sábado, 4 de abril de 2026

Um Momento, Uma Vida

Título no Brasil: Um Momento, Uma Vida
Título Original: Bobby Deerfield
Ano de Lançamento: 1977
País: Estados Unidos
Estúdio: Columbia Pictures
Direção: Sydney Pollack
Roteiro: Alvin Sargent, Sydney Pollack
Elenco: Al Pacino, Marthe Keller, Anny Duperey, Walter McGinn, Romolo Valli, Patrick Bauchau

Sinopse:
Bobby Deerfield é um famoso piloto de Fórmula 1 que vive uma vida marcada pela disciplina e pelo isolamento emocional. Após um acidente envolvendo um colega de equipe, ele começa a questionar o sentido de sua existência. Durante uma viagem à Europa, Bobby conhece Lillian, uma mulher excêntrica e cheia de vida, que sofre de uma doença terminal. A convivência entre os dois transforma profundamente o piloto, levando-o a confrontar seus medos, suas emoções reprimidas e a efemeridade da vida. O relacionamento entre eles se torna um ponto de virada em sua jornada pessoal.

Comentários:
Lançado em 1977, Bobby Deerfield recebeu críticas mistas. O The New York Times destacou a tentativa de Sydney Pollack de criar um drama introspectivo, mas considerou o resultado emocionalmente distante. Já a revista Variety elogiou a fotografia e o cenário europeu, mas apontou que o filme carecia de maior envolvimento dramático. Nas bilheterias, o desempenho foi modesto, ficando abaixo das expectativas, especialmente considerando o prestígio de Al Pacino na época. Com o passar dos anos, o filme passou a ser reavaliado como uma obra contemplativa e diferente dentro da filmografia do ator e do diretor. Hoje, Bobby Deerfield é visto como um drama existencial curioso, valorizado por sua atmosfera e pela tentativa de explorar temas profundos como amor, morte e transformação pessoal.

Erick Steve. 

quarta-feira, 1 de abril de 2026

O Último Magnata

Título no Brasil: O Último Magnata
Título Original: The Last Tycoon
Ano de Lançamento: 1976
País: Estados Unidos
Estúdio: Paramount Pictures
Direção: Elia Kazan
Roteiro: F. Scott Fitzgerald, Harold Pinter
Elenco: Robert De Niro, Anjelica Huston, Theresa Russell, Jack Nicholson, Donald Pleasence, Robert Mitchum, Tony Curtis, John Carradine

Sinopse:
Baseado no romance escrito por F. Scott Fitzgerald, o filme "O Último Magnata" conta a história de um famoso e poderoso produtor de cinema em Hollywood durante a década de 1930. Ele tenciona transformar dois jovens atores em grandes astros, ao mesmo tempo em que disputa o controle de um dos grandes estúdios de Hollywood. Filme indicado ao Oscar na categoria de melhor direção de arte. 

Comentários:
Hollywood olha para si mesma, para seu passado e tenta entender o que se perdeu com o passar dos anos. Assim eu vejo esse filme que foi muito elogiado na época de seu lançamento original, embora não tenha feito boa bilheteria. Atribuo isso a um fato até relativamente fácil de compreender. Para realmente apreciar esse filme o espectador tem que ter uma boa base de conhecimentos históricos sobre o passado da indústria cinematográfica dos Estados Unidos. Por aí já se tira que nem todo muito possui esse tipo de conhecimento e muitos nem sequer vão ter interesse em conhecer. Por isso esse é um filme de nicho, para cinéfilos mesmo. De bom temos uma boa reconstituição histórica e como não poderia deixar de ser, mais uma bela interpretação de Robert De Niro. A direção ficou com o mestre Elia Kazan. Nome mais indicado para contar esse tipo de história não havia. Pena que ele já estava bastante envelhecido quando dirigiu o filme. Já estava se despedindo do cinema, então seus melhores dias já pertenciam ao passado. Enfim faltou, em meu ponto de vista, mais glamour da velha Hollywood. Esse clima de elegância e luxo parece mesmo que se perdeu nas areias do tempo. 

Pablo Aluísio.

domingo, 29 de março de 2026

Ligações Perigosas

Título no Brasil: Ligações Perigosas
Título Original: Dangerous Liaisons
Ano de Produção: 1988
País: Estados Unidos, Inglaterra
Estúdio: Warner Bros
Direção: Stephen Frears
Roteiro: Christopher Hampton
Elenco: Glenn Close, John Malkovich, Michelle Pfeiffer, Keanu Reeves, Uma Thurman

Sinopse:
Baseado no famoso romance "Les Liaisons Dangereuses" do autor Choderlos de Laclos (1741 - 1803), o filme "Ligações Perigosas" narra as intrigas, fofocas e ciladas sociais que se desenvolvem na corte francesa do século XVIII. De um lado o fútil e perigoso Visconde Sébastien de Valmont (John Malkovich), do outro a maquiávelica Marquesa Isabelle de Merteuil (Glenn Close) e no meio de todas as armações sociais a bela e jovem Madame de Tourvel (Michelle Pfeiffer). Um jogo mortal de sedução e poder dentro das relações entre nobres da monarquia francesa da época. Filme vencedor dos Oscars de Melhor Roteiro Adaptado, Melhor Figurino e Melhor Direção de Arte.

Comentários:
Choderlos de Laclos foi um dos principais generais de Napoleão Bonaparte. Quando não estava nos campos de batalha lutando por seu imperador, escrevia romances. O livro que deu origem a esse filme logo se tornou um dos mais populares de sua carreira como escritor. Ele desvenda o jogo de poder e cobiça que existia dentro da corte francesa. O curioso é que o próprio Napoleão era fruto da revolução francesa, que procurava colocar abaixo a ordem social da monarquia daquela nação, mas tão logo assumiu o poder absoluto deu origem a também uma corte suntuosa e luxuosa, provando que nem sempre as boas intenções resultam em algo positivo. Deixando um pouco de lado esse contexto histórico o fato é que "Ligações Perigosas" tem uma das tramas mais saborosamente perversas da história do cinema americano. Stephen Frears, em grande momento, soube como poucos explorar as vilanices de seus personagens. Aqui, como obviamente podemos notar, o que importa é realmente passear pelas artimanhas e manipulações dos dois personagens centrais, ambos sem quaisquer escrúpulos pessoais ou valores morais, mas mestres na arte da manipulação social. Claro que apenas dois grandes atores poderiam tirar todo o potencial do texto literário para as telas de cinema. Nesse ponto John Malkovich e Glenn Close estão soberbos. Glenn Close em especial tem uma das melhores atuações de sua vida e quem a conhece sabe que isso definitivamente não é pouca coisa. O contraste da podridão de seus interesses e almas com a delicada inocência, juventude e beleza de Michelle Pfeiffer (linda no filme) garantem o alto nível do filme no quesito atuação. Em termos de produção o filme também apresenta um requinte único, com belíssima reconstituição de época, extremamente luxuosa nos mínimos detalhes. Um filme para se ter na coleção, com a finalidade de se rever sempre que possível. Cinema do mais puro e fino bom gosto.

Pablo Aluísio.

sábado, 28 de março de 2026

Terra das Sombras

C. S. Lewis (1898 - 1963) entrou para a história como autor dos consagrados livros da série "The Chronicles of Narnia". Professor universitário, escritor, romancista, poeta, crítico literário, ensaísta, Lewis é um dos nomes mais celebrados da literatura britânica. Esse filme se propõe a contar parte de sua biografia, de seu conturbado romance com a poetisa americana Joy Gresham (interpretada pelo boa atriz Debra Winger). Eram pessoas refinadas, cultas e intelectuais que se completavam, mas que tinham que superar diversas barreiras para serem felizes. O roteiro enfoca um momento particularmente complicado de suas vidas quando Joy recebeu o diagnóstico que estava com câncer. Para piorar Lewis enfrentava problemas para conseguir a cidadania americana, o que lhe garantiria dar apoio completo à sua amada nesse momento crucial de sua vida.

Quem interpreta o famoso escritor é o ator Anthony Hopkins, que como sempre está muito lúcido e muito bem em seu papel. Ele traz um humanismo grandioso ao personagem que dá vida. Richard Attenborough, um mestre em filmes como esse, trata tudo com fina melancolia e muita sensibilidade, o que transforma o filme em um drama triste, mas ao mesmo tempo realmente tocante. Uma excelente obra cinematográfica, sem retoques.

Terra das Sombras (Shadowlands, Inglaterra, 1993) Direção: Richard Attenborough / Roteiro: William Nicholson / Elenco: Anthony Hopkins, Debra Winger, Julian Fellowes. / Sinopse O drama de um homem mais velho que vê sua esposa sucumbindo para uma grave doença terminal. Filme indicado ao Oscar nas categorias de Melhor Atriz (Debra Winger) e Melhor Roteiro Adaptado (William Nicholson). Filme vencedor do BAFTA Awards nas categorias de Melhor Filme Britânico e Melhor Ator (Anthony Hopkins).

Pablo Aluísio.

domingo, 22 de março de 2026

Os Embalos de Sábado à Noite

Os Embalos de Sábado à Noite
Existem alguns filmes que acabam virando símbolo de toda uma década. Os Embalos de Sábado à Noite é um desses filmes. O período histórico retratado é a década de 70, no auge da discoteca. Para quem não se recorda ou não viveu, a Discoteca foi aquele período musical em que as músicas deixaram de ter qualquer conotação política ou social para virarem simples diversão, embalo, dança! Obviamente que tudo vai soar datado hoje em dia: as roupas, as danças e as músicas mas isso é apenas um charme a mais para quem for assistir ao filme atualmente. Duas características são bem marcantes aqui: a trilha sonora do Bee Gees, que fez um sucesso estrondoso jamais repetido pelo grupo em qualquer um de seus trabalhos futuros e o carisma de John Travolta, muito jovem, cheio de maneirismos típicos dos jovens daquela época. De fato esse foi o filme de sua virada na carreira. Ele já tinha aparecido em outros sucessos como Carrie A Estranha e até mesmo em um telefilme famoso chamado O Menino da Bolha de Plástico, mas estava longe de ser um astro. Foi justamente Os Embalos de Sábado à Noite que o transformou em um ator do primeiro time em Hollywood.

