Título no Brasil: O Poderoso Chefão III
Título Original: The Godfather: Part III
Ano de Produção: 1990
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures, Zoetrope Studios
Direção: Francis Ford Coppola
Roteiro: Mario Puzo, Francis Ford Coppola
Elenco: Al Pacino, Diane Keaton, Andy Garcia, Talia Shire, Eli Wallach, Joe Mantegna, George Hamilton, Bridget Fonda, Sofia Coppola
Sinopse:
Tentando legalizar as atividades de sua família, o agora chefão Don Michael Corleone (Al Pacino) tenta se tornar um homem respeitável. Ao lado de um pupilo ao qual tem grandes esperanças ele combate velhos e novos inimigos de seu grupo. Também vê uma oportunidade de lavar o dinheiro de suas atividades criminosas usando o Banco do Vaticano. A morte do Papa João Paulo I porém trará alguns problemas para seus planos iniciais. indicado a sete Oscars, incluindo Melhor Filme, Melhor Diretor (Francis Ford Coppola) e Melhor Ator Coadjuvante (Andy Garcia).
Comentários:
Terceira parte da genial franquia "The Godfather". Esse filme tive o prazer de assistir no cinema. Foi uma das produções mais comentadas do ano. O problema básico era que os dois primeiros filmes sempre foram considerados clássicos absolutos da história do cinema - tanto que foram os grandes vencedores do Oscar em seus respectivos anos - e por isso houve uma verdadeira comoção quando a Paramount anunciou que iria fazer a terceira parte da saga. As filmagens foram extremamente complicadas e polêmicas. Coppola resolveu escalar sua filha, Sofia, para um dos papéis e isso caiu como uma bomba no meio cinematográfico. Acusações de nepotismo barato vieram de todas as partes. De fato Sofia (que anos depois iria se revelar uma cineasta talentosa) era muito fraca como atriz. Mesmo assim não há como negar que estamos na presença de um belo filme. Sim, é bem inferior ao primeiro e segundo "Poderoso Chefão" mas isso não o desmerece. Há todo um enredo muito bem estruturado em seu roteiro, além disso não há como negar o fato de que Al Pacino está perfeito na pele de Don Michael Corleone. Não é uma obra prima certamente mas também não deixa de ser um grande filme. Se puder assistir não perca!
Pablo Aluísio.
sábado, 14 de novembro de 2026
O Poderoso Chefão III
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Frankie & Johnny
Título no Brasil: Frankie & Johnny
Título Original: Frankie and Johnny
Ano de Produção: 1991
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Garry Marshall
Roteiro: Terrence McNally
Elenco: Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Hector Elizondo, Nathan Lane
Sinopse:
Depois de passar um tempo na prisão Johnny (Al Pacino) arranja emprego numa pequena cafeteria de Nova Iorque. Lá acaba conhecendo a bela Frankie (Michelle Pfeiffer). Encantando pelos lindos olhos azuis da garota Johnny acaba se apaixonando mas ela não mostra muito interesse. Isso porém não será empecilho pois o cozinheiro lutará com todas as suas forças por essa paixão.
Comentários:
Depois da superprodução "O Poderoso Chefão III" o ator Al Pacino procurou por algo bem mais leve, simples. No lançamento declarou que estava um pouco cansado dos personagens tensos e complexos que estava acostumado a fazer. Assim o papel de Johnny nessa pequena fábula romântica era muito bem-vindo para o ator na época. Afinal seu personagem era a de um homem comum, do povo, um autêntico membro da classe trabalhadora, sem nenhum glamour em sua vida. O destaque da produção vem da boa química entre Pacino e Michelle Pfeiffer que está linda no filme. O enredo simpático e envolvente mantém completamente o interesse e o "duelo" entre os atores em cena é muito gratificante. Um filme simples, despretensioso e que anda meio no esquecimento atualmente. A produção serve principalmente para mostrar que grandes atores se saem bem até mesmo em pequenos filmes. A prova está aqui.
Pablo Aluísio.
Título Original: Frankie and Johnny
Ano de Produção: 1991
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Garry Marshall
Roteiro: Terrence McNally
Elenco: Al Pacino, Michelle Pfeiffer, Hector Elizondo, Nathan Lane
Sinopse:
Depois de passar um tempo na prisão Johnny (Al Pacino) arranja emprego numa pequena cafeteria de Nova Iorque. Lá acaba conhecendo a bela Frankie (Michelle Pfeiffer). Encantando pelos lindos olhos azuis da garota Johnny acaba se apaixonando mas ela não mostra muito interesse. Isso porém não será empecilho pois o cozinheiro lutará com todas as suas forças por essa paixão.
Comentários:
Depois da superprodução "O Poderoso Chefão III" o ator Al Pacino procurou por algo bem mais leve, simples. No lançamento declarou que estava um pouco cansado dos personagens tensos e complexos que estava acostumado a fazer. Assim o papel de Johnny nessa pequena fábula romântica era muito bem-vindo para o ator na época. Afinal seu personagem era a de um homem comum, do povo, um autêntico membro da classe trabalhadora, sem nenhum glamour em sua vida. O destaque da produção vem da boa química entre Pacino e Michelle Pfeiffer que está linda no filme. O enredo simpático e envolvente mantém completamente o interesse e o "duelo" entre os atores em cena é muito gratificante. Um filme simples, despretensioso e que anda meio no esquecimento atualmente. A produção serve principalmente para mostrar que grandes atores se saem bem até mesmo em pequenos filmes. A prova está aqui.
Pablo Aluísio.
sábado, 7 de novembro de 2026
Vítimas de Uma Paixão
Vítimas de Uma Paixão Uma série de mortes ligadas a anúncios pessoais em jornais acaba levando o policial Frank Keller (Al Pacino) a uma suspeita muito bonita e sensual, Helen (Ellen Barkin). Não demora muito para o policial se apaixonar por ela. Resolvi rever recentemente "Sea of Love". Fazia tanto tempo que tinha assistido pela última vez que resolvi recordar esse verdadeiro revival da carreira do mito Pacino. O ator aqui está em seu habitat natural interpretando um tira com problemas pessoais (um casamento destruído justamente por um colega de trabalho e um indisfarçável problema com bebidas). Esse tipo de caracterização sempre fica ótima na pele do Al. Ele, como grande ator que é, sabe como poucos fazer esse tipo (muito provavelmente porque cresceu ao redor de tiras assim em Nova Iorque, caras que viviam no limite). Ao seu lado ainda temos o simpático comediante bonachão John Godman, ainda ganhando destaque dentro do cinema na época. A produção na época foi encarada como um retorno de Pacino aos filmes comerciais. Ele havia de certa forma se queimado com o fracasso monumental do filme "Revolução" mas aos poucos foi retomando o rumo do sucesso.
