deixando os personagens sem profundidade emocional. Para Travers, o filme era um espetáculo visual extraordinário, mas carecia de envolvimento psicológico. Na revista Entertainment Weekly, Owen Gleiberman também apresentou ressalvas, considerando que a produção possuía qualidades evidentes, mas não conseguia transformar seu impressionante universo visual em uma experiência dramática igualmente interessante. Apesar dessas divergências, houve um reconhecimento praticamente unânime da qualidade técnica da produção, especialmente da maquiagem, dos figurinos de Milena Canonero, da fotografia e da trilha musical de Danny Elfman. 

Com orçamento estimado em 47 milhões de dólares, Dick Tracy arrecadou aproximadamente 162,7 milhões mundialmente, sendo 103,7 milhões apenas nos Estados Unidos e Canadá. O filme estreou com 22,5 milhões de dólares em seu primeiro fim de semana, estabelecendo um recorde de abertura para a Walt Disney Studios naquele momento. Entretanto, a produção havia recebido uma campanha publicitária gigantesca, estimada em dezenas de milhões de dólares, acompanhada de uma extensa linha de produtos licenciados. Por isso, embora tenha apresentado uma bilheteria respeitável, seu resultado financeiro ficou aquém das expectativas mais ambiciosas do estúdio, e os planos de transformar a produção em uma grande franquia cinematográfica não se concretizaram. O filme recebeu sete indicações ao Oscar, conquistando três estatuetas: Melhor Canção Original, por Sooner or Later (I Always Get My Man), de Stephen Sondheim, Melhor Maquiagem e Melhor Direção de Arte. Atualmente, Dick Tracy é considerado uma das adaptações mais visualmente criativas de uma história em quadrinhos para o cinema. Sua estética artificial, os figurinos coloridos e a caracterização dos criminosos continuam sendo referências importantes para produções posteriores. A atuação de Al Pacino também permanece como um dos grandes destaques de sua carreira, demonstrando uma extraordinária capacidade para a comédia e para a composição de personagens grotescos. Mais de três décadas depois, o filme conserva uma identidade cinematográfica muito particular e é lembrado como uma das experiências mais ousadas de Warren Beatty como diretor. 

Erick Steve. 

Revolução

Título no Brasil: Revolução
Título Original: Revolution
Ano de Produção: 1985
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Hugh Hudson
Roteiro: Robert Dillon
Elenco: Al Pacino, Donald Sutherland, Nastassja Kinski

Sinopse:
Um caçador e homem do campo de Nova Iorque se torna um participante relutante na Revolução Americana depois que seu filho Ned é convocado para o Exército revolucionário. Juntos tentarão sobreviver aos horrores daquela guerra sangrenta e violenta. Filme indicado ao "prêmio" Framboesa de Ouro nas categorias de Pior Filme, Pior Ator (Al Pacino), Pior Diretor (Hugh Hudson) e Pior Trilha Sonora Original.

Comentários:
Foi um dos maiores fracassos comerciais da história do cinema americano. O desastre foi tão absoluto que conseguiu queimar o nome do grande Al Pacino dentro da indústria. De repente os produtores fugiam à simples menção de que Pacino poderia vir a estrelar um de seus projetos. Para se ter uma ideia do estrago o ator ficaria quatro longos anos sem realizar nenhum outro filme em Hollywood, apenas absorvendo a derrota de "Revolução". O pior de toda essa história é que se o filme fosse ao menos bom poderíamos sair em defesa de Al Pacino e do cineasta Hugh Hudson mas a verdade é que o fracasso foi merecido mesmo pois "Revolução" é de fato realmente muito ruim! O roteiro não tem uma linha narrativa precisa, tudo vai acontecendo de forma confusa e sem nexo. Pacino está perdido em cena, sem achar a essência de seu personagem, que ora age heroicamente, ora de forma covarde e cruel. Como se isso não fosse ruim o bastante o espectador ainda tem que encarar a péssima ideia do diretor Hugh Hudson em filmar tudo com a câmera na mão, correndo junto dos atores nas cenas de batalhas e conflitos. Poucos serão os espectadores que não sairão com tontura de uma experiência tão ruim como essa! Enfim, vale como curiosidade apenas pois como filme em si tudo é muito desastroso e péssimo. Fuja para longe dessa revolução que não deu certo.

Pablo Aluísio.