O roteiro procura criar uma crônica sobre a vida de um jovem tentando se divertir na metrópole nesses anos do Disco. De dia ele intercala uma série de subempregos para sobreviver, nenhum deles promissor. Sua vida é dura e cheia de dificuldades. Durante a semana  Tony Manero (John Travolta) dá um duro danado na vida mas quando vai chegando o fim de semana ele vai renascendo pois sabe que poderá arrasar nas pistas de dança da cidade. O dinheiro que ganha de forma suada nos dias de trabalho são investidos em roupas maneiras para impressionar no sábado á noite. É curioso que o roteiro do filme tenha sido escrito a partir de um artigo publicado na revista Time intitulado "Tribal Rites of the New Saturday Night" que tentava entender a geração jovem que amava a Discoteca. Eles não tinham qualquer ideologia ou inclinação política ou social, nada disso os interessavam, estavam bem longe da geração consciente da década de 60. Os jovens dos anos 70 só queriam mesmo se divertir, dançar, namorar e aproveitar a vida até o dia raiar.  E é justamente isso que o filme se propõe. Os Embalos de Sábado à Noite é assim um belo retrato daqueles dias dançantes. Definitivamente um musical que marcou época.

Os Embalos de Sábado à Noite (Saturday Night Fever, Estados Unidos, 1977) Direção: John Badham / Roteiro:  Norman Wexler baseado no artigo "Tribal Rites of the New Saturday Night" de Nik Cohn / Elenco: John Travolta, Karen Lynn Gorney, Barry Miller,  Joseph Cali / Sinopse: A vida de Tony Manero (John Travolta) não é nada fácil. Durante a semana se vira como pode em subempregos para ajudar sua família. No fim de semana porém se diverte como nunca nas pistas de discoteca por toda a cidade. Um dançarino talentoso que logo chama a atenção de todos.

Pablo Aluísio.

sábado, 21 de março de 2026

O Rapaz da Bolha de Plástico

Título no Brasil: O Rapaz da Bolha de Plástico
Título Original: The Boy in the Plastic Bubble
Ano de Lançamento: 1976
País: Estados Unidos
Estúdio: ABC Circle Films
Direção: Randal Kleiser
Roteiro: Douglas Day Stewart
Elenco: John Travolta, Glynnis O'Connor, Robert Reed, Diana Hyland, Ralph Bellamy, Karen Morrow

Sinopse:
O filme conta a história de Tod Lubitch, um jovem que nasce com uma grave deficiência no sistema imunológico, o que o obriga a viver isolado do mundo exterior dentro de uma câmara plástica estéril para evitar qualquer tipo de infecção. Apesar das limitações físicas, Tod é inteligente, sensível e curioso, buscando formas de se conectar com o mundo além de sua bolha. Sua vida muda quando ele desenvolve uma relação especial com uma garota de sua idade, o que o leva a questionar os limites de sua existência e o desejo de viver uma vida normal. A narrativa aborda temas como isolamento, amor e o valor da experiência humana.

Comentários:
Exibido originalmente na televisão em 1976, The Boy in the Plastic Bubble recebeu boa recepção do público e ajudou a impulsionar a carreira de John Travolta, que logo se tornaria uma grande estrela com filmes como Saturday Night Fever e Grease. O filme foi elogiado por sua abordagem sensível de um tema médico delicado, embora alguns críticos tenham apontado certo tom melodramático. Com o tempo, a produção se tornou um clássico cult da televisão, sendo lembrada principalmente pela atuação de Travolta e pela história comovente baseada em casos reais de imunodeficiência. Hoje, O Rapaz da Bolha de Plástico é visto como um drama marcante dos anos 1970, que ajudou a popularizar histórias sobre doenças raras e a despertar empatia no público.

Erick Steve. 

sexta-feira, 20 de março de 2026

O Morro dos Ventos Uivantes

Título no Brasil: O Morro dos Ventos Uivantes
Título Original: Wuthering Heights (2026)
Ano de Lançamento: 2026
País: Reino Unido, Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros.
Direção: Emerald Fennell
Roteiro: Emerald Fennell
Elenco: Margot Robbie, Jacob Elordi, Hong Chau, Alison Oliver, Shazad Latif, Owen Cooper

Sinopse:
Baseado no clássico romance de Emily Brontë, o filme acompanha a intensa e trágica história de amor entre Heathcliff e Catherine Earnshaw, ambientada nas paisagens selvagens e ventosas da região de Yorkshire, na Inglaterra. Heathcliff é um jovem órfão adotado pela família Earnshaw e cresce ao lado de Catherine, com quem desenvolve uma ligação profunda e apaixonada. No entanto, diferenças sociais, orgulho e escolhas impulsivas acabam separando os dois. Catherine decide casar-se com o rico Edgar Linton, enquanto Heathcliff desaparece por anos e retorna posteriormente como um homem misterioso e determinado a se vingar daqueles que considera responsáveis por seu sofrimento. A narrativa mistura romance, tragédia e obsessão, acompanhando os efeitos destrutivos do amor não correspondido e da vingança ao longo de gerações.

Comentários:
A nova adaptação de O Morro dos Ventos Uivantes chamou grande atenção antes mesmo de seu lançamento por reunir a diretora Emerald Fennell — vencedora do Oscar pelo roteiro de Promising Young Woman — com um elenco liderado por Margot Robbie e Jacob Elordi. Veículos como The Guardian e Variety destacaram a expectativa em torno da abordagem da diretora, conhecida por seu estilo visual marcante e por reinterpretar histórias clássicas sob uma perspectiva moderna e provocativa. Entre o público, a produção gerou enorme curiosidade, especialmente entre admiradores do romance original e fãs dos protagonistas. A obra literária de Emily Brontë já havia sido adaptada várias vezes para o cinema, incluindo a célebre versão de Wuthering Heights (1939), mas esta nova versão promete enfatizar o aspecto mais sombrio e psicológico da história. Hoje, mesmo sendo uma produção recente, o filme já é visto como uma das adaptações literárias mais aguardadas da década de 2020, e pode renovar o interesse do público contemporâneo por um dos romances mais famosos da literatura inglesa

Erick Steve. 

quinta-feira, 5 de março de 2026

Jardins de Pedra

Jardins de Pedra   
Depois do fim da Guerra do Vietnã os americanos procuraram exorcizar os traumas desse que foi seguramente o conflito mais desastroso de sua história recente. Assim o cinema acabou cumprindo de certa maneira essa função, usando a obra cinematográfica como terapia coletiva do desastre daquela nação. Muitos filmes foram realizados tendo como tema central o Vietnã, principalmente na década de 1980, período em que as melhores produções sobre o assunto foram realizadas. Em "Jardins de Pedra" o aclamado diretor Francis Ford Coppola procurou mudar o ponto de vista, o foco sobre o tema. Ao invés de mostrar o drama dos militares americanos no meio das selvas do sudeste asiático ele optou por mostrar o outro lado da guerra, a dos corpos de jovens americanos sendo enviados de volta para casa, para serem sepultados em cemitérios militares, com toda a pompa e cerimônia a que tinham direito. Esse é o enfoque desse roteiro que sempre considerei um dos mais criativos e reveladores sobre o conflito que ceifou muitas vidas, todas elas em vão, lamento dizer. Coppola, com muita sensibilidade, captou muito bem esse aspecto pouco visto e pouco lembrado de uma matança em grande escala como aquela.

Assim desfilam pela tela todos os dramas das famílias, dos entes queridos e também dos encarregados desses enterros. Afinal  imagine ter que trabalhar eternamente em luto, enterrando dezenas de seus companheiros de armas todos os dias, sem trégua ou descanso. É um excelente filme, mas não ousaria dizer que é uma obra fácil, para todos os gostos. Talvez por isso tenha fracassado comercialmente em seu lançamento. Para o público americano já era complicado lidar com a derrota americana no Vietnã, agora entenda como era bem pior ter que assistir o enterro dos seus soldados. É de fato um filme para um tipo de espectador mais refinado, específico. Sua grande lição é a de que em uma guerra estatísticas não podem ser encaradas como mera matemática, mas sim com humanidade, pois todos aqueles números representam na verdade pessoas que perderam suas vidas em combate.  

Jardins de Pedra (Gardens of Stone, Estados Unidos, 1987) Direção: Francis Ford Coppola / Roteiro: Nicholas Proffitt, Ronald Bass / Elenco: James Caan, Anjelica Huston, James Earl Jones, Dean Stockwell, Mary Stuart Masterson / Sinopse: O filme "Jardins de Pedra" conta a dura realidade de um grupo de militares norte-americanos durante a guerra do Vietnã. Eles tinham a função de enterrar os colegas mortos no campo de batalha.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 4 de março de 2026

Golpe de Mestre

Golpe de Mestre
O filme Golpe de Mestre (The Sting) foi lançado em 25 de dezembro de 1973, dirigido por George Roy Hill e estrelado por Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw, Charles Durning, Ray Walston e Eileen Brennan. Ambientado durante a Grande Depressão nos Estados Unidos, o filme acompanha a história de Johnny Hooker, um jovem vigarista que, após o assassinato de seu parceiro por um poderoso chefão do crime, decide se vingar. Para isso, ele se une ao experiente golpista Henry Gondorff, formando uma dupla que planeja um elaborado esquema para enganar o criminoso Doyle Lonnegan. O plano envolve uma série de truques complexos, identidades falsas e encenações cuidadosamente coreografadas. À medida que o golpe se desenvolve, o espectador é conduzido por uma trama cheia de reviravoltas e surpresas. O filme mistura humor, suspense e drama com grande habilidade narrativa. A ambientação de época, inspirada nos anos 1930, contribui para o charme da produção. Assim, Golpe de Mestre se destaca como uma história inteligente sobre engano, vingança e estratégia.

