Superman IV: Em Busca da Paz

Superman IV: Em Busca da Paz

O filme Superman IV: Em Busca da Paz (Superman IV: The Quest for Peace) foi lançado nos Estados Unidos em 24 de julho de 1987, marcando o retorno de Christopher Reeve ao papel de Clark Kent/Superman em um momento delicado da franquia. A direção ficou a cargo de Sidney J. Furie, enquanto o elenco principal inclui Gene Hackman, retomando o papel de Lex Luthor, Margot Kidder como Lois Lane, Jackie Cooper como Perry White e Mariel Hemingway como a nova personagem Lacy Warfield. A história parte de um contexto fortemente influenciado pelas tensões da Guerra Fria, quando Superman decide tomar uma atitude radical diante da ameaça nuclear global. Ao mesmo tempo, Lex Luthor surge com um novo e perigoso plano, criando um inimigo capaz de desafiar o herói de forma inédita. O ponto de partida do enredo aposta em uma mensagem pacifista explícita, colocando Superman como símbolo de esperança em um mundo à beira da autodestruição, sem jamais revelar o desfecho da trama.

Na época de seu lançamento, Superman IV foi recebido de maneira majoritariamente negativa pela crítica americana. O The New York Times descreveu o filme como “bem-intencionado, porém desajeitado”, criticando a execução da mensagem política e a precariedade dos efeitos especiais. O Los Angeles Times apontou que a produção parecia “apressada e tecnicamente inferior”, especialmente quando comparada aos filmes anteriores da série. A revista Variety destacou que, apesar do carisma contínuo de Christopher Reeve, o roteiro carecia de consistência e dramaticidade. Muitos críticos observaram que o tom ingênuo do filme não dialogava mais com o público da década de 1980, que esperava narrativas mais sofisticadas.

A The New Yorker foi ainda mais dura, afirmando que o filme reduzia conflitos complexos a soluções simplistas, enquanto o Washington Post comentou que Superman IV parecia “um eco distante da grandiosidade do original de 1978”. As críticas também recaíram sobre os efeitos visuais, considerados fracos até mesmo para os padrões da época, consequência direta de severos cortes orçamentários durante a produção. O consenso crítico foi amplamente negativo, classificando o filme como o ponto mais baixo da série clássica do Superman. Ainda assim, alguns textos reconheceram o mérito da intenção moral da história, mesmo que mal executada.

Do ponto de vista comercial, Superman IV: Em Busca da Paz teve um desempenho decepcionante. Produzido com um orçamento estimado em cerca de US$ 17 milhões, significativamente menor que os filmes anteriores, o longa arrecadou apenas cerca de US$ 15 milhões nas bilheterias dos Estados Unidos. No mercado internacional, a arrecadação foi igualmente fraca, resultando em um total mundial em torno de US$ 36 milhões. Esses números representaram um fracasso comercial e financeiro, selando o fim da franquia cinematográfica do Superman naquele período. O desempenho negativo também contribuiu para a falência da Cannon Films, estúdio responsável pela produção.

Atualmente, Superman IV é amplamente lembrado como um exemplo de declínio de uma grande franquia, sendo frequentemente citado entre os piores filmes de super-heróis já produzidos. Críticos contemporâneos reconhecem que o filme sofreu com limitações orçamentárias extremas e interferências criativas, o que comprometeu seriamente seu resultado final. Ainda assim, alguns fãs revisitam a obra com certo olhar nostálgico, destacando o compromisso pessoal de Christopher Reeve com a mensagem pacifista do filme. Hoje, Superman IV é visto mais como uma curiosidade histórica do que como uma obra representativa do potencial do personagem.

Superman IV: Em Busca da Paz (Superman IV: The Quest for Peace, Estados Unidos/Reino Unido, 1987) Direção: Sidney J. Furie / Roteiro: Lawrence Konner e Mark Rosenthal (história baseada em argumento de Christopher Reeve) / Elenco: Christopher Reeve, Gene Hackman, Margot Kidder, Jackie Cooper, Mariel Hemingway, Jon Cryer / Sinopse: Diante da ameaça nuclear global, Superman decide agir para eliminar armas de destruição em massa, enquanto um antigo inimigo cria uma nova força capaz de colocar em risco o equilíbrio do mundo e o próprio ideal de paz.

Erick Steve. 

Superman III

Superman III

O filme Superman III foi lançado nos Estados Unidos em 17 de junho de 1983, com direção novamente atribuída a Richard Lester, consolidando a mudança de tom iniciada no segundo capítulo da franquia. O elenco principal traz o retorno de Christopher Reeve como Clark Kent/Superman, acompanhado por Richard Pryor, grande novidade do filme, Annette O’Toole como Lana Lang, Robert Vaughn no papel do empresário Ross Webster, além de Margot Kidder e Jackie Cooper, estes com participação mais reduzida. A história parte do cotidiano de Clark ao retornar à cidade natal de Smallville, enquanto um magnata corporativo decide explorar avanços tecnológicos para dominar mercados e desafiar a ordem mundial. Paralelamente, Superman passa a enfrentar uma ameaça inédita ligada à manipulação de sua própria natureza, o que o coloca diante de um conflito interno perturbador. O ponto de partida do filme aposta fortemente no humor e na sátira tecnológica da época.

No momento de seu lançamento, Superman III encontrou uma recepção crítica amplamente mista, com muitos veículos destacando a mudança acentuada de tom em relação aos filmes anteriores. O The New York Times observou que o longa “abandona parte da nobreza do herói em favor de uma comédia exagerada”, ainda que reconhecesse o esforço de Christopher Reeve em manter a credibilidade do personagem. O Los Angeles Times comentou que o filme parecia mais interessado em explorar gags visuais do que em aprofundar o mito do Superman. Já a revista Variety descreveu a produção como “irregular, alternando momentos inspirados com humor excessivamente bobo”. A presença de Richard Pryor foi amplamente destacada, sendo vista como um atrativo comercial, mas também como um elemento que desequilibrou o tom da narrativa.

A The New Yorker foi mais crítica, afirmando que o filme “transforma um herói mítico em parte de uma comédia pastelão”, enquanto o Washington Post apontou que o excesso de humor diluía a sensação de ameaça. Ainda assim, alguns críticos elogiaram sequências específicas, sobretudo aquelas que exploram o lado sombrio do protagonista, vistas como conceitualmente interessantes. No balanço geral, a crítica da época classificou Superman III como inferior aos dois primeiros filmes, reconhecendo seus méritos pontuais, mas destacando a perda de grandiosidade e coesão. A opinião predominante foi de decepção moderada, embora o filme não tenha sido um fracasso crítico absoluto.

Do ponto de vista comercial, Superman III apresentou um desempenho sólido, ainda que abaixo das expectativas geradas pelos capítulos anteriores. Produzido com um orçamento estimado em cerca de US$ 39 milhões, o filme arrecadou aproximadamente US$ 80 milhões nas bilheterias dos Estados Unidos. No mercado internacional, o longa somou cerca de US$ 59 milhões, resultando em uma arrecadação mundial próxima de US$ 140 milhões. Embora lucrativo, o resultado foi considerado decepcionante quando comparado ao sucesso estrondoso de Superman (1978) e Superman II (1981). Esse desempenho contribuiu para a percepção de desgaste da franquia e para mudanças criativas que seriam tentadas no filme seguinte.

Atualmente, Superman III é visto de forma mais indulgente, embora continue sendo considerado um dos capítulos mais fracos da série clássica. Muitos críticos contemporâneos reconhecem o filme como um produto de sua época, refletindo a popularidade da comédia física e da sátira tecnológica no início dos anos 1980. A atuação de Christopher Reeve, especialmente nas cenas em que interpreta versões conflitantes do herói, passou a ser mais valorizada ao longo do tempo. Ainda assim, o tom excessivamente leve e o foco disperso impedem que o filme seja reavaliado como um clássico. Hoje, Superman III ocupa um lugar curioso na história do cinema de super-heróis, lembrado mais por suas escolhas ousadas — e controversas — do que por seu impacto duradouro.

Superman III (Superman III, Estados Unidos/Reino Unido, 1983) Direção: Richard Lester / Roteiro: David Newman e Leslie Newman / Elenco: Christopher Reeve, Richard Pryor, Annette O’Toole, Robert Vaughn, Margot Kidder, Jackie Cooper / Sinopse: Enquanto um ambicioso empresário tenta usar tecnologia avançada para controlar o mundo dos negócios, Superman enfrenta uma crise inesperada que o obriga a lidar com forças externas e conflitos internos capazes de ameaçar sua própria essência heroica.