Revolução

Lançado em 25 de dezembro de 1985, Revolução (Revolution), dirigido por Hugh Hudson, é um drama histórico e de guerra protagonizado por Al Pacino, acompanhado por Donald Sutherland, Nastassja Kinski, Joan Plowright e Dexter Fletcher. Produzido pela Goldcrest Films e pela Viking Films, com distribuição da Warner Bros., o longa procurou apresentar uma visão realista e pouco convencional da Guerra de Independência dos Estados Unidos. A história se passa em Nova York e na Pensilvânia, entre 1776 e 1783, acompanhando Tom Dobb (Pacino), um caçador de peles de origem escocesa que vive com seu filho Ned. Inicialmente interessado apenas em sobreviver e manter sua liberdade, Dobb procura permanecer afastado do conflito entre os colonos americanos e as tropas britânicas. Entretanto, quando seu filho acaba envolvido na guerra, ele se vê obrigado a participar dos acontecimentos para protegê-lo. Durante sua jornada, Dobb conhece Daisy McConnahay (Nastassja Kinski), uma jovem pertencente a uma família que mantém ligações com os britânicos, e enfrenta o cruel sargento-mor Peasy (Donald Sutherland), um militar que representa a brutalidade das forças coloniais de ocupação. À medida que a guerra avança, o protagonista testemunha a violência dos combates, a destruição das comunidades e os sacrifícios daqueles que lutam pela independência. Diferentemente de muitos filmes históricos tradicionais, Hudson procurou retratar o conflito a partir da perspectiva das pessoas comuns, sem transformar os grandes comandantes militares em protagonistas. As filmagens aconteceram principalmente na Inglaterra, com batalhas grandiosas, milhares de figurantes e uma cuidadosa reconstrução visual do período. O projeto, entretanto, enfrentou dificuldades de produção e problemas de montagem, chegando aos cinemas em uma versão que posteriormente seria considerada incompleta pelo próprio diretor.

A recepção crítica em 1985 foi extremamente negativa, e o filme acabou se tornando um dos maiores fracassos artísticos associados à carreira de Al Pacino. No The New York Times, Vincent Canby classificou a produção como uma obra confusa, observando que os personagens pareciam desenvolver relações emocionais sem que o roteiro apresentasse adequadamente os acontecimentos necessários para justificar essas mudanças. A crítica considerou que o filme possuía imagens impressionantes, mas não conseguia organizá-las em uma narrativa coerente. Na revista Time, Richard Corliss descreveu a produção como um trabalho solene e incoerente, criticando especialmente a dificuldade de Hugh Hudson em construir uma história capaz de sustentar a grandiosidade visual. A revista Newsweek, em crítica assinada por David Ansen, foi igualmente severa, afirmando que parecia existir um filme muito melhor escondido na sala de montagem, enquanto a versão exibida nos cinemas apresentava uma sucessão de cenas desconectadas. Ansen reconheceu a beleza das imagens e a dimensão das reconstituições históricas, mas considerou que faltavam elementos essenciais para compreender os acontecimentos e acompanhar emocionalmente os personagens. 

O Los Angeles Times, em crítica assinada por Sheila Benson e publicada em 25 de dezembro de 1985, apresentou uma avaliação particularmente interessante. A jornalista elogiou a fotografia, os cenários, os figurinos e a intensidade das sequências de batalha, chegando a considerar algumas delas entre as melhores já realizadas para o cinema. Entretanto, apontou uma deficiência fundamental: faltava ao filme uma história capaz de sustentar aquelas imagens extraordinárias. Benson escreveu que a produção era praticamente desprovida de uma narrativa à altura de sua impressionante apresentação visual. A revista Variety também adotou uma posição crítica, comparando a experiência de assistir ao filme a uma visita a um museu: visualmente bonito, mas sem vida. A publicação observou que a produção parecia mais interessada em ilustrar o significado histórico da Revolução Americana do que em contar uma história humana envolvente. Apesar das críticas, alguns elementos foram reconhecidos positivamente, especialmente a fotografia de Bernard Lutic, a direção de arte, a trilha sonora de John Corigliano e as interpretações de Donald Sutherland e Joan Plowright. A atuação de Pacino, entretanto, foi considerada inadequada por parte dos críticos, principalmente pela dificuldade de conciliar seu estilo interpretativo com a origem escocesa do personagem. O fracasso da produção foi tão significativo que o próprio ator posteriormente declarou ter ficado profundamente decepcionado com a maneira como o filme chegou aos cinemas. 