Quando foi lançado, Golpe de Mestre recebeu uma recepção crítica amplamente positiva, sendo rapidamente reconhecido como uma das grandes produções do cinema americano da década de 1970. O jornal The New York Times elogiou o filme por sua narrativa engenhosa e afirmou que ele era “um entretenimento elegante e perfeitamente estruturado, que prende o espectador do início ao fim”. Já o Los Angeles Times destacou a química entre Paul Newman e Robert Redford, descrevendo a dupla como “uma das parcerias mais carismáticas e eficazes do cinema”. A revista Variety ressaltou o equilíbrio entre humor e suspense, afirmando que o filme “é um exemplo brilhante de como um roteiro inteligente pode elevar uma história de crime a um nível superior”. Muitos críticos também elogiaram o ritmo da narrativa e a forma como o roteiro mantém o público constantemente intrigado. A direção de George Roy Hill foi considerada precisa e elegante. A crítica, de maneira geral, destacou o filme como um grande entretenimento aliado a uma execução sofisticada. Dessa forma, o longa rapidamente conquistou prestígio entre críticos e espectadores.

A recepção crítica continuou extremamente favorável, consolidando o filme como um dos destaques daquele ano. A revista The New Yorker comentou que o longa era “uma peça de engenharia narrativa quase perfeita”, destacando a complexidade do golpe apresentado na trama. Além disso, o filme teve grande reconhecimento em premiações importantes. Golpe de Mestre foi indicado a 10 Oscars e venceu 7, incluindo Melhor Filme, Melhor Diretor para George Roy Hill e Melhor Roteiro Original para David S. Ward. Também venceu nas categorias de direção de arte, figurino, edição e trilha sonora, esta última baseada nas composições de Scott Joplin. O sucesso nas premiações reforçou a reputação do filme como uma das grandes produções de sua época. Muitos críticos destacaram a habilidade do roteiro em enganar o público da mesma forma que os personagens enganam suas vítimas. A construção do suspense foi amplamente elogiada. Assim, o filme não apenas conquistou o público, mas também se tornou um marco na história do cinema.

Do ponto de vista comercial, Golpe de Mestre foi um enorme sucesso de bilheteria. Com um orçamento relativamente modesto de cerca de 5,5 milhões de dólares, o filme arrecadou mais de 150 milhões de dólares mundialmente, tornando-se uma das maiores bilheterias de 1973. Nos Estados Unidos, o longa liderou as bilheterias e permaneceu em cartaz por um longo período. O público respondeu de forma extremamente positiva à mistura de humor, inteligência e suspense. A química entre Newman e Redford foi um dos fatores principais para atrair espectadores. Além disso, o boca a boca contribuiu significativamente para o sucesso contínuo do filme. Muitos espectadores voltaram aos cinemas para assistir novamente, tentando captar todos os detalhes do elaborado golpe. O filme também teve grande sucesso em exibições televisivas posteriores. Assim, Golpe de Mestre não apenas conquistou a crítica, mas também se tornou um fenômeno comercial. Seu sucesso consolidou a dupla de protagonistas como uma das mais populares do cinema.

Com o passar dos anos, Golpe de Mestre passou a ser considerado um verdadeiro clássico do cinema. A obra é frequentemente lembrada como um dos melhores filmes sobre golpes e vigaristas já produzidos. Sua estrutura narrativa influenciou diversas produções posteriores que exploram histórias de enganação e reviravoltas. A trilha sonora baseada no ragtime de Scott Joplin ajudou a criar uma identidade única para o filme, sendo reconhecida instantaneamente até hoje. A parceria entre Paul Newman e Robert Redford continua sendo celebrada como uma das mais icônicas da história do cinema. O filme também é frequentemente incluído em listas dos melhores filmes da década de 1970. Críticos contemporâneos ainda elogiam sua elegância e inteligência narrativa. Mesmo décadas após seu lançamento, o longa mantém sua capacidade de surpreender novos espectadores. Dessa forma, Golpe de Mestre permanece relevante e admirado. Sua reputação como clássico é amplamente consolidada.

Golpe de Mestre (The Sting, Estados Unidos, 1973) Direção: George Roy Hill / Roteiro: David S. Ward / Elenco: Paul Newman, Robert Redford, Robert Shaw, Charles Durning, Ray Walston e Eileen Brennan / Sinopse: Durante a Grande Depressão, dois golpistas elaboram um plano sofisticado para enganar um poderoso chefão do crime, utilizando truques, disfarces e uma elaborada encenação para executar uma vingança cuidadosamente planejada.

Erick Steve. 

terça-feira, 3 de março de 2026

O Candidato

Título no Brasil: O Candidato 
Título Original: The Candidate
Ano de Lançamento: 1972
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros.
Direção: Michael Ritchie
Roteiro: Jeremy Larner
Elenco: Robert Redford, Peter Boyle, Melvyn Douglas, Don Porter, Allen Garfield, Karen Carlson

Sinopse:
Bill McKay é um jovem advogado idealista, filho de um ex-governador influente, que é convidado a concorrer ao Senado dos Estados Unidos contra um candidato veterano praticamente imbatível. Sem chances reais de vitória, McKay aceita a proposta com a condição de poder falar livremente sobre suas ideias e valores. No entanto, à medida que a campanha avança e sua popularidade cresce, ele passa a ser moldado pelos estrategistas políticos, que o incentivam a suavizar suas posições e adaptar seu discurso para conquistar eleitores. O filme acompanha essa transformação gradual, mostrando o conflito entre integridade pessoal e ambição política.

Comentários:
No lançamento em 1972, The Candidate foi amplamente elogiado pela crítica. O jornal The New York Times destacou a relevância do filme ao retratar os bastidores das campanhas eleitorais americanas, enquanto a revista Variety elogiou o desempenho de Robert Redford e o realismo do roteiro. O filme conquistou o Oscar de Melhor Roteiro Original para Jeremy Larner, reforçando seu impacto no cinema político da época. Comercialmente, teve um bom desempenho e consolidou Robert Redford como uma das grandes estrelas de Hollywood nos anos 1970. Ao longo do tempo, O Candidato tornou-se um clássico do cinema político, frequentemente citado por sua crítica à superficialidade das campanhas eleitorais e à influência da mídia na construção de candidatos. Hoje, o filme permanece atual, sendo lembrado como uma obra perspicaz e relevante sobre o funcionamento da política moderna.

Erick Steve. 

segunda-feira, 2 de março de 2026

Um Dia de Cão

Título no Brasil: Um Dia de Cão
Título Original: Dog Day Afternoon
Ano de Lançamento: 1975
País: Estados Unidos
Estúdio: Warner Bros.
Direção: Sidney Lumet
Roteiro: Frank Pierson, P. F. Kluge
Elenco: Al Pacino, John Cazale, Charles Durning, Chris Sarandon, Penelope Allen, Carol Kane

Sinopse:
Baseado em fatos reais ocorridos em Nova York em 1972, o filme acompanha Sonny Wortzik, um homem desesperado que decide assaltar um banco no Brooklyn ao lado de seu amigo Sal. O que deveria ser um roubo rápido se transforma em um longo e tenso cerco policial quando tudo começa a dar errado. Cercados pela polícia, pela mídia e por uma multidão de curiosos, Sonny tenta negociar a saída enquanto a situação se torna cada vez mais caótica e imprevisível. Durante as horas de impasse, a história revela motivações pessoais complexas por trás do crime, incluindo o desejo de Sonny de ajudar financeiramente seu parceiro sentimental. O filme mistura suspense, drama e crítica social ao retratar a tensão entre criminosos, autoridades e a opinião pública.

Comentários:
O filme foi amplamente elogiado pela crítica na época de seu lançamento. O jornal The New York Times, por exemplo, destacou a direção precisa de Sidney Lumet e a atuação intensa de Al Pacino, considerada uma das melhores de sua carreira. A revista Variety também elogiou o roteiro e o tom realista da narrativa, ressaltando a forma como o filme retrata a mídia, a polícia e a sociedade urbana da década de 1970. Chris Sarandon recebeu uma indicação ao Oscar de Melhor Ator Coadjuvante, enquanto Frank Pierson venceu o Oscar de Melhor Roteiro Original. Entre o público, o filme também foi um sucesso comercial, arrecadando várias vezes seu orçamento e consolidando ainda mais o prestígio de Pacino após seu trabalho em grandes produções da década. Com o passar dos anos, Um Dia de Cão passou a ser considerado um clássico do cinema americano dos anos 1970, frequentemente citado como um dos melhores filmes de assalto já feitos. Seu estilo realista, suas atuações memoráveis e sua abordagem de temas sociais — incluindo mídia sensacionalista e questões de identidade — fazem com que o filme continue sendo estudado, revisto e celebrado como uma obra fundamental da chamada “Nova Hollywood”

Pablo Aluísio. 

domingo, 1 de março de 2026

1900

Título no Brasil: 1900
Título Original: Novecento
Ano de Lançamento: 1976
País: Itália, França
Estúdio: Artemis Films
Direção: Bernardo Bertolucci
Roteiro: Giuseppe Bertolucci, Bernardo Bertolucci
Elenco: Robert De Niro, Gérard Depardieu, Dominique Sanda, Paolo Nicole, Francesco Napoli

Sinopse:
O filme conta a história de dois amigos de infância que vivem na virada do século XIX para o século XX. É um momento de intensa vida política em seu país e eles acabam, com o passar dos anos, ficando em lados opostos dessa visão política da vida. Na luta de classes do começo do século eles acabam em lados opostos, lutando um contra o outro. 

Comentários:
Eu me recordo quando esse filme foi lançado no Brasil em VHS pelo selo CIC nos anos 80. Foi um lançamento badalado porque, apesar de ser um filme antigo, dos anos 70, a crítica se debruçou em elogios e mais elogios. De certa forma foi um dos picos do cinema italiano, que se sentia forte o suficiente para contratar atores de Hollywood, gastando milhões em uma produção requintada. Apesar de tudo isso a favor nunca consegui gostar muito desse filme. Ele tem uma duração excessiva, excesso também de personagens, muitos secundários que entram e somem dentro da história, que muitas vezes é mal conduzida. Além disso o teor da mensagem do roteiro é claramente socialista e muitas vezes o filme se torna panfleto de propaganda da ideologia de esquerda. Enfim, nunca ficou entre os meus filmes preferidos nem do Bernardo Bertolucci e nem muito menos do Robert De Niro. Ao longo de suas carreiras eles fizeram coisa bem melhor. 