Erick Steve. 

Superman II

Superman II

O filme Superman II teve seu lançamento oficial nos Estados Unidos em 19 de junho de 1981, após uma produção conturbada iniciada ainda no final da década de 1970, sendo creditado na direção a Richard Lester, embora grande parte do material tenha sido filmada originalmente por Richard Donner. O elenco principal retorna do sucesso anterior, liderado por Christopher Reeve no papel de Clark Kent/Superman, acompanhado por Margot Kidder como Lois Lane, Gene Hackman como Lex Luthor e Ned Beatty como Otis, além da introdução de novos antagonistas vividos por Terence Stamp, Sarah Douglas e Jack O’Halloran. A história parte diretamente dos eventos do primeiro filme, apresentando Superman diante de um dilema pessoal profundo quando decide abrir mão de seus poderes para viver um amor humano ao lado de Lois. Paralelamente, três criminosos kryptonianos são libertados da Zona Fantasma e chegam à Terra, trazendo uma ameaça de proporções inéditas. O ponto de partida do enredo equilibra romance, humor e perigo global, aprofundando os conflitos internos do herói e ampliando o universo estabelecido anteriormente, sem jamais antecipar o desfecho da narrativa.

Na época de seu lançamento, Superman II foi recebido com atenção especial pela crítica americana, que observava atentamente se a continuação estaria à altura do filme de 1978. O The New York Times destacou o carisma de Christopher Reeve, afirmando que “Reeve continua sendo o maior trunfo da série, capaz de tornar crível até os momentos mais fantasiosos”. Já o Los Angeles Times elogiou o tom mais leve e bem-humorado da produção, ressaltando que o filme “assume com mais confiança sua natureza de entretenimento escapista”. A revista Variety observou que o equilíbrio entre ação e comédia tornava a experiência mais acessível ao grande público, ainda que apontasse certas irregularidades narrativas. Muitos críticos destacaram o trio de vilões kryptonianos como uma adição eficaz, especialmente a presença ameaçadora de Terence Stamp como General Zod, que trouxe um contraste sério ao tom mais descontraído do filme.

Em contrapartida, parte da crítica apresentou ressalvas claras quanto às mudanças de direção e estilo. A The New Yorker comentou que o filme parecia “dividido entre duas visões criativas”, reflexo direto da troca de diretores durante a produção. Alguns textos críticos apontaram que o roteiro perdia coesão em determinados momentos, alternando entre drama romântico e farsa cômica de maneira abrupta. O Washington Post observou que, embora divertido, o filme não possuía a mesma sensação de novidade e grandiosidade do original. Ainda assim, a avaliação geral na época foi positiva a moderadamente favorável, com consenso de que Superman II funcionava bem como espetáculo popular, mesmo carregando as marcas evidentes de um processo de produção problemático. O público e a crítica, em sua maioria, reconheceram o filme como uma continuação sólida, ainda que imperfeita.

Do ponto de vista comercial, Superman II foi um sucesso significativo. Com um orçamento estimado em cerca de US$ 54 milhões, valor elevado para a época devido às filmagens simultâneas com o primeiro filme, a produção conseguiu um retorno expressivo. Nos Estados Unidos, a bilheteria ultrapassou US$ 108 milhões, consolidando-se como um dos filmes mais lucrativos de 1981. No mercado internacional, o desempenho também foi robusto, elevando a arrecadação global para algo em torno de US$ 190 milhões. Esses números confirmaram a força do personagem Superman como franquia cinematográfica e garantiram a continuidade da série. Apesar dos custos altos e dos conflitos nos bastidores, o estúdio considerou o resultado financeiro altamente satisfatório, reforçando o apelo mundial do herói criado pela DC Comics.

Com o passar das décadas, a reputação de Superman II cresceu e se transformou. Atualmente, o filme é frequentemente lembrado como uma das melhores sequências de super-heróis já produzidas, especialmente dentro do contexto do cinema anterior à era dos efeitos digitais avançados. Muitos fãs e críticos destacam o arco emocional de Clark Kent como um dos mais interessantes já apresentados em adaptações do personagem. O lançamento posterior da chamada “Richard Donner Cut”, em 2006, reacendeu debates críticos e acadêmicos, levando parte do público a reavaliar o filme sob uma nova perspectiva. Hoje, Superman II é visto como uma obra essencial para compreender a evolução do gênero, valorizada tanto por seu entretenimento quanto por seus conflitos humanos e simbólicos.

Superman II (Superman II, Estados Unidos/Reino Unido, 1981) Direção: Richard Lester / Roteiro: Mario Puzo e David Newman (baseado nos personagens criados por Jerry Siegel e Joe Shuster) / Elenco: Christopher Reeve, Margot Kidder, Gene Hackman, Terence Stamp, Sarah Douglas, Ned Beatty / Sinopse: Após questionar seu papel como protetor da humanidade, Superman enfrenta uma ameaça vinda de seu próprio planeta natal enquanto tenta conciliar sentimentos humanos com responsabilidades sobre-humanas, colocando o destino da Terra em risco diante de inimigos poderosos e implacáveis.

Erick Steve. 

Superman

Superman

Na iminência da destruição de seu planeta Kripton, Jor-El (Marlon Brando) decide enviar seu filho recém nascido para um planeta distante chamado Terra nos confins do universo. Assim começa a aventura de Superman, um dos super-heróis mais populares e influentes da cultura pop. Para aquele que é considerado o primeiro grande personagem do universo de quadrinhos a Warner resolveu caprichar na realização desse filme. A publicidade de Superman garantia que o espectador iria acreditar que o homem poderia voar. Depois do lançamento ninguém mais tinha dúvidas sobre isso. Superman é até hoje uma das melhores adaptações já feitas de quadrinhos para o cinema. A produção classe A acerta em praticamente todos os aspectos: elenco, direção, efeitos especiais e roteiro. Poucas vezes na história do cinema se viu um filme em que tantos elementos se encaixavam tão perfeitamente. Os efeitos especiais certamente envelheceram pois foram feitos em uma época em que não havia ainda efeitos digitais. Mesmo assim visto atualmente temos que admitir que se tornaram bem charmosos, além de dar um status cult para a produção em si. As cenas em que Superman voa pela primeira vez, por exemplo, não perderam impacto mesmo nos dias de hoje. 

Além de visualmente deslumbrante Superman ainda contava com uma trilha sonora imortal que até hoje emociona. A música tema composta por John Williams ainda soa poderosa e evocativa, mesmo após tantos anos. O elenco de Superman é formidável a começar pela escolha de Christopher Reeve para interpretar o personagem título. Eu costumo dizer que não basta ter apenas a estampa, o porte físico de Superman para se sair bem nesse papel. Tem que ser bom ator e a razão é simples: para interpretar Clark Kent o ator tem que ser versátil. Por isso tantos fracassaram. Nessa questão Christopher Reeve foi brilhante pois atuou maravilhosamente bem tanto na pele do super-herói quanto na pele de seu alter ego, o jornalista tímido e atrapalhado Clark Kent. Outro destaque sempre lembrado desse filme é a presença do mito Marlon Brando. Fazendo o papel do pai de Superman ele rouba a parte inicial do filme. Curiosamente Brando quase não embarca nessa aventura pelo cachê absurdo que cobrou. Após analisar bem o estúdio entendeu que ter Marlon Brando no elenco não tinha preço pois ele certamente traria muito prestígio para o filme como um todo. Foi contratado e mais uma vez arrasou em cena. Como se não bastasse a presença desses dois maravilhosos profissionais o filme ainda contava com um elenco de apoio simplesmente incrível: Gene Hackman e o veterano Glenn Ford (na pele do pai terrestre de Kent). Em breve teremos mais uma adaptação do personagem para as telas, novamente pelos estúdios Warner e novamente contando com uma produção milionária. Será que vai conseguir superar esse filme definitivo sobre o homem de aço? Eu duvido muito. Algumas produções são simplesmente definitivas como essa. Nota 10 com louvor. 

Superman - O Filme (Superman, Estados Unidos, 1978) Direção: Richard Donner / Roteiro: Mario Puzo, David Newman, Leslie Newman, Robert Benton baseados no personagem criado por Jerry Siegel e Joe Shuster / Elenco: Christopher Reeve, Marlon Brando, Gene Hackman, Glenn Ford, Margot Kidder, Susannah York, Terence Stamp / Sinopse: "Superman" de 1978 conta as origens do personagem tão popular do universo de quadrinhos. Nascido em Kripton adquire super poderes em nosso planeta. Um ícone da cultura pop em excelente produção dos estúdios Warner. 