Por fim como seu interesse romântico temos em cena a atriz Ellen Barkin, muito charmosa e sensual, aqui esbanjando no visual exagerado tipicamente 80´s (com muito laquê no cabelo e maquiagem pesada). O filme não chega aos pés de outros clássicos policiais da carreira de Al Pacino como o sempre lembrado "Serpico" mas consegue manter o interesse e o suspense durante toda a sua duração. A trilha sonora e os momentos calientes ajudam muito nesse aspecto. Pena que o diretor Harold Becker não tenha feito nada de muito relevante depois desse filme. Digno de nota mesmo apenas sua outra bem sucedida parceria ao lado de Pacino em "City Hall". Muito pouco para quem prometia tanto. De qualquer modo assista "Sea of Love" caso não tenha visto ainda, certamente você não vai se arrepender.
Vítimas de Uma Paixão (Sea Of Love, Estados Unidos, 1989) Direção: Harold Becker / Roteiro: Richard Price / Elenco: Al Pacino, Ellen Barkin, John Goodman, Michael Rooker, Richard Jekins, William Hickey, Samuel L. Jackson. / Sinopse: Uma série de mortes ligadas a anúncios pessoais em jornais acaba levando o policial Frank Keller (Al Pacino) a uma suspeita muito bonita e sensual, Helen (Ellen Barkin). Não demora muito para o policial se apaixonar por ela.
Pablo Aluísio.
Por fim como seu interesse romântico temos em cena a atriz Ellen Barkin, muito charmosa e sensual, aqui esbanjando no visual exagerado tipicamente 80´s (com muito laquê no cabelo e maquiagem pesada). O filme não chega aos pés de outros clássicos policiais da carreira de Al Pacino como o sempre lembrado "Serpico" mas consegue manter o interesse e o suspense durante toda a sua duração. A trilha sonora e os momentos calientes ajudam muito nesse aspecto. Pena que o diretor Harold Becker não tenha feito nada de muito relevante depois desse filme. Digno de nota mesmo apenas sua outra bem sucedida parceria ao lado de Pacino em "City Hall". Muito pouco para quem prometia tanto. De qualquer modo assista "Sea of Love" caso não tenha visto ainda, certamente você não vai se arrepender.
Vítimas de Uma Paixão (Sea Of Love, Estados Unidos, 1989) Direção: Harold Becker / Roteiro: Richard Price / Elenco: Al Pacino, Ellen Barkin, John Goodman, Michael Rooker, Richard Jekins, William Hickey, Samuel L. Jackson. / Sinopse: Uma série de mortes ligadas a anúncios pessoais em jornais acaba levando o policial Frank Keller (Al Pacino) a uma suspeita muito bonita e sensual, Helen (Ellen Barkin). Não demora muito para o policial se apaixonar por ela.
Pablo Aluísio.
Vítimas de uma Paixão
Lançado em 15 de setembro de 1989, Vítimas de uma Paixão (Sea of Love) é um suspense policial dirigido por Harold Becker, com roteiro de Richard Price e produção de Martin Bregman, conhecido por sua longa parceria com Al Pacino. O filme marcou o retorno de Pacino às telas depois de um intervalo de quatro anos, desde Revolution (1985). Além do ator, o elenco reúne Ellen Barkin, John Goodman, Michael Rooker e William Hickey. A história acompanha Frank Keller (Pacino), um detetive da polícia de Nova York que enfrenta problemas pessoais, especialmente o alcoolismo e o fracasso de seu casamento. Ele é encarregado de investigar uma série de assassinatos de homens encontrados mortos em seus apartamentos, todos aparentemente relacionados a anúncios amorosos publicados em jornais e revistas. Ao perceber que as vítimas haviam conhecido mulheres por meio dessas publicações, Frank decide trabalhar com o detetive Sherman Touhey (John Goodman) em uma estratégia incomum: os dois publicam um anúncio semelhante e passam a encontrar as mulheres que respondem, procurando identificar a assassina por meio de suas impressões digitais deixadas em copos. Durante a investigação, Frank conhece Helen Cruger (Ellen Barkin), uma mulher atraente e independente por quem acaba se apaixonando. O problema é que ela também se torna uma das principais suspeitas do caso. Dividido entre o dever profissional e seus sentimentos, o policial começa a questionar se está investigando uma criminosa ou se finalmente encontrou alguém capaz de mudar sua vida. Com atmosfera de filme noir, suspense psicológico e uma história que mistura investigação policial e paixão, a produção apresenta uma Nova York noturna, marcada pela solidão e pelas dificuldades dos relacionamentos.
A recepção crítica na época foi relativamente positiva, embora alguns jornalistas tenham apontado limitações no roteiro. Roger Ebert, do Chicago Sun-Times, concedeu três estrelas de quatro e considerou que o filme apresentava uma história engenhosamente construída, sustentada pela dúvida sobre a verdadeira identidade da mulher por quem o protagonista se apaixona. Ebert destacou especialmente a química entre Al Pacino e Ellen Barkin, afirmando que a atriz demonstrava uma intensidade e uma capacidade de interpretação extraordinárias. Para ele, Pacino também recuperava parte da presença magnética que havia marcado seus grandes trabalhos dos anos 1970, oferecendo uma atuação mais áspera, complexa e convincente. O crítico, entretanto, manifestou insatisfação com a resolução do mistério, considerando que a explicação final introduzia um elemento inesperado de maneira pouco satisfatória. No Los Angeles Times, Kevin Thomas classificou o longa como um entretenimento policial eficiente, destacando o humor do roteiro e o desempenho dos protagonistas. Thomas observou que Pacino e Barkin possuíam uma química cinematográfica bastante forte, capaz de compensar algumas improbabilidades da narrativa.
No The New York Times, Vincent Canby apresentou uma avaliação mais severa, descrevendo o filme como uma imitação excessivamente produzida de um suspense televisivo de qualidade inferior. O crítico considerou que Pacino exagerava na composição de seu personagem e que Ellen Barkin enfrentava dificuldades para equilibrar as características de sensualidade, inocência e ameaça exigidas pelo papel. A revista Newsweek, por outro lado, publicou uma avaliação favorável de David Ansen, que considerou o filme envolvente e destacou sua capacidade de prender a atenção do público, embora observasse que a produção permanecia excessivamente concentrada em sua superfície sensual. O The Washington Post, em crítica assinada por Hal Hinson, elogiou a interação entre os atores, especialmente a parceria entre Pacino e John Goodman, considerada um dos aspectos mais agradáveis da produção. A revista Variety também reconheceu a qualidade das interpretações e a habilidade do diretor Harold Becker em construir um suspense policial com elementos de filme noir. A diversidade dessas avaliações demonstra que, apesar das ressalvas sobre a previsibilidade e a resolução da investigação, o trabalho dos atores foi amplamente reconhecido como o grande diferencial da produção.