Pablo Aluísio.

sábado, 28 de fevereiro de 2026

As Minas do Rei Salomão

Jesse Huston (Sharon Stone) é uma estudante de arqueologia que resolve contratar o aventureiro Allan Quatermain (Richard Chamberlain) para localizar o paradeiro de seu pai que desapareceu misteriosamente após revelar que havia conseguido finalmente o mapa que levaria para as famosas minas do Rei Salomão. Vivendo mil e uma aventuras o casal adentra nas regiões mais remotas da África selvagem para tentar achar o famoso tesouro do mitológico rei bíblico. “As Minas do Rei Salomão” é uma aventura oitentista que procura seguir os passos da franquia de sucesso “Indiana Jones”. Produzido pelo estúdio Cannon Group o filme tenta em vão capturar o charme das produções de Steven Spielberg e George Lucas. O personagem Allan Quatermain vem da literatura, é obviamente mais antigo do que Indiana Jones, mas pouco ou quase nada se encontra do Quatermain original dos livros aqui. Na realidade ele deixa de ter uma personalidade própria para se tornar um mero Indiana Jones genérico.

Sharon Stone tem sua primeira grande chance de aparecer em um filme no cinema. Antes disso ela só tinha experiência com séries e telefilmes. Seu papel não é grande coisa (nenhum papel do filme é minimamente profundo para dizer a verdade), mas vale como curiosidade. Richard Chamberlain que vinha do sucesso de TV Shogun também tenta virar um astro de filmes de aventura mas não deu muito certo. O grande problema de “As Minas do Rei Salomão” é que seu roteiro não desenvolve nenhum personagem, se limitando a colocar todos em uma sucessão de cenas de ação em trens em movimento, aviões caindo, fugindo de tribos canibais, etc. Tudo bem vazio e derivativo. Os efeitos obviamente envelheceram muito (numa era pré-digital tudo era feito com maquetes e marionetes, inclusive com uma nada verídica aranha gigante em cena). Como fez um relativo sucesso acabou ganhando uma continuação um ano depois, “Allan Quatermain e a Cidade do Ouro Perdido”, com a mesma dupla central. Depois de alguns anos Allan Quatermain voltaria às telas sendo interpretado dessa vez por Sean Connery em “A Liga Extraordinária” mas essa é uma outra história...

As Minas do Rei Salomão (King Solomon's Mines, Estados Unidos, 1985) Direção: J. Lee Thompson / Roteiro:  Gene Quintano baseado na novela de H. Rider Haggard / Elenco: Richard Chamberlain, Sharon Stone, Herbert Lom / Sinopse: Jesse Huston (Sharon Stone) é uma estudante de arqueologia que resolve contratar o aventureiro Allan Quatermain (Richard Chamberlain) para localizar o paradeiro de seu pai que desapareceu misteriosamente após revelar que havia conseguido finalmente o mapa que levaria para as famosas minas do Rei Salomão.

Pablo Aluísio.

Shogun

Título no Brasil: Shogun
Título Original: Shogun
Ano de Produção: 1980
País: Estados Unidos
Estúdio: National Broadcasting Company (NBC)
Direção: Jerry London
Roteiro: James Clavell, Eric Bercovici
Elenco: Richard Chamberlain, Toshirô Mifune, Yôko Shimada, Furankî Sakai, Alan Badel, Damien Thomas

Sinopse:
O Major John Blackthorne (Richard Chamberlain) é um navegador inglês que torna-se peão e jogador nos jogos políticos mortais do Japão feudal.

Comentários:
É curioso como a mente pode pregar peças na gente. A minha memória mais viva desse "Shogun" era como minissérie sendo exibida na Rede Globo lá no começo dos anos 80 (eu era um garotinha na época, é bom esclarecer). Entretanto em todas as referências que encontrei vi que na realidade se trata de um telefilme, de pouco mais de 2 horas de duração. Foi um dos trabalhos mais lembrados do ator Richard Chamberlain, aqui tendo a honra (honra mesmo!) de contracenar com o grande Toshirô Mifune. Olhando para o passado e percebendo como esse filme da NBC (canal de TV aberto nos Estados Unidos) está datado, fica a pergunta: Por que ainda não fizeram uma nova versão de uma história tão boa? Quem sabe em breve surja alguma novidade por aí.

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 25 de fevereiro de 2026

Kramer Vs Kramer

Kramer Vs Kramer
O grande vencedor do último Oscar da década de 70 mostrava o desmoronamento de um relacionamento, os problemas advindos de um divórcio complicado e sofrido e as tentativas de uma família em tentar juntar os pedaços de tudo ao redor. O título do filme já dá bem uma idéia do que se trata, na verdade o roteiro realista e pé no chão (típico do cinema daquela época) procura enfocar os novos desafios que o núcleo familiar enfrentava naquele momento. No Brasil o filme foi ainda mais marcante porque a Lei do Divórcio entrou em vigor poucos anos antes do filme estrear por aqui e certamente isso fez com que muitos se identificassem com o que se passava na tela. A luta pela guarda dos filhos, as pequenas e grandes desavenças, o sentimento de fracasso e frustração, o arrependimento, a raiva, a ira, tudo foi captado com extremo talento pelo cineasta  Robert Benton que procurou acima de tudo passar para as telas um momento que certamente era vivenciado por centenas de milhares de casais nos EUA e fora dele.

Como não poderia deixar de ser o grande destaque do elenco era realmente o ator Dustin Hoffman. Aqui ele interpreta o marido que não sabe direito como agir diante daquela variedade de sentimentos conflitantes que surgiram da noite para o dia com seu divórcio. Ao mesmo tempo em que tenta lidar com a guarda do pequeno filho não tem certeza absoluta se isso seria mesmo a melhor decisão. Sua mulher simplesmente abandona a casa e deixa tudo em suas mãos. Quando retorna exigindo a guarda do filho encontra a resistência do marido. A briga acaba indo parar nos tribunais, Kramer contra Kramer, como o título sugere. Outro nome que se destaca é Mery Streep, que interpreta a esposa, Joanna. O que falar dessa atriz tão consagrada? Streep tem uma das filmografias mais ricas da história do cinema americano e esse é certamente outro de seus grandes filmes. obrigatório para seus fãs.
 
Kramer Vs Kramer (Idem, Estados Unidos, 1979) Direção: Robert Benton / Roteiro: Robert Benton / Elenco: Dustin Hoffman, Meryl Streep, Justin Henry, June Alexander / Sinopse: Casal em processo de divórcio resolve ir ao tribunal para lutar pela guarda do único filho. Filme vencedor dos Oscars de Melhor Filme, Direção, Ator (Dustin Hoffman), Roteiro e Atriz Coadjuvante (Meryl Streep). Filme vencedor do Globo de Ouro nas categorias Melhor Filme – Drama, Direção, Ator (Dustin Hoffman), Atriz Coadjuvante (Meryl Streep) e Roteiro.

Pablo Aluísio. 

sábado, 21 de fevereiro de 2026

O Silêncio dos Inocentes

Outro filme ícone sobre serial killers foi esse excelente “O Silêncio dos Inocentes”. Aqui temos um roteiro mais cerebral que investe muito mais no choque de personalidades entre a agente do FBI Clarice Sterling (a sempre ótima Jodie Foster) e o psicopata Hannibal Lecter (Anthony Hopkins, no papel de sua vida). Um dos grandes trunfos do roteiro é o próprio desenvolvimento do personagem Hannibal. Sujeito culto, inteligente, apreciador de boa música e artes, ele aparenta ser uma pessoa de fino trato. Por baixo de sua elegância e sofisticação porém se esconde um predador frio e cruel, capaz de cometer as maiores barbaridades com suas vítimas. Hannibal assim se revela como uma síntese da personalidade de muitos psicopatas e assassinos em série da vida real pois muitos deles são exatamente como o personagem retratado no filme, pessoas acima de qualquer suspeita, educados, elegantes no trato social mas verdadeiras feras insanas quando finalmente conseguem colocar as mãos em suas presas.

Anthony Hopkins já tinha muita bagagem quando foi escalado para dar vida ao psicopata Hannibal. Ator de muito talento já tinha garantido seu espaço na história do cinema com obras realmente marcantes mas foi apenas com esse personagem que ele conseguiu se tornar conhecido do grande público. A partir de “O Silêncio dos Inocentes” se tornou um astro de primeira grandeza, capaz inclusive de estrelar outros blockbusters do cinema americano. Já Jodie Foster já era bem conhecida do público. Na realidade ela cresceu na frente das câmeras, conseguindo fazer a complicada transição de atriz mirim para uma carreira adulta. Talentosa atriz e também cineasta de mão cheia ela quase não entrou no filme pois estava envolvida em tantos projetos paralelos na época que sentiu que essa personagem não traria muito para sua carreira. Apenas por amizade ao diretor Jonathan Demme resolveu aceitar o papel. A chance de contracenar com Hopkins também pesou em sua decisão de participar do filme. Curiosamente, apesar de todo o sucesso de bilheteria de “O Silêncio dos Inocentes”, Jodie nunca mudou de opinião sobre seu trabalho aqui. Em entrevistas esclareceu que achou uma experiência válida mas que não acredita que o filme tenha trazido muito para sua carreira com um todo. De uma forma ou outra fica a recomendação dessa produção que realmente marcou época e segue sendo um dos melhores retratos de criminosos seriais da história do cinema.

O Silêncio dos Inocentes (The Silence of the Lambs, Estados Unidos, 1991) Direção: Jonathan Demme / Roteiro: Ted Tally, baseado no romance escrito por Thomas Harris / Elenco: Jodie Foster, Anthony Hopkins, Lawrence A. Bonney, Kasi Lemmons / Sinopse: Uma agente do FBI tenta contar com a colaboração de um infame psicopata preso para tentar encontrar o rastro de um serial killer à solta na sociedade. Filme vencedor do Oscar nas categorias de Melhor Filme, Melhor Diretor (Jonathan Demme), Melhor Atriz (Jodie Foster), Melhor Ator (Anthony Hopkins) e Melhor Roteiro Adaptado (Ted Tally).