Com orçamento estimado em 28 milhões de dólares, Revolução arrecadou aproximadamente 358 mil dólares no mercado norte-americano, transformando-se em um dos maiores fracassos comerciais de sua época. A distribuição foi extremamente limitada, e o desempenho desastroso contribuiu para a crise financeira da Goldcrest Films, produtora britânica que também havia investido em outras grandes produções daquele período.  O fracasso também afetou a carreira de Hugh Hudson, que havia conquistado reconhecimento internacional com Carruagens de Fogo (1981). Pacino, por sua vez, afastou-se do cinema durante alguns anos, retornando em 1989 com Vítimas de uma Paixão. Entretanto, a história de Revolução não terminou com seu fracasso original. Em 2009, Hudson preparou uma nova montagem, intitulada Revolution: Revisited, mais curta que a versão cinematográfica original e acompanhada por uma nova narração de Al Pacino. Essa versão permitiu uma reavaliação da obra, com críticos e admiradores reconhecendo qualidades que haviam ficado prejudicadas na montagem de 1985. Atualmente, o filme continua longe de ser considerado um clássico, mas sua fotografia, a reconstrução histórica e a tentativa de apresentar a guerra pela perspectiva das pessoas comuns merecem reconhecimento. É uma produção ambiciosa, visualmente impressionante e historicamente interessante, cuja realização foi prejudicada por problemas narrativos e decisões de montagem. 

Erick Steve. 

Os Donos do Poder

Título no Brasil: Os Donos do Poder

Título Original: Power

Ano de Lançamento: 1986

País: Estados Unidos

Estúdio: Lorimar Motion Pictures

Direção: Sidney Lumet

Roteiro: David Himmelstein

Elenco: Richard Gere, Julie Christie, Gene Hackman, Kate Capshaw, Denzel Washington e E. G. Marshall. 

Sinopse:

Pete St. John é um dos mais influentes consultores políticos dos Estados Unidos, um profissional especializado em construir a imagem pública de candidatos e ajudá-los a conquistar o apoio dos eleitores. Inteligente, ambicioso e extremamente habilidoso, Pete conhece os mecanismos da publicidade política e sabe como transformar as características de um candidato em instrumentos de persuasão. Sua profissão, entretanto, também o obriga a trabalhar com políticos cujos interesses nem sempre correspondem às suas convicções pessoais. Quando seu amigo, o senador Sam Hastings, decide abandonar a carreira política devido a problemas de saúde, Pete é contratado para ajudar Jerome Cade, um empresário que pretende ocupar a vaga no Senado. Inicialmente, o trabalho parece representar apenas mais uma oportunidade profissional, mas Pete começa a desconfiar das verdadeiras intenções de seu novo cliente. A situação se complica quando ele percebe que interesses empresariais e econômicos estão influenciando a campanha e que algumas decisões políticas podem favorecer poderosos grupos ligados ao petróleo. Ao mesmo tempo, Pete enfrenta a oposição de Wilfred Buckley, antigo amigo e rival profissional, além de manter uma relação complicada com Ellen Freeman, sua ex-esposa e jornalista política. À medida que investiga os bastidores da candidatura de Cade, Pete precisa decidir até que ponto está disposto a sacrificar seus princípios em troca de dinheiro, influência e sucesso. 

Comentários: 

Os Donos do Poder é um drama político dirigido por Sidney Lumet, cineasta conhecido por filmes que investigam as relações entre poder, corrupção e instituições americanas, como Serpico e Rede de Intrigas. Lançado em 1986, o longa apresenta Richard Gere no papel de Pete St. John, um consultor que trata as campanhas eleitorais como produtos comerciais, utilizando pesquisas, publicidade e estratégias de comunicação para influenciar a opinião pública. Gere interpreta o protagonista com elegância e segurança, transmitindo o comportamento de um profissional acostumado a controlar situações e a esconder suas próprias dúvidas. Gene Hackman interpreta Wilfred Buckley, seu antigo parceiro e rival, enquanto Julie Christie vive Ellen Freeman, a jornalista que conhece tanto suas qualidades quanto suas contradições. Denzel Washington aparece como Arnold Billings, um assessor político envolvido nos interesses que cercam a candidatura de Jerome Cade. Kate Capshaw e E. G. Marshall também desempenham papéis importantes na trama. O roteiro de David Himmelstein foi inspirado em sua experiência de pesquisa sobre campanhas eleitorais e consultores políticos, procurando mostrar como a imagem pública de um candidato pode ser cuidadosamente construída para conquistar votos. A direção de Lumet confere à narrativa um tom realista, com diálogos rápidos, disputas profissionais e acontecimentos que revelam as relações entre publicidade, dinheiro e influência política. 