Com orçamento estimado em 19 milhões de dólares, Vítimas de uma Paixão arrecadou aproximadamente 110,9 milhões mundialmente, tornando-se um grande sucesso comercial e um dos filmes mais importantes da carreira de Al Pacino naquele período. Seu desempenho foi particularmente significativo porque o ator vinha de um período de menor atividade cinematográfica e precisava recuperar sua posição como uma das principais estrelas de Hollywood. O filme abriu em primeiro lugar nas bilheterias norte-americanas, arrecadando mais de 10 milhões de dólares em seu primeiro fim de semana, resultado que surpreendeu positivamente o mercado cinematográfico. A produção também recebeu reconhecimento nas premiações, com indicação de Al Pacino ao Globo de Ouro de melhor ator em filme dramático. Atualmente, mantém uma reputação bastante favorável entre os admiradores de suspenses policiais e thrillers eróticos do final dos anos 1980. O Rotten Tomatoes registra 76% de aprovação da crítica, enquanto a avaliação retrospectiva destaca especialmente a química entre Pacino e Barkin. Embora não seja considerado uma das obras-primas de sua filmografia, Vítimas de uma Paixão permanece como um dos suspenses mais interessantes daquele período, valorizado pela atmosfera urbana, pelas interpretações e pela combinação de investigação criminal com drama psicológico e romance.
Erick Steve.
Dick Tracy
Dick Tracy
O personagem é um dos mais clássicos do mundo dos quadrinhos. Criado pelo desenhista Chester Gould em 1931 para ser publicado em jornais, em tirinhas seriadas, o detetive logo virou um ícone entre a garotada. Esse personagem acabou também sendo um dos mais influentes da história, basta lembrar de suas bugigangas eletrônicas e tramas para salvar o mundo, algo que anos depois iria inspirar até mesmo o escritor Ian Fleming na criação de seu famoso James Bond. Durante décadas se cogitou uma adaptação das aventuras de Dick Tracy para o cinema, mas muitos produtores consideraram que seria extremamente caro a realização de um filme como esse. Além do mais naquela altura o personagem já não era mais tão conhecido e querido pelo público jovem (muitos até desconheciam sua existência). O quadro mudou quando o ator Warren Beatty adquiriu os direitos de Dick Tracy no final da década de 1980. Usando de seu prestígio pessoal ele conseguiu levantar o financiamento necessário para a produção do filme com um grande estúdio de Hollywood. Além disso usando de sua rede de amigos na indústria conseguiu trazer para o elenco grandes nomes como Al Pacino para interpretar o vilão Big Boy Caprice e Dustin Hoffman como o esquisito Mumbles. Com tudo pronto Warren, que tinha interesse apenas em atuar, foi atrás de Steven Spielberg para dirigir a produção, mas esse, alegando estar com agenda cheia, declinou do convite. Para não perder milhões de dólares em investimento e nem o controle sobre o projeto que ele tanto adorava, o próprio Warren Beatty resolveu dirigir o filme, algo que ele só tinha feito duas vezes na carreira antes, com "O Céu Pode Esperar" em 1978 e "Reds" três anos depois.
Um dos movimentos mais corajosos de Warren Beatty foi optar por escolher a estética dos quadrinhos, dando um tom naturalmente cartunesco ao seu universo. Tudo muito puro e até inocente. Nada de tentar trazer Dick Tracy para o mundo atual e nem lhe dar uma estética realista (como tem acontecido ultimamente em adaptações de quadrinhos no cinema). Sua coragem em realizar um filme que se parecesse completamente com o mundo dos quadrinhos, inclusive com o elenco usando forte maquiagem, se mostrou bem certeira. Na verdade o que ele quis mesmo foi resgatar o detetive de seus tempos de infância. E para quem achava que ele não estava apostando alto o próprio Warren resolveu escalar sua namorada na época, ninguém menos do que a cantora popstar Madonna, para ser uma coadjuvante de luxo na pele da sensual e perigosa Breathless Mahoney. O resultado de tudo é certamente uma das mais criativas transições do universo comics para a sétima arte. Tudo muito colorido, excessivo até, mas com um belo sabor de nostalgia. O filme foi sucesso de público e crítica e agradou tanto ao próprio diretor que ele resolveu deixá-lo sem continuações, mesmo com a boa bilheteria arrecadada. Para Beatty foi uma maneira de preservar essa pequena obra prima que lhe trouxe tanto orgulho pessoal e artístico.
Dick Tracy (Dick Tracy, Estados Unidos, 1990) Direção: Warren Beatty / Roteiro: Warren Beatty, Jim Cash, baseados nos personagens criados por Chester Gould / Elenco: Warren Beatty, Madonna, Al Pacino, Dustin Hoffman, Charles Durning, Kathy Bates, Henry Silva, James Caan. / Sinopse: Na década de 1930, em uma cidade infestada de gangsters e criminosos de todos os tipos, o detetive Dick Tracy (Warren Beatty) precisa deter o infame vilão Big Boy Caprice (Al Pacino) de colocar em prática um ardiloso plano de dominação. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Maquiagem e Melhor Música Original - "Sooner or Later (I Always Get My Man)" de Stephen Sondheim. Também indicado nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Al Pacino), Fotografia, Figurinos e Som. Indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Comédia ou Musical e Melhor Ator Coadjuvante (Al Pacino).
Pablo Aluísio.
Um dos movimentos mais corajosos de Warren Beatty foi optar por escolher a estética dos quadrinhos, dando um tom naturalmente cartunesco ao seu universo. Tudo muito puro e até inocente. Nada de tentar trazer Dick Tracy para o mundo atual e nem lhe dar uma estética realista (como tem acontecido ultimamente em adaptações de quadrinhos no cinema). Sua coragem em realizar um filme que se parecesse completamente com o mundo dos quadrinhos, inclusive com o elenco usando forte maquiagem, se mostrou bem certeira. Na verdade o que ele quis mesmo foi resgatar o detetive de seus tempos de infância. E para quem achava que ele não estava apostando alto o próprio Warren resolveu escalar sua namorada na época, ninguém menos do que a cantora popstar Madonna, para ser uma coadjuvante de luxo na pele da sensual e perigosa Breathless Mahoney. O resultado de tudo é certamente uma das mais criativas transições do universo comics para a sétima arte. Tudo muito colorido, excessivo até, mas com um belo sabor de nostalgia. O filme foi sucesso de público e crítica e agradou tanto ao próprio diretor que ele resolveu deixá-lo sem continuações, mesmo com a boa bilheteria arrecadada. Para Beatty foi uma maneira de preservar essa pequena obra prima que lhe trouxe tanto orgulho pessoal e artístico.