Pablo Aluísio.

quarta-feira, 18 de fevereiro de 2026

Downton Abbey II: Uma Nova Era

Downton Abbey II: Uma Nova Era
Downton Abbey fez uma excelente transição do mundo das séries para o cinema. Esse segundo filme vem justamente para confirmar isso. É um filme muito bom, diria até excelente mesmo. Toda a tradição de qualidade e excelência desse produto e dessa franquia se mantém em alto nível. A história também é particularmente saborosa para quem gosta de cinema. Com problemas financeiros, Robert Grantham aceita receber uma equipe de filmagem em sua casa. Estão filmando um filme em locação e precisam de um belo cenário para as cenas. E a vitoriana mansão cai justamente como uma luva para o diretor do filme. Assim, uma equipe de filmagem vai para sua tradicional casa e começam os trabalhos. E tudo soa muito inspirador e autorreferencial. Um belo exercício de metalinguagem cinematográfica. 

Para quem aprecia história do cinema, há aspectos muito interessantes. O filme está sendo filmado bem na época em que o cinema mudo está morrendo e o cinema falado começa a dominar o mercado. A atriz principal do filme é uma mulher extremamente bonita e glamorosa, mas com péssima dicção. Como ela vai sobreviver nesta transição? O galã, cobiçado por todas as mulheres, esconde um segredo pois na verdade é homossexual. Outro aspecto curioso acontece quando Violet Grantham herda uma bela propriedade no sul da França. Um amor do passado dela que se revela em um testamento. Isso esconde uma história que perturba o seu filho. E coloca em dúvida inclusive sua verdadeira ascendência. Como eu escrevi, Downton Abbey segue excelente. Já se tornou uma marca de elegância e sofisticação. Que venham novos filmes. 

Downton Abbey II: Uma Nova Era (Downton Abbey: A New Era, Estados Unidos, 2022) Direção: Simon Curtis / Roteiro: Julian Fellowes / Elenco: Hugh Bonneville, Maggie Smith, Jim Carter, Elizabeth McGovern, Michelle Dockery / Sinopse: Uma equipe de cinema chega para trabalhar na mansão de Downton Abbey, rompendo com os costumes e o modo de vida da elegante e tradicional aristocracia inglesa. E um velho amor do passado ressuscita em um testamento, para surpresa de todos.

Pablo Aluísio.

domingo, 15 de fevereiro de 2026

Downton Abbey - O Filme

Downton Abbey - O Filme
Eu esperei terminar todas as temporadas da série "Downton Abbey" para finalmente assistir esse longa-metragem que foi produzido especialmente para o cinema. Pensei que no máximo haveria um episódio estendido ou algo do tipo. Porém me surpreendi positivamente. O filme não destoa ou agride a linha cronológica da série e ainda traz uma história muito boa, imperdível mesmo para quem sempre acompanhou a série. Curiosamente quando assistia aos episódios sempre me perguntava qual seria a relação do Conde com a monarquia inglesa. E isso quase sempre era apenas sugerido indiretamente. Pois aqui estão todas as respostas para quem sempre teve as mesmas dúvidas que eu.

A história do filme começa quando é anunciado que o Rei George V e a família real vão passar em Downton Abbey, para um jantar, um baile e uma parada militar. Todos ficam ansiosos pela visita real, afinal o Conde se sente totalmente prestigiado pela presença do Rei, assim como todos os empregados da mansão. É um momento histórico. A primeira a chegar em Downton Abbey é a princesa e seu marido, cuja relação não e muito boa. Depois chegam todos os serviçais da corte, o que causa um atrito entre a staff real e os demais empregados da mansão. Mr. Carson, o veterano mordomo que estava aposentado é chamado de volta, às pressas, para comandar os empregados na visita real. Enfim, gostei de tudo. Um filme excelente que inclusive pode ser assistido até mesmo por quem nunca viu um episódio da série. Filme primoroso, classe A.

Downton Abbey - O Filme (Downton Abbey, Inglaterra, 2019) Direção: Michael Engler / Roteiro: Julian Fellowes / Elenco: Hugh Bonneville. Elizabeth McGovern, Jim Carter, Maggie Smith / Sinopse: O Conde Robert Crawley e sua família são informados que o Rei da Inglaterra George V e sua esposa, a rainha Mary, vão visitar Downton Abbey. Isso acaba criando um clima de ansiedade e excitação em todos, desde os familiares do Conde, até os empregados da tradicional mansão.

Pablo Aluísio.

sábado, 14 de fevereiro de 2026

RoboCop 3

RoboCop 3
RoboCop 3 (RoboCop 3) foi lançado em 5 de novembro de 1993, dirigido por Fred Dekker e estrelado por Robert John Burke, Nancy Allen, Rip Torn, John Castle e Jill Hennessy. Terceiro capítulo da franquia iniciada em 1987, o filme retorna à Detroit futurista dominada por criminalidade, colapso social e controle corporativo exercido pela poderosa OCP. A narrativa acompanha a continuidade da missão do policial ciborgue responsável por proteger civis em meio a políticas violentas de remoção urbana e militarização das forças de segurança. O ponto de partida dramático surge quando moradores de uma comunidade ameaçada de despejo entram em conflito direto com interesses corporativos, colocando o protagonista diante de escolhas morais que desafiam sua programação. A partir dessa premissa, o longa amplia o escopo político e tecnológico da série, desenvolvendo uma história de resistência, identidade e justiça sem antecipar seus acontecimentos finais.

No momento de seu lançamento, RoboCop 3 recebeu uma reação crítica predominantemente negativa na imprensa americana. O The New York Times observou que o filme suavizava a violência e a sátira que marcaram os capítulos anteriores, resultando em uma abordagem considerada menos impactante. O jornal também apontou que a substituição do ator principal enfraquecia a continuidade emocional da franquia. Já o Los Angeles Times criticou o tom mais voltado ao público juvenil, afirmando que a produção parecia “diluída” em comparação com a intensidade dos filmes anteriores.

A revista Variety descreveu o longa como uma sequência com ambição temática, mas execução irregular, destacando efeitos especiais inconsistentes e narrativa menos coesa. O The New Yorker comentou que a crítica social permanecia presente, porém sem a ironia mordaz característica do primeiro filme. Parte da crítica reconheceu elementos interessantes, como a ênfase em resistência civil e tecnologia avançada, mas o consenso geral foi negativo, considerando o filme um encerramento fraco para a trilogia original.

No aspecto comercial, RoboCop 3 teve desempenho decepcionante nas bilheterias. Produzido com orçamento estimado em cerca de US$ 22 milhões, o filme arrecadou aproximadamente US$ 10 milhões nos Estados Unidos, com retorno internacional apenas moderado. O resultado representou queda significativa em relação aos capítulos anteriores e contribuiu para o encerramento temporário da série no cinema. Ainda assim, o longa encontrou alguma audiência posterior no mercado de vídeo doméstico e em exibições televisivas, mantendo a presença da marca junto a fãs da ficção científica.

Com o passar do tempo, RoboCop 3 passou a ser visto como um capítulo menor, porém curioso, dentro da franquia. Críticos contemporâneos tendem a valorizar alguns de seus elementos conceituais, como a resistência popular e a tecnologia do jetpack, embora continuem apontando limitações de tom e orçamento. O filme permanece lembrado principalmente como exemplo das dificuldades de manter coerência artística em séries de longa duração. Mesmo assim, conserva interesse histórico dentro do universo RoboCop e da ficção científica dos anos 1990.

RoboCop 3 (RoboCop 3, Estados Unidos, 1993) Direção: Fred Dekker / Roteiro: Fred Dekker e Frank Miller (baseado nos personagens criados por Edward Neumeier e Michael Miner) / Elenco: Robert John Burke, Nancy Allen, Rip Torn, John Castle, Jill Hennessy, CCH Pounder / Sinopse: Em uma Detroit controlada por interesses corporativos, um policial ciborgue alia-se a civis resistentes para enfrentar políticas violentas de remoção urbana e novas ameaças tecnológicas.

Erick Steve. 

quarta-feira, 11 de fevereiro de 2026

RoboCop 2

RoboCop 2
RoboCop 2 (RoboCop 2) foi lançado em 22 de junho de 1990, dirigido por Irvin Kershner e estrelado por Peter Weller, Nancy Allen, Dan O’Herlihy, Tom Noonan e Belinda Bauer. Sequência direta do sucesso de 1987, o filme retorna à Detroit futurista marcada por criminalidade extrema, colapso urbano e domínio corporativo sobre as instituições públicas. A narrativa acompanha a continuidade da atuação do policial ciborgue Alex Murphy, agora enfrentando uma nova ameaça ligada ao tráfico de uma droga devastadora e aos experimentos de uma corporação que busca aperfeiçoar o controle tecnológico sobre a polícia. O ponto de partida dramático acontece quando surge um projeto alternativo de aplicação da tecnologia RoboCop, colocando em risco tanto a cidade quanto a própria identidade do protagonista. A partir dessa premissa, o filme amplia a escala da ação e da sátira social, mantendo o suspense sobre as consequências finais desse confronto entre humanidade e máquina.

No momento de seu lançamento, RoboCop 2 recebeu uma reação crítica mista da imprensa americana. O The New York Times observou que a continuação possuía energia visual e violência intensa, mas carecia da surpresa intelectual e do equilíbrio satírico do filme original. Ainda assim, o jornal reconheceu que havia momentos de humor negro e comentário social característicos do universo criado anteriormente. O Los Angeles Times destacou o aumento da escala de ação e efeitos especiais, embora tenha apontado que o tom parecia mais próximo de um espetáculo convencional de ficção científica do que de uma sátira provocativa.

A revista Variety avaliou o longa como uma sequência comercialmente eficiente, porém menos sofisticada, ressaltando que o roteiro — com participação de Frank Miller — trazia ideias sombrias interessantes, mas execução irregular. O The New Yorker comentou que o excesso de violência gráfica e de subtramas diluía o impacto emocional presente no primeiro filme. Parte da crítica elogiou a performance contínua de Peter Weller e a expansão do universo distópico, enquanto outra parte considerou que o filme priorizava o espetáculo em detrimento da reflexão. O consenso geral foi dividido, reconhecendo qualidades pontuais, mas sem o mesmo entusiasmo crítico do original.