Pablo Aluísio.

Em Cartaz: Superman

Superman – O Filme estreou mundialmente em dezembro de 1978, dirigido por Richard Donner e estrelado por Christopher Reeve, marcando a primeira grande adaptação moderna de um super-herói dos quadrinhos para o cinema com ambição épica. Produzido por Alexander e Ilya Salkind, o longa foi concebido como um espetáculo de prestígio, com orçamento elevado, efeitos especiais inovadores e um elenco de peso, incluindo Marlon Brando como Jor-El e Gene Hackman como Lex Luthor. O slogan promocional — “You’ll believe a man can fly” — sintetizava a aposta do estúdio em convencer o público de que um herói dos quadrinhos podia ser levado a sério no cinema.

A bilheteria foi extraordinária. Com um custo estimado em cerca de US$ 55 milhões, Superman arrecadou mais de US$ 300 milhões mundialmente, tornando-se um dos maiores sucessos comerciais de 1978 e um dos filmes mais lucrativos da década. Nos Estados Unidos, permaneceu semanas entre os líderes de arrecadação, atraindo tanto jovens quanto adultos, algo incomum para um filme baseado em HQs naquele período. O sucesso consolidou o personagem como ícone cinematográfico e abriu caminho para uma nova era de blockbusters de super-heróis.

A reação da crítica foi amplamente positiva, algo decisivo para a longevidade do filme. O The New York Times afirmou que o longa era “leve, espirituoso e surpreendentemente elegante”, destacando o equilíbrio entre humor, ação e emoção. Já a revista Time escreveu que Superman era “um triunfo do cinema popular, feito com inteligência e respeito pelo mito original”, elogiando especialmente a direção de Donner por tratar o personagem com seriedade sem cair no tom solene excessivo.

Christopher Reeve foi o elemento mais celebrado nas resenhas. O Washington Post destacou que o ator “conseguiu tornar Superman grandioso e Clark Kent encantadoramente humano”, algo considerado essencial para o sucesso do filme. A trilha sonora de John Williams também recebeu elogios quase unânimes, sendo descrita pela Variety como “heroica, memorável e instantaneamente associada ao personagem”, reforçando o impacto emocional da narrativa.

Com o passar do tempo, Superman – O Filme passou a ser visto como um marco histórico do cinema comercial, responsável por estabelecer o modelo de grandes produções de super-heróis tratadas como eventos cinematográficos legítimos. Em 1978, muitos críticos já apontavam que o filme “elevava o gênero a um novo patamar”, percepção confirmada pelas décadas seguintes. Hoje, o longa é lembrado não apenas como um sucesso de bilheteria, mas como a obra que ensinou Hollywood a levar super-heróis a sério — sem perder o senso de encanto e esperança.

O Talentoso Ripley

Título no Brasil: O Talentoso Ripley
Título Original: The Talented Mr. Ripley
Ano de Produção: 1999
País: Estados Unidos
Estúdio: Miramax, Paramount Pictures
Direção: Anthony Minghella
Roteiro: Anthony Minghella
Elenco: Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Jude Law, Cate Blanchett, Philip Seymour Hoffman, Jack Davenport
  
Sinopse:
Tom Ripley (Matt Damon) não é um sujeito comum. Ele tem o dom natural para copiar o modo de ser das pessoas, além de as manipular com maestria. Ao viajar para a Europa ele acaba se aproximando do casal formado por Dickie Greenleaf (Jude Law) e Marge Sherwood (Gwyneth Paltrow). No começo ele parece ser apenas uma pessoa agradável e amigável, mas logo surgem suspeitas sobre as suas reais intenções.

Comentários:
Boa adaptação do romance escrito por Patricia Highsmith. O enredo é tecido sobre as sutilezas do comportamento humano, mostrando que nem sempre uma amizade pode ser criada apenas por sentimentos nobres e verdadeiros. Um aspecto curioso é que o filme, apesar de ser americano, procurou copiar o melhor do estilo do cinema europeu. Por isso, para muitos, o filme tem um ritmo um pouco arrastado, quase parando. Essa crítica é porém injusta. Como a trama é baseada em nuances comportamentais, era mesmo de se esperar que existisse um certo tempo para desenvolver todas elas. Melhor para o elenco que assim teve a oportunidade de dar o melhor de si em termos de atuação. Embora todo o trio protagonista esteja muito bem (até o limitado Matt Damon se sobressai), eu gostaria de dar o devido crédito para o grande (em todos os aspectos) Philip Seymour Hoffman. Ele não tem um grande papel dentro da trama, isso é verdade, mas acaba roubando o show em todos os momentos em que surge na tela. Sua morte, causada por uma overdose acidental, deixou um vácuo muito grande dentro da indústria americana de cinema. Por fim, a título de informação, é importante salientar que "The Talented Mr. Ripley" virou uma espécie de queridinho da crítica americana em seu lançamento, o que proporcionou ao filme ser indicado a cinco categorias no Oscar, incluindo Melhor Ator (Jude Law), Melhor Roteiro Adaptado (para o próprio diretor Anthony Minghella que também escreveu o texto do roteiro) e Melhor Direção de Arte (para a dupla formada por Roy Walker e Bruno Cesari, em um reconhecimento mais do que merecido). Então é isso, um filme americano com todo o jeitão do elegante cinema europeu, em uma espécie de estudo da alma humana em frangalhos. Incisivo, mordaz e cruel nas medidas certas.

Pablo Aluísio.

Em Cartaz: O Talentoso Ripley

O thriller psicológico O Talentoso Ripley estreou nos cinemas em dezembro de 1999, dirigido por Anthony Minghella e baseado no romance homônimo de Patricia Highsmith. Ambientado entre Nova York e a Itália do pós-guerra, o filme acompanha Tom Ripley, um jovem ambicioso e socialmente deslocado que se infiltra na vida de um herdeiro americano, dando início a uma espiral de obsessão, impostura e violência. Desde o lançamento, a produção chamou atenção pelo contraste entre a beleza ensolarada dos cenários italianos e a escuridão moral de sua narrativa.

Em termos de bilheteria, o filme obteve um bom desempenho comercial. Produzido pela Paramount Pictures, O Talentoso Ripley arrecadou cifras sólidas nos Estados Unidos e no mercado internacional, beneficiando-se do interesse do público por thrillers sofisticados e pelo apelo de seu elenco estrelado, que incluía Matt Damon, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Cate Blanchett e Philip Seymour Hoffman.

A reação da crítica em 1999 foi amplamente positiva. O The New York Times descreveu o filme como “um thriller elegante, perturbador e moralmente inquietante”, destacando a forma como Minghella transformava uma história de crime em um estudo psicológico refinado. A revista Time comentou que a obra era “sedutora, cruel e cuidadosamente construída”, elogiando o ritmo deliberado e a atmosfera de tensão constante.

As atuações receberam destaque especial na imprensa. Matt Damon foi amplamente elogiado por sua interpretação de Tom Ripley, descrita por críticos como “assustadoramente contida e cheia de ambiguidade moral”, marcando uma virada em sua imagem pública após papéis mais heroicos. Jude Law foi celebrado por seu carisma magnético, com jornais afirmando que ele encarnava “o tipo de privilégio e charme que desperta admiração e ressentimento ao mesmo tempo”. Cate Blanchett e Philip Seymour Hoffman também foram apontados como presenças decisivas para a densidade dramática do filme.

Na temporada de prêmios, O Talentoso Ripley recebeu cinco indicações ao Oscar, incluindo Melhor Roteiro Adaptado e Ator Coadjuvante para Jude Law, consolidando seu prestígio crítico. Já em 1999, muitos comentaristas observavam que o filme se destacava por evitar explicações fáceis ou julgamentos morais simplistas. Hoje, a obra é considerada um clássico moderno do suspense psicológico, lembrada por sua sofisticação estética, atuações marcantes e por oferecer um retrato perturbador do desejo de pertencimento e da construção da identidade.