A recepção crítica foi dividida. Roger Ebert, do Chicago Sun-Times, elogiou a autenticidade da representação dos consultores políticos, afirmando que o filme transmite a sensação de um assunto bem pesquisado, mas criticou a estrutura narrativa por considerar que faltava uma história central mais bem definida. Vincent Canby, do The New York Times, foi ainda mais severo, avaliando que a produção apresentava poucas ideias realmente desenvolvidas. A Variety também considerou que o filme não explorava plenamente as possibilidades de sua crítica à política e à publicidade. Comercialmente, o resultado ficou aquém das expectativas: o filme arrecadou aproximadamente US$ 3,8 milhões nos Estados Unidos e no Canadá, diante de um orçamento estimado entre US$ 14 milhões e US$ 16 milhões. 

Apesar disso, Os Donos do Poder permanece interessante para quem deseja compreender a evolução do marketing político e a crescente importância da construção da imagem dos candidatos nas campanhas eleitorais modernas. O filme também tem valor por reunir Richard Gere, Gene Hackman, Julie Christie e um jovem Denzel Washington em uma produção de um diretor experiente como Lumet. Sua crítica aos bastidores da política continua pertinente, especialmente ao mostrar como interesses econômicos, estratégias de comunicação e ambições pessoais podem influenciar decisões que afetam toda a sociedade. Hoje, a obra é lembrada como um retrato imperfeito, mas relevante, dos mecanismos de poder na política americana dos anos 1980.

Erick Steve. 

Rei Davi

Título no Brasil: Rei Davi
Título Original: King David
Ano de Produção: 1985
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Bruce Beresford
Roteiro: Andrew Birkin, James Costigan
Elenco: Richard Gere, Edward Woodward, Alice Krige

Sinopse:
Após vencer o terrível Golias, o jovem Davi (Richard Gere) se torna o novo Rei dos judeus. Durante sua vida (estima-se que tenha vivido entre 1040 a.C até 970 a.C) o monarca da antiguidade se torna um exemplo de rei forte mas piedoso e temeroso perante seu Deus. Baseado nos fatos narrados no Velho Testamento da Bíblia.

Comentários:
Imaginem o galã Richard Gere dando vida no cinema ao lendário Rei Davi de Israel. Pois é, foi justamente isso que a Paramount Pictures tentou transformar em sucesso em meados da década de 80. Nem precisa dizer que não deu muito certo. O roteiro escrito não agradou, nem aos judeus e nem aos cristãos. Houve várias críticas às licenças poéticas mostradas no enredo. Realizar filmes com personagens bíblicos sempre trazem problemas pois certamente algum líder de algum segmento religioso não gostará do resultado final. Em minha forma de ver o filme não é tão ruim como dizem. Certamente o texto não é tão religioso como alguns grupos queriam, priorizando mais o lado mais guerreiro e romântico do famoso monarca. Acredito que muitos religiosos criam sua própria visão do que seria Davi no velho testamento mas na realidade, olhando sob um ponto de vista puramente histórico, ele estaria mais próximo do que efetivamente aconteceu. Não é um grande épico e nem tem produção muito luxuosa mas não me desagradou. Penso que é um filme bem interessante no final das contas.

Pablo Aluísio.

Cotton Club

Título no Brasil: Cotton Club
Título Original: The Cotton Club
Ano de Produção: 1984
País: Estados Unidos
Estúdio: Zoetrope Studios
Direção: Francis Ford Coppola
Roteiro: William Kennedy, Francis Ford Coppola
Elenco: Richard Gere, Gregory Hines, Diane Lane

Sinopse:
As estórias, dramas, romances e decepções daqueles que fizeram a fama do Cotton Club, uma popular casa noturna de jazz localizada no bairro do Harlem em Nova Iorque. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte e Melhor Edição (Barry Malkin e Robert Q. Lovett). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama e Melhor Direção (Francis Ford Coppola).