No aspecto comercial, RoboCop 2 apresentou desempenho sólido nas bilheterias, embora inferior ao primeiro longa. Produzido com orçamento estimado em cerca de US$ 35 milhões, o filme arrecadou aproximadamente US$ 45 milhões nos Estados Unidos e ultrapassou US$ 45 milhões adicionais no mercado internacional, alcançando cerca de US$ 90 milhões mundialmente. Esses números confirmaram a força da marca RoboCop junto ao público e garantiram a continuidade da franquia em diferentes mídias. Apesar de não repetir o impacto cultural do original, o resultado financeiro foi considerado satisfatório para uma sequência de grande orçamento no início dos anos 1990.

Com o passar do tempo, RoboCop 2 passou a ser visto como uma sequência cult irregular, mas relevante dentro da ficção científica distópica. Críticos contemporâneos tendem a valorizar mais seus elementos sombrios, a crítica social ampliada e certas escolhas ousadas de roteiro, mesmo reconhecendo problemas de ritmo e tom. O filme também ganhou interesse entre fãs de quadrinhos e do trabalho de Frank Miller, que trouxe uma visão mais pessimista e violenta para o universo. Hoje, é lembrado como um capítulo imperfeito, porém importante, da trilogia original e como reflexo do endurecimento estético do cinema de ação do período.

RoboCop 2 (RoboCop 2, Estados Unidos, 1990) Direção: Irvin Kershner / Roteiro: Walon Green e Frank Miller (baseado nos personagens criados por Edward Neumeier e Michael Miner) / Elenco: Peter Weller, Nancy Allen, Dan O’Herlihy, Tom Noonan, Belinda Bauer, Gabriel Damon / Sinopse: Enquanto combate o crime em uma Detroit dominada por drogas e corrupção corporativa, um policial ciborgue enfrenta um novo projeto tecnológico que ameaça sua identidade e o futuro da cidade.

Erick Steve. 

sábado, 7 de fevereiro de 2026

RoboCop

RoboCop
RoboCop foi lançado em 17 de julho de 1987, dirigido por Paul Verhoeven e estrelado por Peter Weller, Nancy Allen, Dan O’Herlihy, Ronny Cox e Kurtwood Smith. Ambientado em uma Detroit futurista dominada pelo crime e pela privatização das instituições públicas, o filme acompanha o policial Alex Murphy, brutalmente ferido em serviço e posteriormente transformado em um ciborgue experimental por uma poderosa corporação. O ponto de partida da narrativa surge quando essa nova entidade, programada para combater o crime com eficiência absoluta, começa a recuperar fragmentos de memória e identidade humana. A partir dessa premissa, o longa constrói uma mistura de ficção científica, ação violenta e sátira social, explorando temas como desumanização tecnológica, corrupção corporativa e a fragilidade da consciência individual. 

Na época de seu lançamento, RoboCop recebeu uma reação crítica amplamente positiva, surpreendendo parte da imprensa que esperava apenas mais um filme de ação violento. O The New York Times destacou que o longa era “muito mais inteligente do que sua superfície sangrenta sugere”, elogiando a combinação entre espetáculo e comentário social. O Los Angeles Times ressaltou a direção irônica de Verhoeven, observando que o filme funcionava simultaneamente como entretenimento visceral e sátira mordaz da cultura corporativa e midiática. A performance contida de Peter Weller também foi mencionada como elemento essencial para dar humanidade a um personagem mecanizado.

A revista Variety descreveu o filme como “uma ficção científica brutal, porém surpreendentemente sofisticada”, apontando que o humor negro e a crítica política elevavam a produção acima do padrão do gênero. O The New Yorker observou que a violência estilizada era usada de forma deliberadamente exagerada, quase caricatural, reforçando o tom satírico da obra. Embora alguns críticos tenham considerado o nível de violência excessivo, o consenso geral foi claramente positivo, reconhecendo RoboCop como uma produção ousada que combinava ação comercial com reflexão social incomum para Hollywood nos anos 1980.

No aspecto comercial, RoboCop foi um grande sucesso de bilheteria. Produzido com orçamento estimado em cerca de US$ 13 milhões, o filme arrecadou aproximadamente US$ 53 milhões nos Estados Unidos e ultrapassou US$ 50 milhões adicionais no mercado internacional, alcançando cerca de US$ 100 milhões mundialmente. O forte desempenho financeiro transformou o personagem em franquia multimídia, gerando continuações, séries televisivas, animações e ampla linha de produtos. O sucesso também consolidou Paul Verhoeven em Hollywood e demonstrou o potencial comercial da ficção científica com tom adulto e satírico.

Com o passar do tempo, RoboCop tornou-se um clássico cult e crítico do cinema de ficção científica. Hoje é frequentemente citado entre os filmes mais importantes do gênero nos anos 1980, admirado por sua mistura singular de violência gráfica, humor ácido e comentário político. A obra é estudada como exemplo de sátira distópica sobre capitalismo, mídia sensacionalista e militarização policial. Mesmo décadas depois, continua influente estética e tematicamente, sendo lembrada como uma das produções mais marcantes da carreira de Verhoeven e uma das representações mais icônicas do policial futurista no cinema.

RoboCop (RoboCop, Estados Unidos, 1987) Direção: Paul Verhoeven / Roteiro: Edward Neumeier e Michael Miner / Elenco: Peter Weller, Nancy Allen, Dan O’Herlihy, Ronny Cox, Kurtwood Smith, Miguel Ferrer / Sinopse: Um policial mortalmente ferido é transformado em um ciborgue de combate ao crime, mas fragmentos de sua antiga humanidade emergem e o colocam em conflito com a corporação que controla sua existência.

Erick Steve. 

terça-feira, 3 de fevereiro de 2026

Superman IV: Em Busca da Paz

Superman IV: Em Busca da Paz
O filme Superman IV: Em Busca da Paz (Superman IV: The Quest for Peace) foi lançado nos Estados Unidos em 24 de julho de 1987, marcando o retorno de Christopher Reeve ao papel de Clark Kent/Superman em um momento delicado da franquia. A direção ficou a cargo de Sidney J. Furie, enquanto o elenco principal inclui Gene Hackman, retomando o papel de Lex Luthor, Margot Kidder como Lois Lane, Jackie Cooper como Perry White e Mariel Hemingway como a nova personagem Lacy Warfield. A história parte de um contexto fortemente influenciado pelas tensões da Guerra Fria, quando Superman decide tomar uma atitude radical diante da ameaça nuclear global. Ao mesmo tempo, Lex Luthor surge com um novo e perigoso plano, criando um inimigo capaz de desafiar o herói de forma inédita. O ponto de partida do enredo aposta em uma mensagem pacifista explícita, colocando Superman como símbolo de esperança em um mundo à beira da autodestruição, sem jamais revelar o desfecho da trama.

Na época de seu lançamento, Superman IV foi recebido de maneira majoritariamente negativa pela crítica americana. O The New York Times descreveu o filme como “bem-intencionado, porém desajeitado”, criticando a execução da mensagem política e a precariedade dos efeitos especiais. O Los Angeles Times apontou que a produção parecia “apressada e tecnicamente inferior”, especialmente quando comparada aos filmes anteriores da série. A revista Variety destacou que, apesar do carisma contínuo de Christopher Reeve, o roteiro carecia de consistência e dramaticidade. Muitos críticos observaram que o tom ingênuo do filme não dialogava mais com o público da década de 1980, que esperava narrativas mais sofisticadas.

A The New Yorker foi ainda mais dura, afirmando que o filme reduzia conflitos complexos a soluções simplistas, enquanto o Washington Post comentou que Superman IV parecia “um eco distante da grandiosidade do original de 1978”. As críticas também recaíram sobre os efeitos visuais, considerados fracos até mesmo para os padrões da época, consequência direta de severos cortes orçamentários durante a produção. O consenso crítico foi amplamente negativo, classificando o filme como o ponto mais baixo da série clássica do Superman. Ainda assim, alguns textos reconheceram o mérito da intenção moral da história, mesmo que mal executada.

Do ponto de vista comercial, Superman IV: Em Busca da Paz teve um desempenho decepcionante. Produzido com um orçamento estimado em cerca de US$ 17 milhões, significativamente menor que os filmes anteriores, o longa arrecadou apenas cerca de US$ 15 milhões nas bilheterias dos Estados Unidos. No mercado internacional, a arrecadação foi igualmente fraca, resultando em um total mundial em torno de US$ 36 milhões. Esses números representaram um fracasso comercial e financeiro, selando o fim da franquia cinematográfica do Superman naquele período. O desempenho negativo também contribuiu para a falência da Cannon Films, estúdio responsável pela produção.

Atualmente, Superman IV é amplamente lembrado como um exemplo de declínio de uma grande franquia, sendo frequentemente citado entre os piores filmes de super-heróis já produzidos. Críticos contemporâneos reconhecem que o filme sofreu com limitações orçamentárias extremas e interferências criativas, o que comprometeu seriamente seu resultado final. Ainda assim, alguns fãs revisitam a obra com certo olhar nostálgico, destacando o compromisso pessoal de Christopher Reeve com a mensagem pacifista do filme. Hoje, Superman IV é visto mais como uma curiosidade histórica do que como uma obra representativa do potencial do personagem.

Superman IV: Em Busca da Paz (Superman IV: The Quest for Peace, Estados Unidos/Reino Unido, 1987) Direção: Sidney J. Furie / Roteiro: Lawrence Konner e Mark Rosenthal (história baseada em argumento de Christopher Reeve) / Elenco: Christopher Reeve, Gene Hackman, Margot Kidder, Jackie Cooper, Mariel Hemingway, Jon Cryer / Sinopse: Diante da ameaça nuclear global, Superman decide agir para eliminar armas de destruição em massa, enquanto um antigo inimigo cria uma nova força capaz de colocar em risco o equilíbrio do mundo e o próprio ideal de paz.

Erick Steve. 

sexta-feira, 30 de janeiro de 2026

Superman III

Superman III
O filme Superman III foi lançado nos Estados Unidos em 17 de junho de 1983, com direção novamente atribuída a Richard Lester, consolidando a mudança de tom iniciada no segundo capítulo da franquia. O elenco principal traz o retorno de Christopher Reeve como Clark Kent/Superman, acompanhado por Richard Pryor, grande novidade do filme, Annette O’Toole como Lana Lang, Robert Vaughn no papel do empresário Ross Webster, além de Margot Kidder e Jackie Cooper, estes com participação mais reduzida. A história parte do cotidiano de Clark ao retornar à cidade natal de Smallville, enquanto um magnata corporativo decide explorar avanços tecnológicos para dominar mercados e desafiar a ordem mundial. Paralelamente, Superman passa a enfrentar uma ameaça inédita ligada à manipulação de sua própria natureza, o que o coloca diante de um conflito interno perturbador. O ponto de partida do filme aposta fortemente no humor e na sátira tecnológica da época.