A Conversação

A Conversação

Depois da consagração do filme "O Poderoso Chefão", o diretor Francis Ford Coppola poderia ter dirigido qualquer filme que quisesse em Hollywood. Seu nome e prestigio estavam em alta. Só que ao invés de embarcar em outra saga épica, ele resolveu escolher um roteiro que ele havia escrito alguns anos antes. Se tratava de "The Conversation", uma história sobre um especialista em captar sons que entrava em uma roleta russa na sua vida profissional e pessoal. O personagem principal do filme se chama Harry Caul (Gene Hackman). Ele é um mestre em gravar conversas alheias sem autorização. O tipo de sujeito que faz o jogo sujo para qualquer um que pague por seus serviços. Geralmente é contratado por criminosos ou então maridos desconfiados que precisam de alguma prova da traição de suas esposas supostamente infiéis. Quando o filme começa ele está novamente em campo, gravando a conversa de um casal que passeia numa praça de Nova Iorque.

Seu cliente é um rico executivo que deseja confirmar se a jovem esposa tem mesmo um amante. Caul arma todo um esquema para gravar o casal e descobre que eles podem ser mortos se tudo for revelado. A partir daí as coisas começam a se complicar. Ele hesita em entregar o que gravou. Tem crises éticas, religiosas e existenciais sobre isso. Com isso sua vida vai entrando em parafuso, com ele cada vez mais paranoico, suspeitando de que virou um alvo de pessoas poderosas que querem se vingar de algo que fez.

Francis Ford Coppola, como grande diretor que sempre foi, tenta equilibrar o filme entre o drama existencial e o suspense. O protagonista é um sujeito com vida pessoal vazia, sem ligação com ninguém, que vive apenas para o trabalho e quando esse lhe traz uma aflição emocional pelo que faz, a sua vida sai dos trilhos. É um filme muito bom, que consegue ser bem sucedido nos dois gêneros apontados pelo cineasta. Tanto funciona bem como drama, como também no desenvolvimento do suspense envolvendo todas as situações. Um Coppola menos conhecido nos dias atuais, porém não menos interessante.

A Conversação (The Conversation, Estados Unidos, 1974) Direção: Francis Ford Coppola / Roteiro: Francis Ford Coppola / Elenco: Gene Hackman, Harrison Ford, Robert Duvall, John Cazale, Allen Garfield / Sinopse: Harry Caul (Gene Hackman) é um especialista em som, que é contratado por um executivo que quer provas da infidelidade da jovem esposa, só que as coisas não saem exatamente como planejado. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Roteiro Original (Francis Ford Coppola) e Melhor Som (Walter Murch, Art Rochester). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Filme - Drama, Melhor Direção (Francis Ford Coppola), Melhor Ator (Gene Hackman) e Melhor Direção ( Francis Ford Coppola).

Pablo Aluísio. 

Em Cartaz: A Conversação

O suspense psicológico A Conversação estreou nos cinemas em abril de 1974, escrito e dirigido por Francis Ford Coppola e estrelado por Gene Hackman. Lançado logo após o enorme sucesso de O Poderoso Chefão, o filme surpreendeu por seu tom contido e introspectivo, acompanhando um especialista em vigilância eletrônica consumido pela paranoia e pela culpa. Desde o início, a obra foi percebida como um retrato inquietante da solidão e da invasão de privacidade em uma era marcada por escândalos políticos e desconfiança institucional.

Em termos de bilheteria, A Conversação teve um bom desempenho, especialmente considerando sua narrativa minimalista e ritmo deliberadamente lento. Produzido pela Paramount Pictures, o filme atraiu um público adulto e urbano, interessado em cinema autoral. Embora não tenha alcançado cifras de grandes blockbusters da época, manteve-se em cartaz por semanas e consolidou-se como um sucesso crítico-comercial consistente.

A reação da crítica em 1974 foi amplamente entusiástica. O The New York Times descreveu o filme como “um estudo magistral da paranoia moderna”, destacando a precisão do roteiro e a atmosfera sufocante construída por Coppola. A revista Time afirmou que se tratava de “um suspense silencioso e profundamente perturbador”, elogiando a forma como o filme transformava detalhes sonoros e visuais em instrumentos de tensão psicológica.

A atuação de Gene Hackman foi o ponto mais celebrado pela imprensa. Críticos da época afirmaram que ele entregava uma performance “contida, dolorosa e extraordinariamente humana”, distante de seus papéis mais explosivos. Jornais ressaltaram que Hackman conseguia expressar medo, culpa e obsessão quase sem diálogos, tornando o personagem um dos retratos mais complexos da década no cinema americano.

O prestígio do filme se confirmou ao vencer a Palma de Ouro no Festival de Cannes de 1974 e ao receber indicações importantes ao Oscar. Já em seu ano de lançamento, muitos críticos apontavam que A Conversação seria lembrado como um dos filmes mais pessoais de Coppola e um marco do cinema paranoico dos anos 1970. Hoje, a obra é considerada um clássico absoluto, frequentemente citada como uma das análises mais penetrantes já feitas sobre vigilância, culpa e alienação na sociedade contemporânea.

Encurralado

Título no Brasil: Encurralado
Título Original: Duel
Ano de Produção: 1971
País: Estados Unidos
Estúdio: Universal Pictures
Direção: Steven Spielberg
Roteiro: Richard Matheson, Richard Matheson
Elenco: Dennis Weaver, Jacqueline Scott, Eddie Firestone, Lou Frizzell, Gene Dynarski, Lucille Benson

Sinopse:
Um técnico de computação, em viagem pelas estradas, passa a ser perseguido, sem qualquer razão, por um motorista de um velho caminhão. A obsessão torna a viagem um verdadeiro jogo de vida ou morte. Filme premiado no Emmy Awards na categoria de melhor edição de som. Filme indicado ao Globo de Ouro na categoria de Melhor filme especialmente produzido para a televisão.

Comentários:
Esse pode ser considerado o primeiro filme da carreira de Steven Spielberg. Antes ele já havia dirigido alguns curtas e alguns episódios para séries de TV (como "Columbo"), mas nunca havia assumido o posto de direção em um filme de longa-metragem. Feito para a TV, foi quase como um teste da Universal em relação ao jovem cineasta, recém contratado. O resultado ficou muito melhor do que era esperado. Com elementos básicos em mãos, uma história simples, Spielberg conseguiu realizar um excelente thriller de estrada, um road movie de suspense, explorando cada situação ao máximo. Tão boa foi a receptividade que em alguns países o filme foi exibido nos cinemas, cono no Canadá, Europa e Brasil. E pensar que aquele jovem diretor iniciante iria se tornar nas décadas seguintes o diretor mais popular da indústria cinematográfica. E tudo começou aqui, nesse modesto, mas muito bom telefilme dos anos 1970.

Pablo Aluísio.

Perfil: Michael Douglas

Perfil: Michael Douglas

Michael Douglas é um dos atores e produtores mais influentes do cinema norte-americano das últimas décadas, conhecido por interpretar personagens complexos, muitas vezes marcados por ambiguidade moral e conflitos internos. Nascido em 25 de setembro de 1944, em New Brunswick, Nova Jersey, ele é filho do lendário ator Kirk Douglas, mas construiu uma carreira própria, distinta e respeitada, evitando viver apenas à sombra do sobrenome famoso.

Sua projeção inicial ocorreu na televisão, com a série As Ruas de São Francisco (1972–1976), que lhe garantiu grande popularidade. No cinema, Douglas destacou-se a partir dos anos 1980, período em que se tornou um dos principais rostos de Hollywood. Filmes como Síndrome da China (1979), Atração Fatal (1987) e Wall Street – Poder e Cobiça (1987) consolidaram sua imagem de ator associado a thrillers psicológicos e dramas contemporâneos, frequentemente abordando temas como poder, ambição e corrupção.

Em Wall Street, Michael Douglas interpretou Gordon Gekko, um dos personagens mais icônicos do cinema moderno, papel que lhe rendeu o Oscar de Melhor Ator. A frase “a ganância é boa”, dita pelo personagem, tornou-se símbolo do espírito econômico dos anos 1980 e ajudou a fixar Douglas como o intérprete ideal de figuras carismáticas e moralmente questionáveis, capazes de fascinar e inquietar o público ao mesmo tempo.

Além de atuar, Douglas teve papel fundamental como produtor. Foi nessa função que conquistou seu primeiro Oscar, por Um Estranho no Ninho (1975), filme vencedor do prêmio de Melhor Filme. Ao longo da carreira, produziu obras relevantes e comerciais, demonstrando visão estratégica e sensibilidade para projetos de forte impacto cultural e artístico.