Comentários:
Verdade seja dita: poucos diretores amaram mais a sétima arte do que Francis Ford Coppola. E essa não é uma frase vazia. O cineasta apostou alto em seu amor pelo cinema. Não mediu esforços e colocou toda a sua fortuna em prol da realização de filmes que sonhava realizar. Muitos deles foram fracassos comerciais monumentais que destruíram sua estabilidade financeira. Mas Coppola, tão idealista e apaixonado, não se importava em pagar esse alto preço. "The Cotton Club" faz parte da série de filmes que arruinaram o diretor do ponto de vista comercial. Ele porém amou a oportunidade de realizar esse velho sonho, quase uma homenagem ao mundo da música, tudo rodado em um universo meio mágico, quase uma fábula. Pode ter sido um fracasso comercial, mas do ponto de vista puramente artístico é uma grande obra cinematográfica. O diretor estava tão inspirado que conseguiu até mesmo arrancar uma grande interpretação do ator Richard Gere, considerado até então um canastrão inveterado. E o que dizer de Gregory Hines? Ele literalmente rouba as cenas em que aparece. Assim o que temos aqui é uma declaração de amor ao cinema e à música, pelas mãos do genial Francis Ford Coppola! Se as pessoas na época de lançamento não entenderam isso, certamente não é culpa do diretor, que sempre esteve tão a frente de seu tempo. Excelente musical.

Pablo Aluísio.

A Força do Amor

Título no Brasil: A Força do Amor
Título Original: Breathless
Ano de Produção: 1983
País: Estados Unidos
Estúdio: Orion Pictures, Columbia Pictures
Direção: Jim McBride
Roteiro: François Truffaut, Jean-Luc Godard
Elenco: Richard Gere, Valérie Kaprisky, Art Metrano

Sinopse:
Jesse Lujack (Richard Gere) não cabe em si mesmo de tanta vontade de viver intensamente cada minuto de sua vida. Para isso ele toma atitudes fora do comum, causando perplexidade em todos ao seu redor. Ao lado de Monica Poiccard (Valérie Kaprisky) ele quer viajar e ganhar o mundo, sempre com o rádio de seu carro sintonizado no último volume em seu grande ídolo, o roqueiro dos anos 50 Jerry Lee Lewis.

Comentários:
Esse filme foi um tremendo fracasso de público e crítica em seu lançamento. Na época em que foi lançado a película recebeu adjetivos do tipo "imbecil", "estúpido" e outros "elogios". Sempre achei muito exageradas as reações, inclusive me surpreendi bastante com isso já que o roteiro foi escrito e criado pelo prestigiado François Truffaut. Mudou sua capacidade de escrever bons textos ou mudaram as boas intenções de quem sempre o elogiou no passado? Enfim, são mistérios da crítica mundial. De uma forma ou outra quero chamar a atenção para a vivacidade da interpretação de Richard Gere. Esse é um personagem bem diferenciado de sua carreira, um sujeito que parece viver a mil, beirando inclusive a doença mental (não entregarei as surpresas do roteiro, mas saibam que dei uma dica importante por aqui). Curiosamente seu personagem também tem uma obsessão louca pelo roqueiro pioneiro Jerry Lee Lewis, procurando imitar sua personalidade radiante e fora dos padrões. O próprio título original "Breathless" é o nome de um famoso sucesso do assim conhecido "The Killer". No geral o que sobra de toda essa salada com coca-cola é um filme que sempre considerei muito divertido, com altos e baixos sim, mas longe do rótulo de "porcaria" que lhe foi imposto injustamente na época em que chegou aos cinemas pela primeira vez.

Pablo Aluísio.

Richard Gere - Filmografia Selecionada

Richard Gere - Filmografia Selecionada

Década de 1980:

Gigolô Americano

A Força do Destino

A Força de um Amor

Cotton Club

Rei David

Os Donos do Poder

Sem Perdão

Gritos de Revolta

Pesquisa: Pablo Aluísio. 