No momento de seu lançamento, Superman III encontrou uma recepção crítica amplamente mista, com muitos veículos destacando a mudança acentuada de tom em relação aos filmes anteriores. O The New York Times observou que o longa “abandona parte da nobreza do herói em favor de uma comédia exagerada”, ainda que reconhecesse o esforço de Christopher Reeve em manter a credibilidade do personagem. O Los Angeles Times comentou que o filme parecia mais interessado em explorar gags visuais do que em aprofundar o mito do Superman. Já a revista Variety descreveu a produção como “irregular, alternando momentos inspirados com humor excessivamente bobo”. A presença de Richard Pryor foi amplamente destacada, sendo vista como um atrativo comercial, mas também como um elemento que desequilibrou o tom da narrativa.

A The New Yorker foi mais crítica, afirmando que o filme “transforma um herói mítico em parte de uma comédia pastelão”, enquanto o Washington Post apontou que o excesso de humor diluía a sensação de ameaça. Ainda assim, alguns críticos elogiaram sequências específicas, sobretudo aquelas que exploram o lado sombrio do protagonista, vistas como conceitualmente interessantes. No balanço geral, a crítica da época classificou Superman III como inferior aos dois primeiros filmes, reconhecendo seus méritos pontuais, mas destacando a perda de grandiosidade e coesão. A opinião predominante foi de decepção moderada, embora o filme não tenha sido um fracasso crítico absoluto.

Do ponto de vista comercial, Superman III apresentou um desempenho sólido, ainda que abaixo das expectativas geradas pelos capítulos anteriores. Produzido com um orçamento estimado em cerca de US$ 39 milhões, o filme arrecadou aproximadamente US$ 80 milhões nas bilheterias dos Estados Unidos. No mercado internacional, o longa somou cerca de US$ 59 milhões, resultando em uma arrecadação mundial próxima de US$ 140 milhões. Embora lucrativo, o resultado foi considerado decepcionante quando comparado ao sucesso estrondoso de Superman (1978) e Superman II (1981). Esse desempenho contribuiu para a percepção de desgaste da franquia e para mudanças criativas que seriam tentadas no filme seguinte.

Atualmente, Superman III é visto de forma mais indulgente, embora continue sendo considerado um dos capítulos mais fracos da série clássica. Muitos críticos contemporâneos reconhecem o filme como um produto de sua época, refletindo a popularidade da comédia física e da sátira tecnológica no início dos anos 1980. A atuação de Christopher Reeve, especialmente nas cenas em que interpreta versões conflitantes do herói, passou a ser mais valorizada ao longo do tempo. Ainda assim, o tom excessivamente leve e o foco disperso impedem que o filme seja reavaliado como um clássico. Hoje, Superman III ocupa um lugar curioso na história do cinema de super-heróis, lembrado mais por suas escolhas ousadas — e controversas — do que por seu impacto duradouro.

Superman III (Superman III, Estados Unidos/Reino Unido, 1983) Direção: Richard Lester / Roteiro: David Newman e Leslie Newman / Elenco: Christopher Reeve, Richard Pryor, Annette O’Toole, Robert Vaughn, Margot Kidder, Jackie Cooper / Sinopse: Enquanto um ambicioso empresário tenta usar tecnologia avançada para controlar o mundo dos negócios, Superman enfrenta uma crise inesperada que o obriga a lidar com forças externas e conflitos internos capazes de ameaçar sua própria essência heroica.

Erick Steve. 

quarta-feira, 28 de janeiro de 2026

Superman II

Superman II
O filme Superman II teve seu lançamento oficial nos Estados Unidos em 19 de junho de 1981, após uma produção conturbada iniciada ainda no final da década de 1970, sendo creditado na direção a Richard Lester, embora grande parte do material tenha sido filmada originalmente por Richard Donner. O elenco principal retorna do sucesso anterior, liderado por Christopher Reeve no papel de Clark Kent/Superman, acompanhado por Margot Kidder como Lois Lane, Gene Hackman como Lex Luthor e Ned Beatty como Otis, além da introdução de novos antagonistas vividos por Terence Stamp, Sarah Douglas e Jack O’Halloran. A história parte diretamente dos eventos do primeiro filme, apresentando Superman diante de um dilema pessoal profundo quando decide abrir mão de seus poderes para viver um amor humano ao lado de Lois. Paralelamente, três criminosos kryptonianos são libertados da Zona Fantasma e chegam à Terra, trazendo uma ameaça de proporções inéditas. O ponto de partida do enredo equilibra romance, humor e perigo global, aprofundando os conflitos internos do herói e ampliando o universo estabelecido anteriormente, sem jamais antecipar o desfecho da narrativa.

Na época de seu lançamento, Superman II foi recebido com atenção especial pela crítica americana, que observava atentamente se a continuação estaria à altura do filme de 1978. O The New York Times destacou o carisma de Christopher Reeve, afirmando que “Reeve continua sendo o maior trunfo da série, capaz de tornar crível até os momentos mais fantasiosos”. Já o Los Angeles Times elogiou o tom mais leve e bem-humorado da produção, ressaltando que o filme “assume com mais confiança sua natureza de entretenimento escapista”. A revista Variety observou que o equilíbrio entre ação e comédia tornava a experiência mais acessível ao grande público, ainda que apontasse certas irregularidades narrativas. Muitos críticos destacaram o trio de vilões kryptonianos como uma adição eficaz, especialmente a presença ameaçadora de Terence Stamp como General Zod, que trouxe um contraste sério ao tom mais descontraído do filme.

Em contrapartida, parte da crítica apresentou ressalvas claras quanto às mudanças de direção e estilo. A The New Yorker comentou que o filme parecia “dividido entre duas visões criativas”, reflexo direto da troca de diretores durante a produção. Alguns textos críticos apontaram que o roteiro perdia coesão em determinados momentos, alternando entre drama romântico e farsa cômica de maneira abrupta. O Washington Post observou que, embora divertido, o filme não possuía a mesma sensação de novidade e grandiosidade do original. Ainda assim, a avaliação geral na época foi positiva a moderadamente favorável, com consenso de que Superman II funcionava bem como espetáculo popular, mesmo carregando as marcas evidentes de um processo de produção problemático. O público e a crítica, em sua maioria, reconheceram o filme como uma continuação sólida, ainda que imperfeita.

Do ponto de vista comercial, Superman II foi um sucesso significativo. Com um orçamento estimado em cerca de US$ 54 milhões, valor elevado para a época devido às filmagens simultâneas com o primeiro filme, a produção conseguiu um retorno expressivo. Nos Estados Unidos, a bilheteria ultrapassou US$ 108 milhões, consolidando-se como um dos filmes mais lucrativos de 1981. No mercado internacional, o desempenho também foi robusto, elevando a arrecadação global para algo em torno de US$ 190 milhões. Esses números confirmaram a força do personagem Superman como franquia cinematográfica e garantiram a continuidade da série. Apesar dos custos altos e dos conflitos nos bastidores, o estúdio considerou o resultado financeiro altamente satisfatório, reforçando o apelo mundial do herói criado pela DC Comics.

Com o passar das décadas, a reputação de Superman II cresceu e se transformou. Atualmente, o filme é frequentemente lembrado como uma das melhores sequências de super-heróis já produzidas, especialmente dentro do contexto do cinema anterior à era dos efeitos digitais avançados. Muitos fãs e críticos destacam o arco emocional de Clark Kent como um dos mais interessantes já apresentados em adaptações do personagem. O lançamento posterior da chamada “Richard Donner Cut”, em 2006, reacendeu debates críticos e acadêmicos, levando parte do público a reavaliar o filme sob uma nova perspectiva. Hoje, Superman II é visto como uma obra essencial para compreender a evolução do gênero, valorizada tanto por seu entretenimento quanto por seus conflitos humanos e simbólicos.

Superman II (Superman II, Estados Unidos/Reino Unido, 1981) Direção: Richard Lester / Roteiro: Mario Puzo e David Newman (baseado nos personagens criados por Jerry Siegel e Joe Shuster) / Elenco: Christopher Reeve, Margot Kidder, Gene Hackman, Terence Stamp, Sarah Douglas, Ned Beatty / Sinopse: Após questionar seu papel como protetor da humanidade, Superman enfrenta uma ameaça vinda de seu próprio planeta natal enquanto tenta conciliar sentimentos humanos com responsabilidades sobre-humanas, colocando o destino da Terra em risco diante de inimigos poderosos e implacáveis.

Erick Steve. 

sábado, 24 de janeiro de 2026

Superman

Superman
Na iminência da destruição de seu planeta Kripton, Jor-El (Marlon Brando) decide enviar seu filho recém nascido para um planeta distante chamado Terra nos confins do universo. Assim começa a aventura de Superman, um dos super-heróis mais populares e influentes da cultura pop. Para aquele que é considerado o primeiro grande personagem do universo de quadrinhos a Warner resolveu caprichar na realização desse filme. A publicidade de Superman garantia que o espectador iria acreditar que o homem poderia voar. Depois do lançamento ninguém mais tinha dúvidas sobre isso. Superman é até hoje uma das melhores adaptações já feitas de quadrinhos para o cinema. A produção classe A acerta em praticamente todos os aspectos: elenco, direção, efeitos especiais e roteiro. Poucas vezes na história do cinema se viu um filme em que tantos elementos se encaixavam tão perfeitamente. Os efeitos especiais certamente envelheceram pois foram feitos em uma época em que não havia ainda efeitos digitais. Mesmo assim visto atualmente temos que admitir que se tornaram bem charmosos, além de dar um status cult para a produção em si. As cenas em que Superman voa pela primeira vez, por exemplo, não perderam impacto mesmo nos dias de hoje. 