Nas décadas seguintes, Michael Douglas manteve-se ativo e relevante, participando de produções variadas como Instinto Selvagem (1992), Um Dia de Fúria (1993) e, mais recentemente, da franquia Homem-Formiga, integrando-se ao cinema de super-heróis. Sua trajetória sólida, marcada por escolhas inteligentes e personagens memoráveis, assegura-lhe um lugar de destaque na história do cinema americano.

A Síndrome da China

Título no Brasil: A Síndrome da China
Título Original: The China Syndrome
Ano de Produção: 1979
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: James Bridges
Roteiro: Mike Gray, T.S. Cook
Elenco: Jane Fonda, Jack Lemmon, Michael Douglas

Sinopse:
Durante uma reportagem investigativa a jornalista Kimberly Wells (Jane Fonda) e seu cinegrafista descobrem uma série de falhas de segurança numa usina nuclear. Jack Godell (Jack Lemmon), um engenheiro da usina, decide colaborar com eles para mostrar os riscos que todos correm por causa dos inúmeros problemas na usina. Filme indicado ao Oscar nas categorias Melhor Ator Coadjuvante (Jack Lemmon), Melhor Atriz Coadjuvante (Jane Fonda), Melhor Roteiro e Melhor Direção de Arte. Vencedor do BAFTA Awards nas categorias de Melhor Ator (Jack Lemmon) e Melhor Atriz (Jane Fonda).

Comentários:
Hoje em dia a carreira de Michael Douglas está resumida em comediazinhas bobas que tentam fazer graça de sua idade. Pois bem, o tempo cobra seu preço. Em nada lembra o jovem ator engajado politicamente do começo de sua carreira, não apenas como intérprete mas também como produtor. Nos anos 1970 ele ainda estava tentando sair da sombra de seu pai, o grande Kirk Douglas, e procurava por um caminho próprio. Para sua sorte caiu em suas mãos o script de "The China Syndrome", um texto que denunciava os perigos da energia nuclear e a falta de cuidado que existia dentro das inúmeras usinas nucleares espalhadas pelo território americano. Ele achou ótimo aquele texto e resolveu ele próprio produzir o filme. Por uma ironia do destino poucas semanas antes da produção ser lançada nos cinemas ocorreu um desastre real numa usina americana, o que trouxe uma publicidade extra para a película que logo se transformaria em um sucesso de público e crítica. Além de Douglas ainda temos a presença de dois nomes de expressão na história do cinema no elenco, Jane Fonda (a liberal que sempre procurava por temas intrigantes no campo político) e Jack Lemmon (que surge em um papel atípico, bem longe de suas comédias sofisticadas). Assim deixamos a dica dessa produção que causou grande impacto em seu lançamento mas que hoje em dia anda pouco lembrada, infelizmente.

Pablo Aluísio.

Em Cartaz: A Síndrome da China

O thriller A Síndrome da China estreou nos cinemas em março de 1979, dirigido por James Bridges e estrelado por Jane Fonda, Jack Lemmon e Michael Douglas. O filme aborda os riscos da energia nuclear ao acompanhar uma repórter de televisão e um cinegrafista que testemunham um possível acidente em uma usina nuclear e descobrem uma tentativa de encobrimento corporativo. Seu lançamento ganhou contornos extraordinários quando, apenas doze dias depois da estreia, ocorreu o acidente real da usina de Three Mile Island, na Pensilvânia, o que aumentou drasticamente o impacto e a repercussão do filme junto ao público.

Em termos de bilheteria, A Síndrome da China foi um grande sucesso comercial. Com um orçamento estimado em cerca de US$ 6 milhões, o filme arrecadou aproximadamente US$ 51 milhões apenas nos Estados Unidos, tornando-se um dos thrillers mais lucrativos do ano. A coincidência com o acidente nuclear real transformou o longa em um fenômeno cultural momentâneo, atraindo espectadores interessados tanto no suspense quanto no debate social e político levantado pela obra.

A reação da crítica em 1979 foi amplamente positiva, com muitos jornalistas elogiando o equilíbrio entre entretenimento e comentário social. O The New York Times escreveu que o filme era “um thriller inteligente e alarmante, que transforma uma questão técnica em drama humano de primeira linha”, destacando a habilidade do roteiro em tornar compreensíveis temas científicos complexos. Já a revista Time descreveu a obra como “tensa, perturbadora e inquietantemente plausível”, ressaltando seu impacto emocional.

As atuações também foram bastante celebradas. Jack Lemmon recebeu elogios quase unânimes por sua interpretação do engenheiro atormentado pela ética profissional, com o Los Angeles Times afirmando que o ator oferecia “uma atuação poderosa, carregada de humanidade e urgência moral”. Jane Fonda foi elogiada por retratar uma jornalista ambiciosa que amadurece ao longo da narrativa, enquanto Michael Douglas foi destacado como um antagonista “frio e convincentemente corporativo”, segundo comentários publicados na Variety.

Com o passar dos anos, A Síndrome da China consolidou-se como um dos thrillers políticos mais importantes do cinema americano dos anos 1970. As críticas publicadas em 1979 já indicavam que o filme ultrapassava o simples suspense, funcionando como um alerta sobre responsabilidade corporativa, ética jornalística e riscos tecnológicos. Hoje, a obra é frequentemente lembrada como um exemplo clássico de cinema engajado, cuja relevância histórica foi amplificada pela extraordinária coincidência entre ficção e realidade no momento de seu lançamento.

Filmografia Michael Douglas

Filmografia Michael Douglas:

Coma 

Síndrome da China

A Maratona de Michael

Esta é a Minha Chance

O Esquadrão de Justiça

Tudo por uma Esmeralda

A Jóia do Nilo

Chorus Line

Billy Ocean

Atração Fatal

Wall Street

Chuva Negra

A Guerra dos Roses

Uma Luz na Escuridão

Instinto Selvagem

Um Dia de Fúria

Assédio Sexual

Meu Querido Presidente

A Sombra e a Escuridão

Vidas em Jogo

Um Crime Perfeito

Garotos Incríveis

Traffic

Que Mulher é Essa

Refém do Silêncio

Acontece nas Melhores Famílias

Até que os Parentes nos Separem

Sentinela

Dois é bom, Três é Demais

O Rei da Califórnia

Minhas Adoráveis Ex-Namoradas

Acima de Qualquer Suspeita

O Solteirão

Wall Street: O Dinheiro Nunca Dorme

A Toda Prova

Minha Vida com Liberace

Última Viagem a Vegas

Um Amor de Vizinha

Fora de Alcance

Homem-Formiga

Conspiração Terrorista

Homem-Formiga e a Vespa

Mundo Animal

Vingadores: Ultimato

Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania

Correnteza de Amor

Pesquisa: Pablo Aluísio. 

Sem Destino

Sem Destino

A década de 1960 foi muito efervescente do ponto de vista cultural. O movimento hippie estava no ar e os jovens pensavam que tudo se resolveria através da singela filosofia da “Paz e Amor”. Infelizmente os fatos provaram que não era bem assim. Bom se todos aqueles movimentos se mostraram inócuos na vida real pelo menos na arte os anos 60 legaram para a posteridade ótimos discos, peças de teatro e filmes. Um dos mais celebrados foi justamente esse “Sem Destino”. O projeto nasceu de uma proposta de trabalho de Peter Fonda e Dennis Hopper que procuravam viabilizar a realização de filmes com baixo orçamento mas muitas idéias novas na cabeça. Peter, filho do ícone Henry Fonda, queria se afastar dos grandes estúdios e seus executivos, que não conseguiam mais entender a nova geração que estava aí. Ele racionalizou e entendeu que no máximo precisaria das grandes companhias cinematográficas apenas na fase de distribuição, já que na questão de produção e filmagem poderia bancar tudo praticamente sozinho. Hopper,  um notório “maluco beleza” daqueles anos, entendia que tudo o que precisava para realizar um bom filme era captar os novos tempos que pairavam dentro da sociedade americana naquele momento. Se afastar o máximo possível da mera ficção com o objetivo de retratar a realidade do cotidiano das pessoas ao redor.