Dick Tracy (Dick Tracy, Estados Unidos, 1990) Direção: Warren Beatty / Roteiro: Warren Beatty, Jim Cash, baseados nos personagens criados por Chester Gould / Elenco: Warren Beatty, Madonna, Al Pacino, Dustin Hoffman, Charles Durning, Kathy Bates, Henry Silva, James Caan. / Sinopse: Na década de 1930, em uma cidade infestada de gangsters e criminosos de todos os tipos, o detetive Dick Tracy (Warren Beatty) precisa deter o infame vilão Big Boy Caprice (Al Pacino) de colocar em prática um ardiloso plano de dominação. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Maquiagem e Melhor Música Original - "Sooner or Later (I Always Get My Man)" de Stephen Sondheim. Também indicado nas categorias de Melhor Ator Coadjuvante (Al Pacino), Fotografia, Figurinos e Som. Indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Comédia ou Musical e Melhor Ator Coadjuvante (Al Pacino).
Pablo Aluísio.
Dick Tracy
Lançado em 15 de junho de 1990, Dick Tracy é uma adaptação cinematográfica da famosa história em quadrinhos criada por Chester Gould em 1931. Dirigido e produzido por Warren Beatty, que também interpreta o personagem principal, o filme conta com um elenco excepcional, incluindo Al Pacino, Madonna, Glenne Headly, Dustin Hoffman, James Caan, William Forsythe, Paul Sorvino e Dick Van Dyke. A produção da Touchstone Pictures procurou reproduzir fielmente a estética dos quadrinhos originais, utilizando cenários artificiais, maquiagem elaborada e uma paleta de cores extremamente limitada, baseada principalmente nos tons primários. A história acompanha o detetive Dick Tracy, um policial incorruptível que combate o crime organizado em uma cidade dominada por gangues e políticos corruptos. Seu principal adversário é Alphonse Big Boy Caprice (Al Pacino), um poderoso chefe criminoso que pretende assumir o controle absoluto da cidade, eliminando seus concorrentes e corrompendo as autoridades. Para alcançar seus objetivos, Big Boy envolve-se em uma série de assassinatos e passa a controlar estabelecimentos comerciais e atividades ilegais. Durante a investigação, Tracy conhece Breathless Mahoney (Madonna), uma cantora de cabaré que possui informações importantes sobre as atividades criminosas do mafioso e acaba envolvida em um complicado triângulo amoroso com o detetive e sua namorada Tess Trueheart (Glenne Headly). Paralelamente, Tracy acolhe um garoto órfão conhecido como Kid, que passa a acompanhá-lo em suas investigações. A produção combina ação policial, humor, romance e musical, criando uma experiência cinematográfica que procura reproduzir o universo visual das histórias em quadrinhos em vez de apresentar uma cidade realista.
A recepção crítica na época do lançamento foi relativamente positiva, especialmente em relação à direção artística, à fotografia e às interpretações do elenco. Roger Ebert, do Chicago Sun-Times, concedeu quatro estrelas ao filme e publicou uma das avaliações mais entusiasmadas daquele período. O crítico considerou Dick Tracy uma das fantasias cinematográficas mais originais e visionárias que havia visto, elogiando particularmente a maneira como Warren Beatty transformou a linguagem dos quadrinhos em uma experiência visual. Ebert destacou os cenários, os efeitos especiais, a maquiagem dos personagens e a utilização das cores, afirmando que o filme conseguia criar um universo artificial absolutamente convincente dentro de suas próprias regras. No The New York Times, Vincent Canby também apresentou uma crítica favorável, destacando o excelente elenco, as canções de Stephen Sondheim e o extraordinário trabalho técnico. Canby considerou que a produção possuía praticamente todos os elementos necessários para um grande espetáculo cinematográfico, além de conseguir equilibrar humor e fantasia sem cair excessivamente no ridículo. Na revista Variety, entretanto, a avaliação foi mais reservada. A publicação elogiou a beleza visual da produção, mas considerou que o filme apresentava dificuldades para envolver emocionalmente o espectador, criticando especialmente a interpretação relativamente fria de Warren Beatty como o detetive.
No Los Angeles Times, Sheila Benson publicou uma crítica bastante entusiasmada, classificando o longa como uma diversão irresistível, de enorme estilo e personalidade. A jornalista destacou principalmente a interpretação de Al Pacino, considerando que sua composição de Big Boy Caprice era uma das criações cômicas mais extraordinárias do cinema daquele período. Pacino, praticamente irreconhecível sob uma elaborada maquiagem prostética, construiu um vilão exagerado, engraçado, ameaçador e completamente diferente de seus personagens anteriores. Benson chegou a afirmar que Dick Tracy era, acima de tudo, o filme de Pacino, tamanha a força de sua atuação. A crítica também elogiou a maquiagem dos criminosos, a fotografia de Vittorio Storaro e a direção de arte de Richard Sylbert. Em contrapartida, Peter Travers, da revista Rolling Stone, considerou que a produção privilegiava excessivamente sua aparência visual, deixando os personagens sem profundidade emocional. Para Travers, o filme era um espetáculo visual extraordinário, mas carecia de envolvimento psicológico. Na revista Entertainment Weekly, Owen Gleiberman também apresentou ressalvas, considerando que a produção possuía qualidades evidentes, mas não conseguia transformar seu impressionante universo visual em uma experiência dramática igualmente interessante. Apesar dessas divergências, houve um reconhecimento praticamente unânime da qualidade técnica da produção, especialmente da maquiagem, dos figurinos de Milena Canonero, da fotografia e da trilha musical de Danny Elfman.
Com orçamento estimado em 47 milhões de dólares, Dick Tracy arrecadou aproximadamente 162,7 milhões mundialmente, sendo 103,7 milhões apenas nos Estados Unidos e Canadá. O filme estreou com 22,5 milhões de dólares em seu primeiro fim de semana, estabelecendo um recorde de abertura para a Walt Disney Studios naquele momento. Entretanto, a produção havia recebido uma campanha publicitária gigantesca, estimada em dezenas de milhões de dólares, acompanhada de uma extensa linha de produtos licenciados. Por isso, embora tenha apresentado uma bilheteria respeitável, seu resultado financeiro ficou aquém das expectativas mais ambiciosas do estúdio, e os planos de transformar a produção em uma grande franquia cinematográfica não se concretizaram. O filme recebeu sete indicações ao Oscar, conquistando três estatuetas: Melhor Canção Original, por Sooner or Later (I Always Get My Man), de Stephen Sondheim, Melhor Maquiagem e Melhor Direção de Arte. Atualmente, Dick Tracy é considerado uma das adaptações mais visualmente criativas de uma história em quadrinhos para o cinema. Sua estética artificial, os figurinos coloridos e a caracterização dos criminosos continuam sendo referências importantes para produções posteriores. A atuação de Al Pacino também permanece como um dos grandes destaques de sua carreira, demonstrando uma extraordinária capacidade para a comédia e para a composição de personagens grotescos. Mais de três décadas depois, o filme conserva uma identidade cinematográfica muito particular e é lembrado como uma das experiências mais ousadas de Warren Beatty como diretor.