Nove Semanas e Meia de Amor

Nove Semanas e Meia de Amor

Nove Semanas e Meia de Amor (Nine 1/2 Weeks), lançado em 1986, é um drama romântico erótico dirigido por Adrian Lyne, cineasta britânico que já havia alcançado grande sucesso com Flashdance (1983) e que posteriormente se tornaria conhecido por filmes como Atração Fatal (1987) e Proposta Indecente (1993). Estrelado por Mickey Rourke e Kim Basinger, o longa tornou-se uma das produções mais comentadas de sua época por apresentar uma relação amorosa marcada por sensualidade, jogos psicológicos e disputas de poder. O roteiro foi escrito por Patricia Knop, Zalman King e Sarah Kernochan, inspirado no livro autobiográfico publicado sob o pseudônimo Elizabeth McNeill, baseado na experiência de Ingeborg Day. Kim Basinger interpreta Elizabeth McGraw, uma assistente de galeria de arte em Nova York que, depois de um divórcio, procura reorganizar sua vida emocional. Mickey Rourke vive John Gray, um misterioso e bem-sucedido profissional do mercado financeiro que conhece Elizabeth por acaso e passa a seduzi-la. O elenco também conta com Margaret Whitton, David Margulies, Christine Baranski e Karen Young. O relacionamento começa como uma aventura excitante, mas gradualmente se transforma em uma experiência psicológica intensa, na qual John propõe situações cada vez mais ousadas e procura controlar diferentes aspectos da vida de Elizabeth. A protagonista, inicialmente atraída pela novidade e pela segurança aparente do companheiro, começa a perceber que a intimidade entre os dois está sendo construída em condições que nem sempre consegue compreender ou controlar. A direção de Lyne aposta em iluminação cuidadosamente trabalhada, ambientes elegantes, música pop e sequências sensuais que privilegiam imagens, gestos e silêncios. As filmagens ocorreram principalmente em Nova York, e a produção enfrentou dificuldades antes de chegar às telas, passando por mudanças de estúdio, sucessivas versões do roteiro e cortes consideráveis. Embora tenha sido concluído antes de sua estreia, o filme só chegou aos cinemas americanos em 21 de fevereiro de 1986, depois de um processo de edição que alterou significativamente a intensidade de algumas passagens.

A recepção crítica nos Estados Unidos foi predominantemente negativa ou dividida, especialmente porque muitos críticos consideraram que o filme prometia explorar uma relação psicológica complexa, mas não desenvolvia suficientemente os personagens. Vincent Canby, do The New York Times, observou que os protagonistas pareciam integrar-se à decoração com tamanha intensidade que acabavam adquirindo a aparência de produtos cuidadosamente fotografados, uma crítica à estética sofisticada e ao tratamento superficial dos sentimentos. A revista Variety foi ainda mais severa, argumentando que faltava algo verdadeiramente interessante entre os protagonistas, como diálogos convincentes ou uma evolução dramática capaz de sustentar a duração do filme. O Los Angeles Times, em crítica assinada por Sheila Benson, reconheceu que a história poderia ter produzido um retrato perturbador da perda da identidade dentro de uma paixão absorvente, mas considerou que a versão cinematográfica não desenvolvia suficientemente as fragilidades emocionais da personagem de Basinger. A crítica observou que, sem uma compreensão mais profunda das necessidades e vulnerabilidades de Elizabeth, a relação corria o risco de parecer apenas uma sucessão estilizada de experiências sexuais e humilhações. Roger Ebert, do Chicago Sun-Times, foi uma das vozes mais favoráveis: concedeu três estrelas e meia de quatro e elogiou a química entre Rourke e Basinger, considerando convincente, complexa e sensual a tensão entre os dois. Para Ebert, o filme era mais reflexivo do que sua reputação provocadora poderia sugerir, pois mostrava como a atração física podia se misturar a sentimentos contraditórios e a uma relação de poder. Essa diferença de interpretação explica por que a obra recebeu avaliações tão distintas. Enquanto alguns críticos enxergaram uma experiência visualmente atraente, mas dramaticamente vazia, outros perceberam um estudo desconfortável sobre sedução, dependência emocional e perda gradual da autonomia. A atuação de Rourke foi frequentemente elogiada por seu magnetismo e sua presença enigmática, enquanto Basinger recebeu avaliações mais variadas, em parte porque o roteiro lhe oferecia poucas oportunidades para expressar diretamente os conflitos internos da personagem. O debate crítico acabou se concentrando na distância entre a ousadia anunciada pela publicidade e a profundidade psicológica efetivamente alcançada pelo filme.

Na Europa, o longa despertou curiosidade pela combinação de erotismo, fotografia sofisticada e uma abordagem relativamente incomum das relações íntimas no cinema comercial americano. Entretanto, a recepção britânica e europeia também foi marcada por reservas quanto ao desenvolvimento dramático e à maneira como o filme representava a submissão e o controle dentro de um relacionamento. A classificação britânica registra conteúdo sexual forte, e o lançamento europeu tornou-se parte da discussão sobre os limites da representação erótica no cinema comercial da década de 1980. Um dos aspectos mais comentados foi a diferença entre a versão exibida nos Estados Unidos e as versões internacionais, pois o distribuidor americano considerou o material excessivamente explícito e promoveu cortes. Essa decisão contribuiu para a percepção de que a produção havia sido suavizada, enfraquecendo algumas das implicações psicológicas presentes na história original. O The Globe and Mail, do Canadá, observou que havia algo contraditório na tentativa de provocar o espectador com situações sexuais e, ao mesmo tempo, tranquilizar o público mais conservador, concluindo que o resultado parecia menos ousado do que sua reputação sugeria. 