E foi com esse espírito independente que nasceu seu maior filme, “Sem Destino”. Peter Fonda se uniu aos amigos Jack Nicholson (antes de virar um grande astro de Hollywood) e Dennis Hopper (símbolo da contracultura e do cinema de vanguarda) para literalmente cair na estrada, sem lenço e nem documento. Juntos a uma pequena equipe de filmagens saíram pelas highways americanas filmando tudo o que de interessante encontravam pela frente. Como a produção deveria ter custo mínimo o roteiro foi sendo escrito no calor dos acontecimentos, conforme as filmagens avançavam. Havia certamente uma linha narrativa muito tênue a seguir escrita pelo roteirista Terry Southern, mas o resto da estória foi sendo criado in loco por Fonda e Hopper durante as gravações. Uma das maiores ironias do elenco era certamente a presença de Jack Nicholson, um notório malucão dos anos 60, aqui interpretando um personagem careta! Assim que chegou nas telas o resultado comercial se revelou espetacular. “Sem Destino” custou a bagatela de meros 400 mil dólares e rendeu mais de 70 milhões de bilheteria, se tornando um dos filmes mais lucrativos da história. Peter Fonda se tornou um homem rico praticamente da noite para o dia, pois havia trocado seu cachê por um percentual nos lucros. “Sem Destino” no final das contas se revelou um ótimo produto do sistema capitalista americano que criticava, quem diria...

Sem Destino (Easy Rider, Estados Unidos, 1969) Direção: Dennis Hopper / Roteiro: Peter Fonda, Dennis Hopper, Terry Southern / Elenco: Peter Fonda, Dennis Hopper, Jack Nicholson / Sinopse: Dois motoqueiros vagam pelas estradas americanas em busca de aventuras. Em seu caminho conhecem os mais diferentes tipos de pessoas, desde caretas até hippies tentando viver o sonho da filosofia “Paz e Amor”. Premiado no Festival de Cannes com o prêmio de melhor filme de diretor estreante (Dennis Hopper). Indicado a Palma de Ouro. Indicado aos Oscars de melhor ator coadjuvante (Jack Nicholson) e melhor roteiro original.

Pablo Aluísio.

Em Cartaz: Sem Destino

O filme Sem Destino estreou em julho de 1969, dirigido por Dennis Hopper e estrelado por Peter Fonda, Dennis Hopper e Jack Nicholson. Produzido em meio ao auge da contracultura americana, o longa acompanhava dois motociclistas que cruzam os Estados Unidos em busca de liberdade, confrontando o conservadorismo, a intolerância e as contradições do sonho americano. Seu lançamento representou uma ruptura com o cinema clássico de Hollywood, tanto na forma quanto no conteúdo, tornando-se um símbolo imediato de uma geração em conflito com valores tradicionais.

Do ponto de vista comercial, Sem Destino foi um fenômeno inesperado de bilheteria. Com um orçamento extremamente baixo — cerca de US$ 400 mil — o filme arrecadou mais de US$ 60 milhões mundialmente, transformando-se em um dos maiores sucessos independentes da história do cinema até então. O desempenho surpreendente mostrou aos estúdios que havia um público jovem interessado em narrativas mais ousadas, ajudando a abrir caminho para a chamada Nova Hollywood dos anos 1970.

A reação da crítica em 1969 foi amplamente positiva, embora nem sempre consensual. O The New York Times descreveu o filme como “um retrato cru e perturbador da América contemporânea”, destacando sua capacidade de captar o espírito de uma juventude desencantada. Já a revista Time afirmou que Sem Destino era “um filme que parece improvisado, mas que atinge em cheio as ansiedades de sua época”, ressaltando seu impacto cultural imediato.

Entre os elogios mais enfáticos estava a atuação de Jack Nicholson, em um papel secundário que se tornaria decisivo para sua carreira. O Los Angeles Times escreveu que Nicholson oferecia “uma performance eletrizante, que rouba o filme e dá voz à paranoia e ao medo latente da América profunda”. Ao mesmo tempo, alguns críticos mais conservadores acusaram o longa de ser “desleixado” ou “antipatriótico”, revelando como o filme dividiu opiniões no clima político tenso do final dos anos 1960.

Com o passar das décadas, Sem Destino consolidou-se como um marco do cinema americano, não apenas por seu sucesso financeiro, mas por sua influência estética e temática. As frases publicadas nos jornais de 1969 já indicavam que o filme não era apenas um sucesso passageiro, mas um retrato incômodo de um país em transformação. Hoje, ele é lembrado como uma obra-chave que redefiniu o que o cinema hollywoodiano poderia ser, dando voz a uma geração e mudando definitivamente a relação entre estúdios, cineastas e público jovem.

Uma Garota Avançada

Título no Brasil: Uma Garota Avançada

Título Original: Me, Natalie 

Ano de Lançamento: 1969 

País: Estados Unidos 

Estúdio: Cinema Center Films

Direção: Fred Coe 

Roteiro: A. Martin Zweiback 

Elenco: Patty Duke, James Farentino, Al Pacino, Salome Jens, Elsa Lanchester, Martin Balsam, Nancy Marchand 

Sinopse:

Desde criança, Natalie Miller luta com sua autoimagem — acreditando ser “comum” e pouco atraente — apesar das constantes tentativas da mãe de convencê-la de que crescerá bonita. Após várias desilusões em encontros e na escola, Natalie decide sair de casa e se mudar para o boêmio Greenwich Village em busca de independência e autoafirmação. Lá, ela aluga um apartamento peculiar, arranja um emprego e conhece um jovem artista por quem se apaixona. À medida que se envolve com ele, Natalie enfrenta as realidades do amor, identidade e autoestima, aprendendo a valorizar a si mesma longe das expectativas alheias. 

Comentários:

É o primeiro filme de Al Pacino, isso em uma época em que ninguém o conhecia. Curiosamente não iria demorar muito para ele atuar em "O Poderoso Chefão", filme que mudaria sua vida e sua carreira para sempre. Em relação ao filme em si, quem brilha mesmo é a atriz Patty Duke, em elogiada atuação. Ela inclusive foi premiada pelo prestigiado prêmio Globo de Ouro. O roteiro é um destaque, trazendo uma leveza emocional ao filme, muito embora seu tema poderia levar a história para outro lado, mais pessimista e até mesmo depressiva. Felizmente isso não acontece. É o que poderíamos chamar de uma comédia romântica típica dos anos 60, mas permeada com toques dramáticos que acrescentam muito ao seu resultado final. Por fim destaco a inspirada trilha sonora assinada por Henry Mancini e a bela direção de fotografia que capturou muito bem a atmosfera do Greenwich Village, bairro boêmio de Nova Iorque, lar de artistas, poetas e escritores. 

Pablo Aluísio. 

Filmografia Al Pacino

Filmografia Al Pacino

Uma Garota Avançada

Os Viciados

O Poderoso Chefão

Espantalho

Serpico

O Poderoso Chefão 2

Um Dia de Cão

Um Momento, Uma Vida

Justiça Para Todos

Parceiros da Noite

Autor em Família

Scarface

Revolução

Vítimas de uma Paixão

Dick Tracy

O Poderoso Chefão 3

Frankie e Johnny

O Sucesso a Qualquer Preço

Perfume de Mulher

O Pagamento Final

Um Dia Para Relembrar

Fogo Contra Fogo

City Hall

Donnie Brasco

Advogado do Diabo

O Informante

Um Domingo Qualquer

Insônia

Simone

O Articulador

O Novato

Contato de Risco

O Mercador de Veneza

Tudo por Dinheiro

88 Minutos

Treze Homens e Um Novo Segredo

As Duas Faces da Lei

Você Não Conhece Jack

Anti-Heróis

Cada Um tem a Gêmea que Merece

Amigos Inseparáveis

Phil Spector

Salomé

O Último Ato

Manglehorn

Não Olhe Para Trás

Má Conduta

Os Piratas da Somália

Letras da Morte

Paterno

Era uma Vez em... Hollywood

O Irlandês

Traidora Americana

Casa Gucci

Pacto de Redenção

Modi

O Ritual

Billy Knight

In The Name of Dante

63 Horas de Pânico

Obs: Em Negrito, filmes já comentados no Blog.

Pesquisa: Pablo Aluísio.

Taxi Driver

Taxi Driver

Para muitos críticos a maior obra-prima de Martin Scorsese é esse filme, "Taxi Driver". Uma ode à loucura para alguns, um manifesto sobre o processo de enlouquecimento do homem moderno pela vida urbana e massacrante, para outros. De qualquer forma é um daqueles filmes em que o espectador simplesmente não consegue ignorar, tal a sua força. E tudo isso, construído em cima de uma história, de um enredo que parece ser dos mais simples, mostrando a vida de um motorista de táxi, como tantos outros que conhecemos por aí, na vida cotidiana. O protagonista se chama Travis Bickle (Robert De Niro), Ele é um veterano da guerra do Vietnã que trabalha como motorista de táxi pelas ruas de uma Nova Iorque decadente, suja, imunda e amoral. Ao se deparar com a vida da adolescente Iris (Jodie Foster) que vive como prostituta pelos becos da grande cidade, acaba gradualmente perdendo o senso da realidade. Corroído pelo caos urbano e pela falta de humanidade no meio em que trabalha, ele acaba caminhando a passos largos para a insanidade completa. E tudo mesclado com uma explosão de violência que não chega a tardar.