Erick Steve.
Revolução
Título no Brasil: Revolução
Título Original: Revolution
Ano de Produção: 1985
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Hugh Hudson
Roteiro: Robert Dillon
Elenco: Al Pacino, Donald Sutherland, Nastassja Kinski
Sinopse:
Um caçador e homem do campo de Nova Iorque se torna um participante relutante na Revolução Americana depois que seu filho Ned é convocado para o Exército revolucionário. Juntos tentarão sobreviver aos horrores daquela guerra sangrenta e violenta. Filme indicado ao "prêmio" Framboesa de Ouro nas categorias de Pior Filme, Pior Ator (Al Pacino), Pior Diretor (Hugh Hudson) e Pior Trilha Sonora Original.
Comentários:
Foi um dos maiores fracassos comerciais da história do cinema americano. O desastre foi tão absoluto que conseguiu queimar o nome do grande Al Pacino dentro da indústria. De repente os produtores fugiam à simples menção de que Pacino poderia vir a estrelar um de seus projetos. Para se ter uma ideia do estrago o ator ficaria quatro longos anos sem realizar nenhum outro filme em Hollywood, apenas absorvendo a derrota de "Revolução". O pior de toda essa história é que se o filme fosse ao menos bom poderíamos sair em defesa de Al Pacino e do cineasta Hugh Hudson mas a verdade é que o fracasso foi merecido mesmo pois "Revolução" é de fato realmente muito ruim! O roteiro não tem uma linha narrativa precisa, tudo vai acontecendo de forma confusa e sem nexo. Pacino está perdido em cena, sem achar a essência de seu personagem, que ora age heroicamente, ora de forma covarde e cruel. Como se isso não fosse ruim o bastante o espectador ainda tem que encarar a péssima ideia do diretor Hugh Hudson em filmar tudo com a câmera na mão, correndo junto dos atores nas cenas de batalhas e conflitos. Poucos serão os espectadores que não sairão com tontura de uma experiência tão ruim como essa! Enfim, vale como curiosidade apenas pois como filme em si tudo é muito desastroso e péssimo. Fuja para longe dessa revolução que não deu certo.
Pablo Aluísio.
Título Original: Revolution
Ano de Produção: 1985
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Hugh Hudson
Roteiro: Robert Dillon
Elenco: Al Pacino, Donald Sutherland, Nastassja Kinski
Sinopse:
Um caçador e homem do campo de Nova Iorque se torna um participante relutante na Revolução Americana depois que seu filho Ned é convocado para o Exército revolucionário. Juntos tentarão sobreviver aos horrores daquela guerra sangrenta e violenta. Filme indicado ao "prêmio" Framboesa de Ouro nas categorias de Pior Filme, Pior Ator (Al Pacino), Pior Diretor (Hugh Hudson) e Pior Trilha Sonora Original.
Comentários:
Foi um dos maiores fracassos comerciais da história do cinema americano. O desastre foi tão absoluto que conseguiu queimar o nome do grande Al Pacino dentro da indústria. De repente os produtores fugiam à simples menção de que Pacino poderia vir a estrelar um de seus projetos. Para se ter uma ideia do estrago o ator ficaria quatro longos anos sem realizar nenhum outro filme em Hollywood, apenas absorvendo a derrota de "Revolução". O pior de toda essa história é que se o filme fosse ao menos bom poderíamos sair em defesa de Al Pacino e do cineasta Hugh Hudson mas a verdade é que o fracasso foi merecido mesmo pois "Revolução" é de fato realmente muito ruim! O roteiro não tem uma linha narrativa precisa, tudo vai acontecendo de forma confusa e sem nexo. Pacino está perdido em cena, sem achar a essência de seu personagem, que ora age heroicamente, ora de forma covarde e cruel. Como se isso não fosse ruim o bastante o espectador ainda tem que encarar a péssima ideia do diretor Hugh Hudson em filmar tudo com a câmera na mão, correndo junto dos atores nas cenas de batalhas e conflitos. Poucos serão os espectadores que não sairão com tontura de uma experiência tão ruim como essa! Enfim, vale como curiosidade apenas pois como filme em si tudo é muito desastroso e péssimo. Fuja para longe dessa revolução que não deu certo.
Pablo Aluísio.
Revolução
Lançado em 25 de dezembro de 1985, Revolução (Revolution), dirigido por Hugh Hudson, é um drama histórico e de guerra protagonizado por Al Pacino, acompanhado por Donald Sutherland, Nastassja Kinski, Joan Plowright e Dexter Fletcher. Produzido pela Goldcrest Films e pela Viking Films, com distribuição da Warner Bros., o longa procurou apresentar uma visão realista e pouco convencional da Guerra de Independência dos Estados Unidos. A história se passa em Nova York e na Pensilvânia, entre 1776 e 1783, acompanhando Tom Dobb (Pacino), um caçador de peles de origem escocesa que vive com seu filho Ned. Inicialmente interessado apenas em sobreviver e manter sua liberdade, Dobb procura permanecer afastado do conflito entre os colonos americanos e as tropas britânicas. Entretanto, quando seu filho acaba envolvido na guerra, ele se vê obrigado a participar dos acontecimentos para protegê-lo. Durante sua jornada, Dobb conhece Daisy McConnahay (Nastassja Kinski), uma jovem pertencente a uma família que mantém ligações com os britânicos, e enfrenta o cruel sargento-mor Peasy (Donald Sutherland), um militar que representa a brutalidade das forças coloniais de ocupação. À medida que a guerra avança, o protagonista testemunha a violência dos combates, a destruição das comunidades e os sacrifícios daqueles que lutam pela independência. Diferentemente de muitos filmes históricos tradicionais, Hudson procurou retratar o conflito a partir da perspectiva das pessoas comuns, sem transformar os grandes comandantes militares em protagonistas. As filmagens aconteceram principalmente na Inglaterra, com batalhas grandiosas, milhares de figurantes e uma cuidadosa reconstrução visual do período. O projeto, entretanto, enfrentou dificuldades de produção e problemas de montagem, chegando aos cinemas em uma versão que posteriormente seria considerada incompleta pelo próprio diretor.