A crítica britânica e outras avaliações internacionais também deram atenção à direção de Adrian Lyne, cuja preferência por imagens elegantes, movimentos lentos de câmera e composições cuidadosamente planejadas acabaria influenciando muitos dramas eróticos posteriores. A produção não conquistou grandes prêmios cinematográficos em seu lançamento, e sua importância inicial esteve mais associada à polêmica e à repercussão cultural do que ao reconhecimento por academias ou festivais. Ainda assim, a controvérsia ajudou a consolidar a imagem de Lyne como um realizador interessado em personagens que atravessam fronteiras morais e emocionais dentro de ambientes contemporâneos luxuosos. A obra também se tornou uma referência recorrente em discussões sobre a representação da sexualidade no cinema dos anos 1980, especialmente quando comparada a produções mais explícitas ou psicologicamente intensas. A diferença entre o livro e o filme continuou sendo apontada por críticos que consideravam a narrativa cinematográfica menos íntima e menos reveladora do que o relato que a inspirou. Desse modo, a recepção europeia não transformou imediatamente Nove Semanas e Meia de Amor em um clássico crítico, mas contribuiu para a permanência de sua reputação como uma obra controversa, visualmente marcante e representativa de uma fase específica do cinema erótico comercial.

Do ponto de vista comercial, a trajetória do filme foi bastante diferente dependendo do mercado considerado. O orçamento de produção é estimado entre US$ 17 milhões e US$ 18 milhões, uma quantia expressiva para um drama romântico erótico sem grandes sequências de ação ou efeitos especiais. Nos Estados Unidos e no Canadá, a arrecadação ficou em aproximadamente US$ 6,7 milhões, um resultado decepcionante diante do investimento realizado. O lançamento americano começou em um número relativamente limitado de salas, e a recepção crítica desfavorável não ajudou a transformar a curiosidade inicial em um grande sucesso doméstico. A história internacional, porém, foi mais favorável. O filme encontrou um público significativo em vários mercados estrangeiros, sobretudo na Europa, e algumas fontes históricas de referência registram uma arrecadação mundial estimada próxima de US$ 100 milhões, embora esse número seja difícil de reconciliar com os registros mais conservadores disponíveis para a bilheteria americana e com a ausência de uma prestação de contas internacional uniforme. O contraste entre o desempenho doméstico e a popularidade internacional tornou-se uma das características mais curiosas da trajetória da produção. A trilha sonora também contribuiu para a circulação cultural do filme, reunindo músicas associadas à atmosfera sensual e melancólica da narrativa. A sequência em que Elizabeth dança ao som de “You Can Leave Your Hat On”, na interpretação de Joe Cocker, tornou-se uma das imagens mais lembradas da obra e ajudou a fixar sua identidade na memória popular. O filme também encontrou uma segunda vida no mercado de vídeo doméstico, onde espectadores podiam assistir às versões disponíveis fora das restrições das salas de cinema americanas. Esse percurso contribuiu para ampliar a audiência muito além daquela registrada no lançamento original. A combinação entre a curiosidade provocada pela temática, o apelo das estrelas e a divulgação centrada nas cenas sensuais fez com que o título continuasse circulando por décadas. Embora os números financeiros exatos devam ser interpretados com cautela, é evidente que a repercussão internacional e o mercado doméstico de vídeo foram fundamentais para transformar uma estreia americana comercialmente decepcionante em uma produção de considerável longevidade cultural.