Esse filme que mudou para sempre a carreira do ator Robert De Niro. Filho de um pintor do Greenwich Village em New York, o jovem De Niro só esperava por um grande papel para se destacar definitivamente no cinema. Formado no Actors Studio, a mesma escola de arte dramática onde estudaram Marlon Brando e James Dean, ele foi o grande representante da última e fenomenal geração de atores de Nova Iorque proveniente daquela instituição de ensino. Aqui um ainda jovem De Niro conseguiu desenvolver finalmente todo o seu talento nessa obra prima psicológica e insana do diretor Martin Scorsese, com quem ele faria uma longa e bem produtiva parceria nas telas de cinema. O interessante é que tanto Scorsese como De Niro sempre afirmaram amar a cidade de Nova Iorque, porém fizeram a ela uma estranha "homenagem". Um dos símbolos de NYC, os seus táxis amarelos, se tornam o cenário e o palco para um estranho personagem, o motorista vivido por De Niro. Um sujeito que foi a Vietnã e voltou de lá com sérios problemas psicológicos e traumas que aos poucos vão dominando sua mente, culminando para um clímax insano, violento e explosivo.

O "gatilho" para seu enlouquecimento acaba sendo uma estranha relação que desenvolve com uma adolescente prostituta, interpretada com brilhantismo por Jodie Foster (que consegue inclusive ofuscar em determinados momentos o próprio De Niro, algo impensável). Em determinado momento do filme ela o provoca dizendo que ele deveria provar seu amor matando o presidente dos Estados Unidos. Um louco da vida real acabou levando muito à sério o diálogo e realmente fez um atentado ao presidente Ronald Reagan, um fato amplamente explorado pela imprensa na época e que acabou marcando de forma definitiva o filme "Taxi Driver". Esse aspecto macabro e bizarro da história porém deve ser descartado, pois é um fato externo à obra de Scorsese. O que se deve mesmo levar em conta é que essa é uma verdadeira obra prima da sétima arte, um dos melhores filmes da década de 1970 e um marco do estilo realista que estava predominando naqueles agitados e produtivos anos para a indústria de cinema americana. Imperdível para todo cinéfilo que se preze. Merecia inclusive ter vencido em todas as categorias importantes do Oscar naquele ano. Só que a Academia, como sempre, estava mais disposta a fazer mais uma de suas injustiças históricas. Melhor assim, "Taxi Driver" realmente nunca foi um filme convencional, aliás sua estética era direcionada para o extremo oposto disso. Assim acabou sendo coerente em tudo, até no Oscar.

Taxi Driver (Estados Unidos, 1976) Estúdio: Columbia Pictures / Direção: Martin Scorsese / Roteiro: Paul Schrader / Elenco: Robert De Niro, Jodie Foster, Cybill Shepherd, Albert Brooks / Sinopse: Motorista de táxi de Nova Iorque, um veterano da guerra do Vietnã, começa a trilhar o caminho da loucura insana e violenta, após se relacionar com uma jovem garota, menor de idade, que trabalha como prostituta nas ruas escuras da cidade.  Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Ator (Robert De Niro), Melhor Atriz coadjuvante (Jodie Foster) e Melhor Música Original (Bernard Herrmann). Também indicado ao Globo de Ouro nas categorias de Melhor Ator (Robert De Niro) e Melhor Roteiro Original (Paul Schrader). Vencedor do BAFTA Awards nas categorias de Melhor Atriz (Jodie Foster) e Melhor Música (Bernard Herrmann).

Pablo Aluísio.

O Poderoso Chefão II

Título no Brasil: O Poderoso Chefão II
Título Original: The Godfather Part II
Ano de Produção: 1974
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Francis Ford Coppola
Roteiro: Francis Ford Coppola, Mario Puzo
Elenco: Al Pacino, Robert De Niro, Robert Duvall, Diane Keaton, John Cazale, Lee Strasberg 

Sinopse:
Nova Iorque. Década de 1920. Vito Corleone (Robert De Niro) é um imigrante italiano que tenta subir na vida na grande metrópole americana. Vindo de baixo, acaba sendo alvo de criminosos que querem extorquir e se aproveitar de seu pequeno negócio. Sem outra alternativa resolve reagir contra as injustiças, nascendo daí uma das mais poderosas famílias mafiosas dos Estados Unidos. 

Na outra linha narrativa, Michael Corleone (Al Pacino) começa a se envolver cada vez mais nas atividades ilícitas de seu clã, ao tentar ampliar os negócios dos Corleones através de Nevada e de Cuba, prestes a passar por uma grande revolução comunista. Filme indicado a onze prêmios da academia, sendo vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Direção (Francis Ford Coppola), Melhor Roteiro (Francis Ford Coppola, Mario Puzo), Melhor Ator Coadjuvante (Robert De Niro), Melhor Direção de Arte e Melhor Música. Filme vencedor do BAFTA Awards na categoria Melhor Ator (Al Pacino).

Comentários:
Considerado por grande parte da crítica americana como o melhor filme da saga "The Godfather", o que não deixa de ser curioso pois quando o projeto da produção foi anunciado nos anos 70 muitos criticaram a proposta, afinal de contas o primeiro filme foi considerado um clássico absoluto, uma obra de arte completa. Fazer uma continuação era visto como algo indigno. Para surpresa de toda essa gente o fato é que "The Godfather Part II" se mostrou um filme não apenas à altura do primeiro, mas também em certos aspectos bem superior. O roteiro, brilhantemente escrito por Francis Ford Coppola e Mario Puzo, não apenas se limitou a levar em frente o enredo do filme original, mas também desenvolveu de forma genial o passado de Vito Corleone, aqui interpretado de forma irrepreensível por Robert De Niro. 

Assim não são poucos os que acham que na realidade se trata de dois (grandes) filmes em apenas um só! O espectador acaba conhecendo as origens da família Corleone, mostrando que na realidade Don Vito era apenas um imigrante italiano tentando vencer na América honestamente e que precisou trilhar o caminho da violência para proteger seus entes queridos. Na outra linha narrativa o espectador também começa a ver a transformação de Michael Corleone (Pacino). Criado para se tornar o orgulho da família, afastado do lado criminoso de suas atividades, ele acaba ficando no meio do fogo cruzado por diversas circunstâncias que lhe fogem das mãos. Seu destino então se torna traçado a partir desses acontecimentos. Não restam dúvidas, o filme é de fato uma obra prima da sétima arte, um dos melhores da história do cinema americano. Simplesmente maravilhoso.

Pablo Aluísio.

Filmografia Robert De Niro

Filmografia Robert De Niro:

A Última Batalha de um Jogador

Caminhos Perigosos

O Poderoso Chefão - Parte II

Taxi Driver

1900

O Último Magnata

New York, New York

O Franco Atirador

Touro Indomável

Confissões Verdadeiras

O Rei da Comédia

Era Uma Vez na América

Amor à Primeira Vista

Brazil: O Filme

A Missão

Coração Satânico

Os Intocáveis

Cartas do Vietnã

Fuga à Meia-Noite

Jacknife

Não Somos Anjos

Stanley e Íris

Os Bons Companheiros

Tempo de Despertar

Culpado por Suspeita

Cortina de Fogo

Cabo do Medo

A Amante

Sombras do Mal

Uma Mulher Para Dois

O Despertar de um Homem

Desafio no Bronx

Frankenstein de Mary Shelley

Cassino

Fogo Contra Fogo

Estranha Obsessão

Sleepers

As Filhas de Marvin

Cop Land

Jackie Brown

Mera Coincidência

Grandes Esperanças

Ronin

Máfia no Divã

Ninguém é Perfeito

Continua...

Obs: Em negrito, reviews já publicados aqui em nosso blog Cinema Classe A. 

Pesquisa: Pablo Aluísio. 