A recepção crítica em 1985 foi extremamente negativa, e o filme acabou se tornando um dos maiores fracassos artísticos associados à carreira de Al Pacino. No The New York Times, Vincent Canby classificou a produção como uma obra confusa, observando que os personagens pareciam desenvolver relações emocionais sem que o roteiro apresentasse adequadamente os acontecimentos necessários para justificar essas mudanças. A crítica considerou que o filme possuía imagens impressionantes, mas não conseguia organizá-las em uma narrativa coerente. Na revista Time, Richard Corliss descreveu a produção como um trabalho solene e incoerente, criticando especialmente a dificuldade de Hugh Hudson em construir uma história capaz de sustentar a grandiosidade visual. A revista Newsweek, em crítica assinada por David Ansen, foi igualmente severa, afirmando que parecia existir um filme muito melhor escondido na sala de montagem, enquanto a versão exibida nos cinemas apresentava uma sucessão de cenas desconectadas. Ansen reconheceu a beleza das imagens e a dimensão das reconstituições históricas, mas considerou que faltavam elementos essenciais para compreender os acontecimentos e acompanhar emocionalmente os personagens.
O Los Angeles Times, em crítica assinada por Sheila Benson e publicada em 25 de dezembro de 1985, apresentou uma avaliação particularmente interessante. A jornalista elogiou a fotografia, os cenários, os figurinos e a intensidade das sequências de batalha, chegando a considerar algumas delas entre as melhores já realizadas para o cinema. Entretanto, apontou uma deficiência fundamental: faltava ao filme uma história capaz de sustentar aquelas imagens extraordinárias. Benson escreveu que a produção era praticamente desprovida de uma narrativa à altura de sua impressionante apresentação visual. A revista Variety também adotou uma posição crítica, comparando a experiência de assistir ao filme a uma visita a um museu: visualmente bonito, mas sem vida. A publicação observou que a produção parecia mais interessada em ilustrar o significado histórico da Revolução Americana do que em contar uma história humana envolvente. Apesar das críticas, alguns elementos foram reconhecidos positivamente, especialmente a fotografia de Bernard Lutic, a direção de arte, a trilha sonora de John Corigliano e as interpretações de Donald Sutherland e Joan Plowright. A atuação de Pacino, entretanto, foi considerada inadequada por parte dos críticos, principalmente pela dificuldade de conciliar seu estilo interpretativo com a origem escocesa do personagem. O fracasso da produção foi tão significativo que o próprio ator posteriormente declarou ter ficado profundamente decepcionado com a maneira como o filme chegou aos cinemas.
Com orçamento estimado em 28 milhões de dólares, Revolução arrecadou aproximadamente 358 mil dólares no mercado norte-americano, transformando-se em um dos maiores fracassos comerciais de sua época. A distribuição foi extremamente limitada, e o desempenho desastroso contribuiu para a crise financeira da Goldcrest Films, produtora britânica que também havia investido em outras grandes produções daquele período. O fracasso também afetou a carreira de Hugh Hudson, que havia conquistado reconhecimento internacional com Carruagens de Fogo (1981). Pacino, por sua vez, afastou-se do cinema durante alguns anos, retornando em 1989 com Vítimas de uma Paixão. Entretanto, a história de Revolução não terminou com seu fracasso original. Em 2009, Hudson preparou uma nova montagem, intitulada Revolution: Revisited, mais curta que a versão cinematográfica original e acompanhada por uma nova narração de Al Pacino. Essa versão permitiu uma reavaliação da obra, com críticos e admiradores reconhecendo qualidades que haviam ficado prejudicadas na montagem de 1985. Atualmente, o filme continua longe de ser considerado um clássico, mas sua fotografia, a reconstrução histórica e a tentativa de apresentar a guerra pela perspectiva das pessoas comuns merecem reconhecimento. É uma produção ambiciosa, visualmente impressionante e historicamente interessante, cuja realização foi prejudicada por problemas narrativos e decisões de montagem.
Erick Steve.
sábado, 24 de outubro de 2026
Os Donos do Poder
Título Original: Power
Ano de Lançamento: 1986
País: Estados Unidos
Estúdio: Lorimar Motion Pictures
Direção: Sidney Lumet
Roteiro: David Himmelstein
Elenco: Richard Gere, Julie Christie, Gene Hackman, Kate Capshaw, Denzel Washington e E. G. Marshall.
Sinopse:
Pete St. John é um dos mais influentes consultores políticos dos Estados Unidos, um profissional especializado em construir a imagem pública de candidatos e ajudá-los a conquistar o apoio dos eleitores. Inteligente, ambicioso e extremamente habilidoso, Pete conhece os mecanismos da publicidade política e sabe como transformar as características de um candidato em instrumentos de persuasão. Sua profissão, entretanto, também o obriga a trabalhar com políticos cujos interesses nem sempre correspondem às suas convicções pessoais. Quando seu amigo, o senador Sam Hastings, decide abandonar a carreira política devido a problemas de saúde, Pete é contratado para ajudar Jerome Cade, um empresário que pretende ocupar a vaga no Senado. Inicialmente, o trabalho parece representar apenas mais uma oportunidade profissional, mas Pete começa a desconfiar das verdadeiras intenções de seu novo cliente. A situação se complica quando ele percebe que interesses empresariais e econômicos estão influenciando a campanha e que algumas decisões políticas podem favorecer poderosos grupos ligados ao petróleo. Ao mesmo tempo, Pete enfrenta a oposição de Wilfred Buckley, antigo amigo e rival profissional, além de manter uma relação complicada com Ellen Freeman, sua ex-esposa e jornalista política. À medida que investiga os bastidores da candidatura de Cade, Pete precisa decidir até que ponto está disposto a sacrificar seus princípios em troca de dinheiro, influência e sucesso.
Comentários:
Os Donos do Poder é um drama político dirigido por Sidney Lumet, cineasta conhecido por filmes que investigam as relações entre poder, corrupção e instituições americanas, como Serpico e Rede de Intrigas. Lançado em 1986, o longa apresenta Richard Gere no papel de Pete St. John, um consultor que trata as campanhas eleitorais como produtos comerciais, utilizando pesquisas, publicidade e estratégias de comunicação para influenciar a opinião pública. Gere interpreta o protagonista com elegância e segurança, transmitindo o comportamento de um profissional acostumado a controlar situações e a esconder suas próprias dúvidas. Gene Hackman interpreta Wilfred Buckley, seu antigo parceiro e rival, enquanto Julie Christie vive Ellen Freeman, a jornalista que conhece tanto suas qualidades quanto suas contradições. Denzel Washington aparece como Arnold Billings, um assessor político envolvido nos interesses que cercam a candidatura de Jerome Cade. Kate Capshaw e E. G. Marshall também desempenham papéis importantes na trama. O roteiro de David Himmelstein foi inspirado em sua experiência de pesquisa sobre campanhas eleitorais e consultores políticos, procurando mostrar como a imagem pública de um candidato pode ser cuidadosamente construída para conquistar votos. A direção de Lumet confere à narrativa um tom realista, com diálogos rápidos, disputas profissionais e acontecimentos que revelam as relações entre publicidade, dinheiro e influência política.