Com o passar do tempo, Nove Semanas e Meia de Amor adquiriu o status de filme cult, principalmente por sua estética, pela trilha sonora e pela química entre os protagonistas. A obra passou a ser lembrada como um dos dramas eróticos mais emblemáticos dos anos 1980, período em que o cinema comercial explorava com crescente frequência temas como desejo, infidelidade, obsessão e relações afetivas desequilibradas. Sua influência pode ser percebida na maneira como produções posteriores combinaram erotismo, suspense psicológico e ambientes visualmente sofisticados. Adrian Lyne desenvolveria essa abordagem de maneira ainda mais popular em Atração Fatal, lançado no ano seguinte, que transformou uma relação extraconjugal em um thriller sobre desejo, culpa e consequências. O longa de 1986, entretanto, é menos um suspense convencional do que uma narrativa sobre a transformação gradual de uma relação amorosa em uma experiência de domínio e dependência. A figura de John Gray permanece ambígua: ele é sedutor e carismático, mas também manipulador, e sua incapacidade de estabelecer uma intimidade equilibrada torna o relacionamento cada vez mais destrutivo. Elizabeth, por sua vez, representa uma mulher que inicialmente aceita experimentar novas formas de intimidade, mas acaba confrontada com o custo emocional de permitir que outra pessoa determine os limites da relação. Essa dimensão explica por que o filme continua sendo debatido, mesmo por espectadores que consideram seu roteiro irregular. No Rotten Tomatoes, a avaliação contemporânea registra cerca de 58% de aprovação da crítica e 55% do público, refletindo uma recepção ainda dividida, embora o consenso reconheça o poder de suas cenas sensuais e considere mais convencional o drama que as acompanha. O filme também ajudou a consolidar a imagem de Mickey Rourke como um astro de presença física e comportamento imprevisível, enquanto Kim Basinger reforçou sua posição como uma das atrizes mais associadas ao cinema americano da década. Sua reputação atual depende menos de um consenso crítico absoluto do que da combinação de estilo visual, música, controvérsia e memória cultural. Nove Semanas e Meia de Amor permanece, assim, como um retrato imperfeito, mas influente, da maneira como Hollywood explorou o erotismo e as relações de poder nos anos 1980.

Nove Semanas e Meia de Amor (Nine 1/2 Weeks, Estados Unidos, 1986) Direção: Adrian Lyne / Roteiro: Patricia Knop, Zalman King e Sarah Kernochan, baseado no livro autobiográfico publicado sob o pseudônimo Elizabeth McNeill / Elenco: Mickey Rourke, Kim Basinger, Margaret Whitton, David Margulies, Christine Baranski e Karen Young / Sinopse: Elizabeth McGraw, uma assistente de galeria de arte recém-divorciada, envolve-se com John Gray, um enigmático profissional do mercado financeiro. O que começa como uma paixão intensa transforma-se gradualmente em uma relação marcada por experiências sexuais cada vez mais ousadas, manipulação emocional e disputas de controle. À medida que Elizabeth percebe que a intimidade entre os dois está comprometendo sua autonomia, ela precisa decidir se ainda deseja permanecer naquele relacionamento.

Erick Steve.

O Ano do Dragão

Título no Brasil: O Ano do Dragão

Título Original: Year of the Dragon

Ano de Lançamento: 1985

País: Estados Unidos

Estúdio: De Laurentiis Entertainment Group

Direção: Michael Cimino

Roteiro: Oliver Stone, Michael Cimino

Elenco: Mickey Rourke, John Lone, Ariane Koizumi, Leonard Termo, Raymond J. Barry, Victor Wong

Sinopse:

O experiente e controverso capitão da polícia Stanley White (Mickey Rourke) é designado para combater o crime organizado chinês em Chinatown, Nova York. Obcecado em destruir a violenta Tríade conhecida como White Tigers, White entra em uma guerra pessoal contra o jovem e ambicioso líder mafioso Joey Tai. À medida que a violência cresce, o confronto se torna cada vez mais intenso, expondo preconceitos, conflitos culturais e os limites morais da lei.

Comentários: 

Entrei nessa jornada de rever antigos filmes dos anos 80 e 90. Estou confrontando a minha memória cinéfila do passado com uma avaliação atual, baseada no que vejo nos dias atuais. Dessa vez foi a hora de rever "O Ano do Dragão". Assisti  pela primeira vez lá mesmo, nos anos 80, e apesar de gostar, nunca foi dos meus preferidos. Agora, nessa revisão, o filme me pareceu bem melhor! É uma obra cinematográfica que resistiu muito bem ao tempo, fruto do talento de Michael Cimino, que sempre foi um grande diretor de cinema, com uma atuação visceral de Mickey Rourke (em seu auge!). Concordo que o filme tem um subtexto complicado, mostrando esse policial que deseja limpar Chinatown, mesmo que para isso seja preciso passar por cima da lei. É interessante ver como o personagem, que é um veterano da guerra do Vietnã, não consegue aguentar toda a politicagem que existe dentro da polícia e da prefeitura de Nova Iorque, como se os figurões não quisessem mudar nada naquele bairro dominado pelo crime! E tudo isso acontece no meio de uma guerra de criminosos, com os bandidos mais jovens tentando ocupar o espaço ainda ocupado pelos velhos dinossauros. Um filme muito bem fotografado, até bonito de se ver, mas com uma beleza diferente. É a beleza de Chinatown, um lugar cheio de história, mas também com o crime organizado enraizado em suas ruas e vielas. 

Pablo Aluísio.