Emma

Título no Brasil: Emma
Título Original: Emma
Ano de Produção: 2020
País: Inglaterra
Estúdio: Working Title Films
Direção: Autumn de Wilde
Roteiro: Eleanor Catton
Elenco: Anya Taylor-Joy, Bill Nighy, Callum Turner, Amber Anderson, Oliver Chris, Mia Goth

Sinopse:
Baseado no romance escrito pela autora Jane Austen, o filme "Emma" conta a história da jovem Emma Woodhouse (Anya Taylor-Joy). Inteligente, sonhadora e romântica, ela arranja namoros e casamentos para as moças da região onde vive, mas ao mesmo tempo fica em dúvida sobre seu próprio futuro sentimental.

Comentários:
Nos países de língua inglesa esse livro é leitura obrigatória entre os estudantes de ensino médio. Então é natural que de tempos em tempos venham a surgir novos filmes baseados no romance de Jane Austen. Pessoalmente gosto muito da versão de 1996. Analisando o conjunto da obra aquele é um filme melhor, porém devo também dizer que a atriz Gwyneth Paltrow já tinha passado da idade certa para interpretar a personagem Emma. Ela é uma moça jovem, com pitadas ainda da adolescência. Por essa razão achei perfeita a escalação da atriz Anya Taylor-Joy para essa nova versão. Ela está na faixa etária certa para interpretar Emma. E também tem ótima presença, com grandes olhos azuis e aquele olhar que apenas as adolescentes possuem. Ficou mais do que acertada sua escolha. E por falar em gente jovem... Esse é praticamente o primeiro filme do diretor (que tem nome de escritor famoso) Autumn de Wilde, Antes só havia dirigido curtas. Penso que se saiu muito bem, apesar da inexperiência. Receber logo um clássico da literatura assim para seu primeiro filme de cinema, certamente não deve ter sido algo fácil. No mais o filme tem toda aquela reconstituição de época que ressalta ainda mais o clima de romantismo dessa história. O livro original foi publicado pela primeira vez em 1815 e segue encantando as novas gerações. É uma obra romântica atemporal, certamente.

Pablo Aluísio.

Almas Gêmeas

Almas Gêmeas

Outro bom filme que pouca gente se lembra. O curioso é que o filme foi dirigido por Peter Jackson, bem no comecinho de sua carreira. Foi de fato a primeira produção cara, com elenco classe A, dirigida por Jackson em Hollywood. Antes disso ele não tinha feito praticamente nada e só havia chamado discretamente a atenção por causa dos estranhos filmes "Trash - Náusea Total" e "Fome Animal" (apreciados apenas pelos fãs do estilo mais podreira). É até surpreendente que um grande estúdio americano tenha apostado suas fichas em um filme como esse, que seria dirigido por um diretor underground e pouco conhecido fora de seu nicho. Apesar de ter praticamente tudo contra Jackson acabou realizando uma bonita obra de arte, muito surrealista e sensorial. "Heavenly Creatures" tem um estilo bem próprio, que mais parece um longo sonho estilizado.

A direção de arte é muito bonita e criativa e o elenco está muito bem, em especial a atriz Kate Winslet, ainda distante do estouro de "Titanic", que seria realizado alguns anos depois. Interessante também citar que o diretor James Cameron optou por ela justamente por causa desse filme, quem diria. Sua personagem tinha um estilo vitoriano de ser, o que acabou convencendo Cameron na escalação de Winslet no papel de Rose DeWitt Bukater. Já Peter Jackson também iria se consagrar nos anos que viriam, principalmente por causa de uma das franquias mais bem sucedidas da história, "The Lord of the Rings", mas claro que isso é uma outra história...

Almas Gêmeas (Heavenly Creatures, Estados Unidos, 1994) Direção: Peter Jackson / Roteiro: Peter Jackson, Fran Walsh / Elenco: Melanie Lynskey, Kate Winslet, Sarah Peirse / Sinopse: Um estranho elo liga duas almas gêmeas. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Roteiro Original.

Pablo Aluísio.

O Despertar de um Homem

Título no Brasil: O Despertar de um Homem
Título Original: This Boy's Life                 
Ano de Produção: 1993
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros
Direção: Michael-Caton Jones
Roteiro:  Robert Getchell, baseado no livro de Tobias Wolff
Elenco: Robert De Niro, Ellen Barkin, Leonardo DiCaprio, Chris Cooper

Sinopse: 
Filme baseado em fatos reais. O enredo se passa nos anos 70. Enquanto cresce e se torna um homem o jovem Toby Wolff (Leonardo DiCaprio) presencia sua mãe Caroline (Ellen Barkin) se envolver com uma série de homens violentos, irascíveis e cafajestes. A situação se torna insustentável o que faz com que ela procure recomeçar sua vida em uma outra cidade. Lá acaba conhecendo um novo namorado, Dwight (Robert De Niro), um sujeito que parece ser um bom partido para ela. Trazendo um pouco de estabilidade em sua conturbada vida amorosa, Caroline acaba tendo que lidar com os atritos entre sua nova paixão e seu filho que não gosta do novo companheiro dela.

Comentários:
Pois é, a Rede Globo parece ter se especializada em passar bons filmes apenas nas madrugadas, quando praticamente ninguém pode assistir. Hoje, por exemplo, teremos esse bom filme sendo exibido às duas da matina! Esse aqui assisti em VHS nos anos 90. É aquele tipo de drama que procura ser o mais pé no chão possível. Nada de espetacular ou absurdo acontece - apenas retrata as dificuldades da vida de um jovem, adolescente, que vê sua mãe errando sempre na escolha de seus namorados. Tudo baseado nas memórias pessoais do escritor Tobias Wolff. Eu me recordo que o filme realmente me tocou quando o vi pela primeira vez. Embora nunca tenha passado por algo semelhante deve ser muito penoso (para não dizer traumatizante) ser criado em uma família desestruturada como a do personagem de Leonardo DiCaprio. Afinal de contas nessa idade o ser humano vai criando seus valores morais, seus padrões familiares e quando não há modelos disso por perto tudo pode ficar ainda mais desesperador. Robert De Niro está realmente inspirado pois seu papel exige uma dualidade de personalidades que ele desenvolve muito bem. Para Caroline ele é um tipo de pessoa, já para seu filho o quadro muda drasticamente. DiCaprio, anos antes de virar ídolo em "Titanic" demonstra uma maturidade em seu trabalho que realmente espanta. Afinal ele era apenas um garoto na época! Por fim a bela Ellen Barkin explode em sensualidade em seu papel, mesmo sendo uma personagem em si dramática e infeliz. Assim tente dar uma de coruja hoje à noite e faça uma forcinha para conferir pois esse "This Boy's Life" realmente vale a pena.

Pablo Aluísio.

Flores de Aço

Título no Brasil: Flores de Aço
Título Original: Steel Magnolias
Ano de Produção: 1989
País: Estados Unidos
Estúdio: TriStar Pictures
Direção: Herbert Ross
Roteiro: Robert Harling
Elenco: Shirley MacLaine, Olympia Dukakis, Sally Field, Dolly Parton, Daryl Hannah, Julia Roberts, Tom Skerritt, Sam Shepard

Sinopse:
Um salão de beleza de uma pequena cidade do interior dos Estados Unidos vira ponto de encontro de um grupo de amigas que passam suas horas vagas falando de si mesmas e dos outros moradores da cidade. O casamento da filha de uma delas acaba virando o ponto central de suas vidas. Filme indicado ao Oscar na categoria de Melhor Atriz Coadjuvante (Julia Roberts). Vencedor do Globo de Ouro na categoria Melhor Atriz Coadjuvante (Julia Roberts).

Comentários:
É o tipo de filme que eu indicaria para elas, ou então para você assistir com a namorada ou sua companheira. Ok, muitos homens não vão se animar a assistir a um filme em que um bando de mulheres ficam por quase duas horas falando sem parar, mas esse tipo de mentalidade é um pouco reducionista demais. Na verdade é aquele tipo de roteiro que se sustenta completamente na boa atuação de seu elenco (feminino em essência). Para isso o elenco conta com ótimas atrizes, todas perfeitamente inseridas em seus respectivos personagens. Como se trata de uma adaptação para o cinema de uma peça teatral muitos podem ficar entediados com a enquadração cênica de tudo, mas vejo isso como um ponto positivo e não uma desvantagem. Filmes que se apóiam em diálogos bem escritos (aparentemente banais, mas tratando de temas relevantes), associado a boas interpretações (algumas ótimas) não podem ser ignorados. Uma boa dica para hoje à noite na TV a cabo. Confira!

Pablo Aluísio.