A recepção crítica foi dividida. Roger Ebert, do Chicago Sun-Times, elogiou a autenticidade da representação dos consultores políticos, afirmando que o filme transmite a sensação de um assunto bem pesquisado, mas criticou a estrutura narrativa por considerar que faltava uma história central mais bem definida. Vincent Canby, do The New York Times, foi ainda mais severo, avaliando que a produção apresentava poucas ideias realmente desenvolvidas. A Variety também considerou que o filme não explorava plenamente as possibilidades de sua crítica à política e à publicidade. Comercialmente, o resultado ficou aquém das expectativas: o filme arrecadou aproximadamente US$ 3,8 milhões nos Estados Unidos e no Canadá, diante de um orçamento estimado entre US$ 14 milhões e US$ 16 milhões.
Apesar disso, Os Donos do Poder permanece interessante para quem deseja compreender a evolução do marketing político e a crescente importância da construção da imagem dos candidatos nas campanhas eleitorais modernas. O filme também tem valor por reunir Richard Gere, Gene Hackman, Julie Christie e um jovem Denzel Washington em uma produção de um diretor experiente como Lumet. Sua crítica aos bastidores da política continua pertinente, especialmente ao mostrar como interesses econômicos, estratégias de comunicação e ambições pessoais podem influenciar decisões que afetam toda a sociedade. Hoje, a obra é lembrada como um retrato imperfeito, mas relevante, dos mecanismos de poder na política americana dos anos 1980.
Erick Steve.
Rei Davi
Título no Brasil: Rei Davi
Título Original: King David
Ano de Produção: 1985
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Bruce Beresford
Roteiro: Andrew Birkin, James Costigan
Elenco: Richard Gere, Edward Woodward, Alice Krige
Sinopse:
Após vencer o terrível Golias, o jovem Davi (Richard Gere) se torna o novo Rei dos judeus. Durante sua vida (estima-se que tenha vivido entre 1040 a.C até 970 a.C) o monarca da antiguidade se torna um exemplo de rei forte mas piedoso e temeroso perante seu Deus. Baseado nos fatos narrados no Velho Testamento da Bíblia.
Comentários:
Imaginem o galã Richard Gere dando vida no cinema ao lendário Rei Davi de Israel. Pois é, foi justamente isso que a Paramount Pictures tentou transformar em sucesso em meados da década de 80. Nem precisa dizer que não deu muito certo. O roteiro escrito não agradou, nem aos judeus e nem aos cristãos. Houve várias críticas às licenças poéticas mostradas no enredo. Realizar filmes com personagens bíblicos sempre trazem problemas pois certamente algum líder de algum segmento religioso não gostará do resultado final. Em minha forma de ver o filme não é tão ruim como dizem. Certamente o texto não é tão religioso como alguns grupos queriam, priorizando mais o lado mais guerreiro e romântico do famoso monarca. Acredito que muitos religiosos criam sua própria visão do que seria Davi no velho testamento mas na realidade, olhando sob um ponto de vista puramente histórico, ele estaria mais próximo do que efetivamente aconteceu. Não é um grande épico e nem tem produção muito luxuosa mas não me desagradou. Penso que é um filme bem interessante no final das contas.
Pablo Aluísio.
Título Original: King David
Ano de Produção: 1985
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Bruce Beresford
Roteiro: Andrew Birkin, James Costigan
Elenco: Richard Gere, Edward Woodward, Alice Krige
Sinopse:
Após vencer o terrível Golias, o jovem Davi (Richard Gere) se torna o novo Rei dos judeus. Durante sua vida (estima-se que tenha vivido entre 1040 a.C até 970 a.C) o monarca da antiguidade se torna um exemplo de rei forte mas piedoso e temeroso perante seu Deus. Baseado nos fatos narrados no Velho Testamento da Bíblia.
Comentários:
Imaginem o galã Richard Gere dando vida no cinema ao lendário Rei Davi de Israel. Pois é, foi justamente isso que a Paramount Pictures tentou transformar em sucesso em meados da década de 80. Nem precisa dizer que não deu muito certo. O roteiro escrito não agradou, nem aos judeus e nem aos cristãos. Houve várias críticas às licenças poéticas mostradas no enredo. Realizar filmes com personagens bíblicos sempre trazem problemas pois certamente algum líder de algum segmento religioso não gostará do resultado final. Em minha forma de ver o filme não é tão ruim como dizem. Certamente o texto não é tão religioso como alguns grupos queriam, priorizando mais o lado mais guerreiro e romântico do famoso monarca. Acredito que muitos religiosos criam sua própria visão do que seria Davi no velho testamento mas na realidade, olhando sob um ponto de vista puramente histórico, ele estaria mais próximo do que efetivamente aconteceu. Não é um grande épico e nem tem produção muito luxuosa mas não me desagradou. Penso que é um filme bem interessante no final das contas.
Pablo Aluísio.
sábado, 17 de outubro de 2026
Cotton Club
Título no Brasil: Cotton Club
Título Original: The Cotton Club
Ano de Produção: 1984
País: Estados Unidos
Estúdio: Zoetrope Studios
Direção: Francis Ford Coppola
Roteiro: William Kennedy, Francis Ford Coppola
Elenco: Richard Gere, Gregory Hines, Diane Lane
Sinopse:
As estórias, dramas, romances e decepções daqueles que fizeram a fama do Cotton Club, uma popular casa noturna de jazz localizada no bairro do Harlem em Nova Iorque. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte e Melhor Edição (Barry Malkin e Robert Q. Lovett). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama e Melhor Direção (Francis Ford Coppola).
Comentários:
Verdade seja dita: poucos diretores amaram mais a sétima arte do que Francis Ford Coppola. E essa não é uma frase vazia. O cineasta apostou alto em seu amor pelo cinema. Não mediu esforços e colocou toda a sua fortuna em prol da realização de filmes que sonhava realizar. Muitos deles foram fracassos comerciais monumentais que destruíram sua estabilidade financeira. Mas Coppola, tão idealista e apaixonado, não se importava em pagar esse alto preço. "The Cotton Club" faz parte da série de filmes que arruinaram o diretor do ponto de vista comercial. Ele porém amou a oportunidade de realizar esse velho sonho, quase uma homenagem ao mundo da música, tudo rodado em um universo meio mágico, quase uma fábula. Pode ter sido um fracasso comercial, mas do ponto de vista puramente artístico é uma grande obra cinematográfica. O diretor estava tão inspirado que conseguiu até mesmo arrancar uma grande interpretação do ator Richard Gere, considerado até então um canastrão inveterado. E o que dizer de Gregory Hines? Ele literalmente rouba as cenas em que aparece. Assim o que temos aqui é uma declaração de amor ao cinema e à música, pelas mãos do genial Francis Ford Coppola! Se as pessoas na época de lançamento não entenderam isso, certamente não é culpa do diretor, que sempre esteve tão a frente de seu tempo. Excelente musical.