Além de visualmente deslumbrante Superman ainda contava com uma trilha sonora imortal que até hoje emociona. A música tema composta por John Williams ainda soa poderosa e evocativa, mesmo após tantos anos. O elenco de Superman é formidável a começar pela escolha de Christopher Reeve para interpretar o personagem título. Eu costumo dizer que não basta ter apenas a estampa, o porte físico de Superman para se sair bem nesse papel. Tem que ser bom ator e a razão é simples: para interpretar Clark Kent o ator tem que ser versátil. Por isso tantos fracassaram. Nessa questão Christopher Reeve foi brilhante pois atuou maravilhosamente bem tanto na pele do super-herói quanto na pele de seu alter ego, o jornalista tímido e atrapalhado Clark Kent. Outro destaque sempre lembrado desse filme é a presença do mito Marlon Brando. Fazendo o papel do pai de Superman ele rouba a parte inicial do filme. Curiosamente Brando quase não embarca nessa aventura pelo cachê absurdo que cobrou. Após analisar bem o estúdio entendeu que ter Marlon Brando no elenco não tinha preço pois ele certamente traria muito prestígio para o filme como um todo. Foi contratado e mais uma vez arrasou em cena. Como se não bastasse a presença desses dois maravilhosos profissionais o filme ainda contava com um elenco de apoio simplesmente incrível: Gene Hackman e o veterano Glenn Ford (na pele do pai terrestre de Kent). Em breve teremos mais uma adaptação do personagem para as telas, novamente pelos estúdios Warner e novamente contando com uma produção milionária. Será que vai conseguir superar esse filme definitivo sobre o homem de aço? Eu duvido muito. Algumas produções são simplesmente definitivas como essa. Nota 10 com louvor. 

Superman - O Filme (Superman, Estados Unidos, 1978) Direção: Richard Donner / Roteiro: Mario Puzo, David Newman, Leslie Newman, Robert Benton baseados no personagem criado por Jerry Siegel e Joe Shuster / Elenco: Christopher Reeve, Marlon Brando, Gene Hackman, Glenn Ford, Margot Kidder, Susannah York, Terence Stamp / Sinopse: "Superman" de 1978 conta as origens do personagem tão popular do universo de quadrinhos. Nascido em Kripton adquire super poderes em nosso planeta. Um ícone da cultura pop em excelente produção dos estúdios Warner. 

Pablo Aluísio.


Em Cartaz: Superman
Superman – O Filme estreou mundialmente em dezembro de 1978, dirigido por Richard Donner e estrelado por Christopher Reeve, marcando a primeira grande adaptação moderna de um super-herói dos quadrinhos para o cinema com ambição épica. Produzido por Alexander e Ilya Salkind, o longa foi concebido como um espetáculo de prestígio, com orçamento elevado, efeitos especiais inovadores e um elenco de peso, incluindo Marlon Brando como Jor-El e Gene Hackman como Lex Luthor. O slogan promocional — “You’ll believe a man can fly” — sintetizava a aposta do estúdio em convencer o público de que um herói dos quadrinhos podia ser levado a sério no cinema.

A bilheteria foi extraordinária. Com um custo estimado em cerca de US$ 55 milhões, Superman arrecadou mais de US$ 300 milhões mundialmente, tornando-se um dos maiores sucessos comerciais de 1978 e um dos filmes mais lucrativos da década. Nos Estados Unidos, permaneceu semanas entre os líderes de arrecadação, atraindo tanto jovens quanto adultos, algo incomum para um filme baseado em HQs naquele período. O sucesso consolidou o personagem como ícone cinematográfico e abriu caminho para uma nova era de blockbusters de super-heróis.

A reação da crítica foi amplamente positiva, algo decisivo para a longevidade do filme. O The New York Times afirmou que o longa era “leve, espirituoso e surpreendentemente elegante”, destacando o equilíbrio entre humor, ação e emoção. Já a revista Time escreveu que Superman era “um triunfo do cinema popular, feito com inteligência e respeito pelo mito original”, elogiando especialmente a direção de Donner por tratar o personagem com seriedade sem cair no tom solene excessivo.

Christopher Reeve foi o elemento mais celebrado nas resenhas. O Washington Post destacou que o ator “conseguiu tornar Superman grandioso e Clark Kent encantadoramente humano”, algo considerado essencial para o sucesso do filme. A trilha sonora de John Williams também recebeu elogios quase unânimes, sendo descrita pela Variety como “heroica, memorável e instantaneamente associada ao personagem”, reforçando o impacto emocional da narrativa.

Com o passar do tempo, Superman – O Filme passou a ser visto como um marco histórico do cinema comercial, responsável por estabelecer o modelo de grandes produções de super-heróis tratadas como eventos cinematográficos legítimos. Em 1978, muitos críticos já apontavam que o filme “elevava o gênero a um novo patamar”, percepção confirmada pelas décadas seguintes. Hoje, o longa é lembrado não apenas como um sucesso de bilheteria, mas como a obra que ensinou Hollywood a levar super-heróis a sério — sem perder o senso de encanto e esperança.

terça-feira, 20 de janeiro de 2026

O Talentoso Ripley

Título no Brasil: O Talentoso Ripley
Título Original: The Talented Mr. Ripley
Ano de Produção: 1999
País: Estados Unidos
Estúdio: Miramax, Paramount Pictures
Direção: Anthony Minghella
Roteiro: Anthony Minghella
Elenco: Matt Damon, Gwyneth Paltrow, Jude Law, Cate Blanchett, Philip Seymour Hoffman, Jack Davenport
  
Sinopse:
Tom Ripley (Matt Damon) não é um sujeito comum. Ele tem o dom natural para copiar o modo de ser das pessoas, além de as manipular com maestria. Ao viajar para a Europa ele acaba se aproximando do casal formado por Dickie Greenleaf (Jude Law) e Marge Sherwood (Gwyneth Paltrow). No começo ele parece ser apenas uma pessoa agradável e amigável, mas logo surgem suspeitas sobre as suas reais intenções.

Comentários:
Boa adaptação do romance escrito por Patricia Highsmith. O enredo é tecido sobre as sutilezas do comportamento humano, mostrando que nem sempre uma amizade pode ser criada apenas por sentimentos nobres e verdadeiros. Um aspecto curioso é que o filme, apesar de ser americano, procurou copiar o melhor do estilo do cinema europeu. Por isso, para muitos, o filme tem um ritmo um pouco arrastado, quase parando. Essa crítica é porém injusta. Como a trama é baseada em nuances comportamentais, era mesmo de se esperar que existisse um certo tempo para desenvolver todas elas. Melhor para o elenco que assim teve a oportunidade de dar o melhor de si em termos de atuação. Embora todo o trio protagonista esteja muito bem (até o limitado Matt Damon se sobressai), eu gostaria de dar o devido crédito para o grande (em todos os aspectos) Philip Seymour Hoffman. Ele não tem um grande papel dentro da trama, isso é verdade, mas acaba roubando o show em todos os momentos em que surge na tela. Sua morte, causada por uma overdose acidental, deixou um vácuo muito grande dentro da indústria americana de cinema. Por fim, a título de informação, é importante salientar que "The Talented Mr. Ripley" virou uma espécie de queridinho da crítica americana em seu lançamento, o que proporcionou ao filme ser indicado a cinco categorias no Oscar, incluindo Melhor Ator (Jude Law), Melhor Roteiro Adaptado (para o próprio diretor Anthony Minghella que também escreveu o texto do roteiro) e Melhor Direção de Arte (para a dupla formada por Roy Walker e Bruno Cesari, em um reconhecimento mais do que merecido). Então é isso, um filme americano com todo o jeitão do elegante cinema europeu, em uma espécie de estudo da alma humana em frangalhos. Incisivo, mordaz e cruel nas medidas certas.

Pablo Aluísio.

Em Cartaz: O Talentoso Ripley
O thriller psicológico O Talentoso Ripley estreou nos cinemas em dezembro de 1999, dirigido por Anthony Minghella e baseado no romance homônimo de Patricia Highsmith. Ambientado entre Nova York e a Itália do pós-guerra, o filme acompanha Tom Ripley, um jovem ambicioso e socialmente deslocado que se infiltra na vida de um herdeiro americano, dando início a uma espiral de obsessão, impostura e violência. Desde o lançamento, a produção chamou atenção pelo contraste entre a beleza ensolarada dos cenários italianos e a escuridão moral de sua narrativa.

Em termos de bilheteria, o filme obteve um bom desempenho comercial. Produzido pela Paramount Pictures, O Talentoso Ripley arrecadou cifras sólidas nos Estados Unidos e no mercado internacional, beneficiando-se do interesse do público por thrillers sofisticados e pelo apelo de seu elenco estrelado, que incluía Matt Damon, Jude Law, Gwyneth Paltrow, Cate Blanchett e Philip Seymour Hoffman.

A reação da crítica em 1999 foi amplamente positiva. O The New York Times descreveu o filme como “um thriller elegante, perturbador e moralmente inquietante”, destacando a forma como Minghella transformava uma história de crime em um estudo psicológico refinado. A revista Time comentou que a obra era “sedutora, cruel e cuidadosamente construída”, elogiando o ritmo deliberado e a atmosfera de tensão constante.

As atuações receberam destaque especial na imprensa. Matt Damon foi amplamente elogiado por sua interpretação de Tom Ripley, descrita por críticos como “assustadoramente contida e cheia de ambiguidade moral”, marcando uma virada em sua imagem pública após papéis mais heroicos. Jude Law foi celebrado por seu carisma magnético, com jornais afirmando que ele encarnava “o tipo de privilégio e charme que desperta admiração e ressentimento ao mesmo tempo”. Cate Blanchett e Philip Seymour Hoffman também foram apontados como presenças decisivas para a densidade dramática do filme.

Na temporada de prêmios, O Talentoso Ripley recebeu cinco indicações ao Oscar, incluindo Melhor Roteiro Adaptado e Ator Coadjuvante para Jude Law, consolidando seu prestígio crítico. Já em 1999, muitos comentaristas observavam que o filme se destacava por evitar explicações fáceis ou julgamentos morais simplistas. Hoje, a obra é considerada um clássico moderno do suspense psicológico, lembrada por sua sofisticação estética, atuações marcantes e por oferecer um retrato perturbador do desejo de pertencimento e da construção da identidade.