Pablo Aluísio.
Título Original: The Cotton Club
Ano de Produção: 1984
País: Estados Unidos
Estúdio: Zoetrope Studios
Direção: Francis Ford Coppola
Roteiro: William Kennedy, Francis Ford Coppola
Elenco: Richard Gere, Gregory Hines, Diane Lane
Sinopse:
As estórias, dramas, romances e decepções daqueles que fizeram a fama do Cotton Club, uma popular casa noturna de jazz localizada no bairro do Harlem em Nova Iorque. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Direção de Arte e Melhor Edição (Barry Malkin e Robert Q. Lovett). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama e Melhor Direção (Francis Ford Coppola).
Comentários:
Verdade seja dita: poucos diretores amaram mais a sétima arte do que Francis Ford Coppola. E essa não é uma frase vazia. O cineasta apostou alto em seu amor pelo cinema. Não mediu esforços e colocou toda a sua fortuna em prol da realização de filmes que sonhava realizar. Muitos deles foram fracassos comerciais monumentais que destruíram sua estabilidade financeira. Mas Coppola, tão idealista e apaixonado, não se importava em pagar esse alto preço. "The Cotton Club" faz parte da série de filmes que arruinaram o diretor do ponto de vista comercial. Ele porém amou a oportunidade de realizar esse velho sonho, quase uma homenagem ao mundo da música, tudo rodado em um universo meio mágico, quase uma fábula. Pode ter sido um fracasso comercial, mas do ponto de vista puramente artístico é uma grande obra cinematográfica. O diretor estava tão inspirado que conseguiu até mesmo arrancar uma grande interpretação do ator Richard Gere, considerado até então um canastrão inveterado. E o que dizer de Gregory Hines? Ele literalmente rouba as cenas em que aparece. Assim o que temos aqui é uma declaração de amor ao cinema e à música, pelas mãos do genial Francis Ford Coppola! Se as pessoas na época de lançamento não entenderam isso, certamente não é culpa do diretor, que sempre esteve tão a frente de seu tempo. Excelente musical.
Pablo Aluísio.
A Força do Amor
Título no Brasil: A Força do Amor
Título Original: Breathless
Ano de Produção: 1983
País: Estados Unidos
Estúdio: Orion Pictures, Columbia Pictures
Direção: Jim McBride
Roteiro: François Truffaut, Jean-Luc Godard
Elenco: Richard Gere, Valérie Kaprisky, Art Metrano
Sinopse:
Jesse Lujack (Richard Gere) não cabe em si mesmo de tanta vontade de viver intensamente cada minuto de sua vida. Para isso ele toma atitudes fora do comum, causando perplexidade em todos ao seu redor. Ao lado de Monica Poiccard (Valérie Kaprisky) ele quer viajar e ganhar o mundo, sempre com o rádio de seu carro sintonizado no último volume em seu grande ídolo, o roqueiro dos anos 50 Jerry Lee Lewis.
Comentários:
Esse filme foi um tremendo fracasso de público e crítica em seu lançamento. Na época em que foi lançado a película recebeu adjetivos do tipo "imbecil", "estúpido" e outros "elogios". Sempre achei muito exageradas as reações, inclusive me surpreendi bastante com isso já que o roteiro foi escrito e criado pelo prestigiado François Truffaut. Mudou sua capacidade de escrever bons textos ou mudaram as boas intenções de quem sempre o elogiou no passado? Enfim, são mistérios da crítica mundial. De uma forma ou outra quero chamar a atenção para a vivacidade da interpretação de Richard Gere. Esse é um personagem bem diferenciado de sua carreira, um sujeito que parece viver a mil, beirando inclusive a doença mental (não entregarei as surpresas do roteiro, mas saibam que dei uma dica importante por aqui). Curiosamente seu personagem também tem uma obsessão louca pelo roqueiro pioneiro Jerry Lee Lewis, procurando imitar sua personalidade radiante e fora dos padrões. O próprio título original "Breathless" é o nome de um famoso sucesso do assim conhecido "The Killer". No geral o que sobra de toda essa salada com coca-cola é um filme que sempre considerei muito divertido, com altos e baixos sim, mas longe do rótulo de "porcaria" que lhe foi imposto injustamente na época em que chegou aos cinemas pela primeira vez.
Pablo Aluísio.
Título Original: Breathless
Ano de Produção: 1983
País: Estados Unidos
Estúdio: Orion Pictures, Columbia Pictures
Direção: Jim McBride
Roteiro: François Truffaut, Jean-Luc Godard
Elenco: Richard Gere, Valérie Kaprisky, Art Metrano
Sinopse:
Jesse Lujack (Richard Gere) não cabe em si mesmo de tanta vontade de viver intensamente cada minuto de sua vida. Para isso ele toma atitudes fora do comum, causando perplexidade em todos ao seu redor. Ao lado de Monica Poiccard (Valérie Kaprisky) ele quer viajar e ganhar o mundo, sempre com o rádio de seu carro sintonizado no último volume em seu grande ídolo, o roqueiro dos anos 50 Jerry Lee Lewis.
Comentários:
Esse filme foi um tremendo fracasso de público e crítica em seu lançamento. Na época em que foi lançado a película recebeu adjetivos do tipo "imbecil", "estúpido" e outros "elogios". Sempre achei muito exageradas as reações, inclusive me surpreendi bastante com isso já que o roteiro foi escrito e criado pelo prestigiado François Truffaut. Mudou sua capacidade de escrever bons textos ou mudaram as boas intenções de quem sempre o elogiou no passado? Enfim, são mistérios da crítica mundial. De uma forma ou outra quero chamar a atenção para a vivacidade da interpretação de Richard Gere. Esse é um personagem bem diferenciado de sua carreira, um sujeito que parece viver a mil, beirando inclusive a doença mental (não entregarei as surpresas do roteiro, mas saibam que dei uma dica importante por aqui). Curiosamente seu personagem também tem uma obsessão louca pelo roqueiro pioneiro Jerry Lee Lewis, procurando imitar sua personalidade radiante e fora dos padrões. O próprio título original "Breathless" é o nome de um famoso sucesso do assim conhecido "The Killer". No geral o que sobra de toda essa salada com coca-cola é um filme que sempre considerei muito divertido, com altos e baixos sim, mas longe do rótulo de "porcaria" que lhe foi imposto injustamente na época em que chegou aos cinemas pela primeira vez.
Pablo Aluísio.
Richard Gere - Filmografia Selecionada
Década de 1980:
Gigolô Americano
A Força do Destino
A Força de um Amor
Cotton Club
Rei David
Os Donos do Poder
Sem Perdão
Gritos de Revolta
Pesquisa: Pablo Aluísio.
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